Sono comparsi in Italia nel 1976 all’interno dello spazio televisivo della tv dei ragazzi, ma in pochi hanno capito che non fosse un cartone per ragazzini. Anzi, in gioco c’era, attraverso la rotondità dei personaggi, il confronto generazionale in piena armonia e un messaggio ecologista chiaro e preciso, precursore dei nostri tempi. Parliamo di Barbapapà, lo splendido fumetto nato dalla fantasia di Annette Tison e Talus Taylor e comparso nella Francia del 1970.

ZUCCHERO FILATO – Il personaggio principale viene battezzato col nomignolo di “zucchero flato” (in francese barbe à papa per l’appunto) e nel suo dna nasconde alcune riflessioni che i due autori avevano fatto in occasione del famigerato “maggio francese”. Del resto Barbapapà ha una grossa abilità, quella di modellare il suo corpo come vuole. Questo “potere bizzarro” non richiama forse il nostro desiderio di elasticizzare le idee per frantumare il confine tra pensiero e ideologia?

LA FAMIGLIA – E se il buffo Barbapapà spunta come un fiore dal giardino di casa, come potrà essere la sua vita senza accoppiarsi e formare una famiglia? Così la ricerca forsennata di una Barbamamma consente a Tison e Taylor di rimodellare il modello della famiglia classica, fuori dallo scorbutico esempio della middle-class. La rotondità dei personaggi rimescola lo scenario delle storie vita quotidiana in un mondo che sottomette la routine con la creatività. Forse nel mondo di Barbapapà i vincenti sono proprio gli originali, gli stravaganti e chi riesce a leggere nel loro emisfero interiore – i due bambini François e Claudine – avrà una chance in più per distaccarsi dal contraddittorio mondo degli adulti.

IL CARTOON – I giapponesi intuiscono il valore del fumetto e nel ’74 realizzano la fortunata serie a cartoni animati (45 episodi) sotto la supervisione di Tadami Shimokawa con uno slogan che ha fatto il giro del mondo: “Resta di stucco… è un Barbatrucco!”. Una curiosità: nella sigla di apertura cantano Orietta Berti e Claudio Lippi, mentre ai testi ci ha messo mano il grande Roberto Vecchioni.

“Yabadabaduu!”, il grido di Fred nel celebre cartone animato I Flinstones (Gli Antenati), è una sorta di strillo liberatorio, un ululato anticonformista nell’America degli anni sessanta. E pensare che c’è chi è convinto che i cartoni animati siano ancora “argomenti da ragazzini”. In casa Flinstones si festeggiano 50 anni. Perchè non unirsi a Fred e a tutta l’allegra brigata? La premiata ditta Hanna-Barbera preme a più non posso sull’acceleratore della propria immaginazione per catapultare la media borghesia statunitense nell’era primitiva, per salvaguardarla inconsciamente da quello che sarebbe accaduto. Quando il primo episodio della serie arriva sul piccolo schermo nel 1960, il popolo yankee respira ancora l’aria pulita degli idilliaci anni cinquanta. All’orizzonte non si intravede ancora il declino minaccioso della guerra fredda, l’assassinio di John Kennedy, gli scontri razziali, la perdita del “profeta nero” Martin Luther King, la bufera e i disorientamenti delle contestazioni o la fanghiglia della guerra del Vietnam.

50 CANDELINE - I Flinstones sono una tranquilla famiglia che vive nella città di Bedrock: l’esuberante Fred, la dolcissima moglie Wilma, il vispo dinosauro Dino, e la figlia Ciottolina. Fred è molto irascibile e non provate mai a toccargli la sua grande passione: il bowling. E’ davvero sacrilego fare un gesto simile, soprattutto quando c’è l’amico fedele con cui fa coppia fissa, Barney Rubble. Barney è sposato con l’adorata Betty, che condivide un sincero rapporto d’amicizia con la moglie di Fred. Non provate mai a disturbare Betty e Wilma nelle loro lunghe conversazioni, mentre fanno shopping e tirano fuori un mucchio di pettegolezzi. Questi simpatici personaggi hanno tenuto compagnia il pubblico del piccolo schermo per 166 episodi, trasmessi negli USA ininterrottamente dal 1960 al 1966. Sembra un’anomalia del tempo, ma la città dove vivono i Flinstones e i loro amici è vestita di modernità: ci sono centri commerciali, alberghi lussuosi, drive-in dove per godersi un bel film e luoghi per svagarsi. Di primitivo c’è poco e niente, se non il volto scenografico. Persino Fred se ne va a zonzo con l’auto, pedalando per farla marciare. Almeno non dovrà fare a cazzottate con gli arroganti benzinai sugli aumenti repentini del prezzo del carburante!

DOPPIO SIGNIFICATO – La formula del successo del cartone animato è dovuto a questa preistoria ridisegnata, che Hanna e Barbera dipingono con i pennelli della modernità. I Flinstones sono una famiglia di cavernicoli, ma vivono lo stress della famiglia media americana. Fred si dimena a risolvere i problemi lavorativi, Wilma armeggia in cucina e si impegna a far funzionare la famiglia. Tuttavia, gli elettrodomestici abbondano in casa: dal televisore alla lavatrice. Siamo o no nella preistoria? E la corrente elettrica per alimentarli? C’è un piccolo dinosauro, sempre in allerta per farli funzionare. Sit-com a cartoni animati, i Flinstones anticipa già le smanie della famiglia moderna, la corsa al consumismo, e il desiderio malsano di chiudersi all’interno di club esclusivi. Non è un caso che il maschilismo di Fred sgoccioli nel club di soli uomini, il Real Ordine del Bufalo d’acqua. Fred, Wilma e compagnia hanno avuto anche una versione lanciata nel futuro con i Jetsons (I pronipoti, 1962), parodia tagliente delle città di domani, contaminate da astronavi, aggeggi elettronici e inviasioni di robot. Infine, i Flinstones sono approdati al cinema nei primi anni novanta con due lungometraggi: “I Flinstones” (1994) e “I Flinstones – Viva Las Vegas” (2000).

Quella simpatica canaglia della Pantera Rosa, rivestita dal tocco surrealista che fa il verso a Salvador Dalì, è nata per uno schiribizzo da “titoli di testa”. Sì, perché di certo il suo non era un destino riservato ai personaggi che nascono e vivono nel mondo dei cartoni animati. E poi il suo nome di battesimo si riferisce ad un prezioso diamante, che è il motore dell’azione della fortunata serie di film diretti da Black Edwards tra il ‘63 e il ‘93, la Pantera Rosa per l’appunto.

TITOLI DI TESTA – Capita anche questo, come scrisse a suo tempo Time Magazine, che “i titoli di testa” prendano il sopravvento sulla storia, quelle delle peripezie dello svitato Ispettore Clousoe. David DePatie e Friz Freleng, due fuoriclasse dell’animazione, mettono a punto la sagoma di un felino che ha il portamento di Cary Grant e l’espressione mimica di Buster Keaton. Un felino tutto “pink”, così carismatico da contagiare persino i colori della moda di quegli anni, destinato a diventare un personaggio regale dell’immaginario popolare: il motivetto jazz scritto da Henry Mancini dà quel tocco finale che decreta la longevità del successo della Pantera Rosa.

MINIMALISMO – Il minimalismo del disegno, l’atteggiamento tipicamente aristocratico “very British”; quell’essere sofisticato, residuo dell’American way of Life degli anni ’50; la sembianza buffa tra i lunghi baffi e il naso rosso, fanno di Pink Panther una vera icona dell’ultima stagione del surrealismo. Quello iconografico che controbatteva le inquietudini e i sussulti rivoluzionari che caratterizzavano gli anni sessanta, al di là della Manica così come oltre Oceano.

PINK PANTHER –  I 123 cortometraggi a cartoni animati consegnano la complessità del mondo degli adulti alla spensieratezza dell’infanzia, persino quando nella metà degli anni ’80 i diritti della Pantera Rosa finiscono alla premiata ditta Hanna & Barbera. Alcuni musicisti come Nicola Conte, Fatboy Sim e Peggy Lee le hanno fatto il filo dedicandole alcuni brani inediti.

La nostra “Second life” nel mondo dei cartoni animati non sarebbe stata la stessa senza Willy il Coyote e Beep Beep, la spassosissima serie di 45 episodi prodotta dalla Warner negli anni ’40. Ed è proprio negli Stati Uniti del dopoguerra che appaiono questi due personaggi che ancora oggi divertono generazioni di papà e figli. Un coiote che insegue un road runner fino allo stremo non è forse qualcosa di più di una chicca dell’intrattenimento targata Looney Tunes e Merrie Melodies?

ANIMAZIONE E PSICOLOGIA – La gag è nella filosofia del grande cartoonist Chuck Jones (1912-2002), che si ingegna negli studi della Warner per valorizzare la comicità con sprazzi di psicologia. Accadrà con il suo topo Speedy Gonzales e con gli stessi Willy il coyote e Bib Bip, i suoi personaggi di maggior successo, che fanno l’ingresso sul piccolo schermo americano il 16 settembre 1949. Questi corti che hanno una media di sette minuti sono dei piccoli gioielli della creatività d’oltreoceano perché allargano l’orizzonte su un congegno narrativo che mette al centro della storia il mito del cacciatore e braccato.

IL COYOTE O IL PENNUTO? – Da che parte sta lo spettatore? Dalla parte di Beep Beep, del maldestro braccato, di quello che in realtà non appartiene alla specie degli struzzi, ma ad un uccello tipico dei deserti americani: il Geococcyx californianus, un uccello della famiglia dei Cuculidae dell’ordine dei Cuculiformes. Insomma, in alcune puntate in italiano, Bip Bip è stato associato ad una specie che non gli appartiene. Buon per gli struzzi che hanno avuto così la loro meritata rivincita! E chi tifa per Willy? Quelli più ingegnosi, quelli a cui può dare ai nervi la velocità dell’indomabile pennuto. Il coyote – tra i primi player di un cartone animato a volgere lo sguardo in macchina – si prenderà la sua rivincita con l’ingegno delle sue trappole , ma il gioco continuerà all’infinito.

METAFORE DISEGNATE - Il successo della serie animata si moltiplica decennio dopo decennio perché Willy il coyote e Bip Bip sono una metafora perfetta dell’esistenza umana, e dello scambio dei ruoli che spesso ci tocca da vicino. Willy ha un pregio, l’ostinazione; il pennuto invece predilige la sfida, sempre e comunque. Persino il web e Facebook li hanno fatto un monumento: sul social network più cliccato del web stravince la pagina “Per chi ha sempre desiderato vedere Bip Bip strangolato da Wile Coyote” (quasi 750.000 iscritti).

Prima di Ponio sulla scogliera c’erano altri esseri ad animare la sconfinata materia della sua immaginazione: la Principessa Mononoke, Nausicaa della Valle del Vento, Lupin, Conan il ragazzo del Futuro. La matita di Hayao Miyazaki ha sparso poesia fantastica ovunque con i suoi disegni animati. Il Giappone è diventato improvvisamente la culla dell’immaginazione.

Per quelli che credono che i cartoni animati siano roba da mocciosi; per quelli che credono che il loro destino sia in mano ai computer e al 3D; per quelli che credono che matite, colori e fogli siano strumenti di altri tempi per dare vita ad un disegno animato; per quelli che credono che cartoonia si trasferisca dall’Europa agli Stati Uniti, dimenticando un terzo incomodo: il Giappone. Nella terra nipponica pulsa ancora l’arte del disegno animato, quello a cui eravamo abituati prima dell’avvento delle nuove tecnologie. Il cartone animato diventa poesia nella culla dell’immaginazione e prende forma nella visione e nei colori di visi tondeggianti (Heidi), sguardi caricaturali (Lupin III) o occhioni spalancati (Conan, il ragazzo del futuro). Nella terra dei Samurai la matita segue ancora un suo percorso creativo nell’arte indiscutibile di Hayao Miyazaki (Tokio, 1941).

PONIO SULLA SCOGLIERA – Adesso si è tornato a parlare di lui perché nelle sale cinematografiche un pubblico di bambini e adulti ha trovato un’alternativa ai mostri o agli extra-terrestri della Pixar o Dreamworks. Il film d’animazione si chiama Ponio sulla scogliera, fa il verso alla Sirenetta di Andersen – i giapponesi attingono da sempre alle letteratura europea – ci restituisce la freschezza e l’immediatezza di una favola tra Oriente e Occidente. L’immaginario di Miyazaki coincide con quello di un bambino, proiettando sul grande schermo sogni e desideri di un artigiano cresciuto con il rumore dei sogni.

IL RUMORE DEI SOGNI – Si può andare a ritroso e sentire in crescendo il rumore dei sogni sotto il Castello errante di Howl, tra le meravigliose sorprese di La città incantata o nelle visioni diluite di Nausicaa della valle del vento. Basta un vertiginoso movimento di macchina che traccia il volo di un gabbiano per sintetizzare l’epicentro dell’opera di Miyazaki: il rapporto d’amore e odio tra Uomo e Natura, in una sottile rabbia che si smorza soltanto nell’innocenza dei bambini contrapposta alla ferocia del mondo di noi grandi.

LA PIETRA DELLA SAGGEZZA – Ci vuole coraggio a mantenere questa innocenza in ogni circostanza, nell’amore come nella disperazione, nell’accettazione della propria diversità. E lo capiscono subito il bambino e la bambina, protagonisti di Ponio. Ci vuole coraggio ad affidare ad una matita e ad un foglio bianco la pietra della saggezza, a dare consistenza alla vanità della nostra realtà, ad ammettere che un film d’animazione di Miyazaki possa restituire al mondo adulto la spiritualità del fanciullo, sepolto da qualche parte nel calendario di questi giorni perduti.

FILMOGRAFIA ESSENZIALE – Il castello errante di Howl, La città incantata, Principessa Mononoke, Porco Rosso, Kiki’s Delivery Service, My Neighbor Totoro, Laputa: Castle in the Sky, Nausicaa della valle del vento, Lupin III – Il castello di Cagliostro.

E’ possibile che la festa che ci rende tutti buoni possa incontrare l’horror? Non è mai capitato prima che il Natale con le sue atmosfere magiche aprisse le porte alla Notte delle Streghe, ad Halloween. Un’idea così bizzarra poteva venire in mente soltanto ad un creativo del nostro cinema: Tim Burton. Sì, perché il film d’animazione Tim Burton’s The Nightmare Before Christmas è un gioiello per questo motivo. Non solo per come viene gestita l’animazione sotto la regia di Henry Selick, ma per il soggetto della storia. Capita qualche volta che “i cattivi siano stanchi di fare i cattivi”. Raramente nella realtà, ma più spesso nelle fantasticherie dell’immaginazione.

BEFORE CHRISTMAS – Il nostro protagonista, il principe di Halloween John Skeletron, non ne può proprio più di spaventare i bambini e così si affaccia nel regno supremo di Santa Claus. Trova uno stratagemma per sostituirsi a Babbo Natale e se ne va in giro a distribuire doni onirici ai bambini. Le cose non vanno per il verso giusto e Skeletron potrebbe trovarsi nel bel mezzo di una tempesta. A salvarlo è la fedele bambola di pezza Sally, innamorata di lui, pronta a valutare il prezzo del sacrificio.

TIM BURTON’S NIGHTMARE – Piccolo capolavoro che non fu capito del tutto nel 1993, The Nightmare Before Christmas è fatto con una vecchia tecnica d’animazione. Alla stop-motion che fissa e fa muovere i personaggi/pupazzi in un modo preciso si affiancano i trucchi computerizzati, rendendo il prodotto cinematografico un flirt visivo tra passato e futuro. Nonostante non sia annoverato nella filmografia del regista californiano, questo film è ispirato ad un libro per bambini, scritto e illustrato durante gli anni di permanenza alla Disney. La radice gotica e visionaria di Burton già campeggiava nel suo corto mai distribuito Frankenweenie (1984) e nella commedia soprannaturale Beetlejuice (1988).

IL RISCATTO DEL DIVERSO – Tuttavia, è proprio The Nightmare Before Christmas il film più autobiografico e personale, nonostante il soggettista giochi a nascondersi dietro pupazzi in movimento.Alla base dell’idea della pellicola prevale sempre la voglia di un riscatto per “il diverso”. Skeletron e la sua innamorata Sally sono i due diversi, coloro che nel luccichio del Natale troveranno un barlume di felicità, lontano dai sotterranei onirici a cui il destino li aveva condannati.

CURIOSITA’ - Nell’edizione italiana la voce di Skeletron è di Renato Zero. Dal 2003 è scattata la caccia ai gadget e al merchandising del film, che ha fruttato a Burton milioni di dollari. Nell’ottobre del 2006, negli USA è stata presentata una versione in 3d. Il mercato musicale è stato invaso da un cd, in cui le tracce della colonna sonora erano ricantate da star come Marylin Manson. Splendido è il main-theme “This is Halloween”, cantato in stile punk.

Alla fine degli anni settanta, c’era una tv per ragazzi – quella proposta da mamma Rai – che andava in onda nel tardo pomeriggio con un palinsesto molto limitato. Con l’avvento della televisione commerciale, anche la tv dei più piccoli cambia pelle, ma offre soprattutto un’ampia scelta di prodotti. Al vecchio Topo Gigio, si sostituisce un esuberante concorrente: si chiama Uan ed è il protagonista di Bim Bum Bam, l’indimenticabile trasmissione televisiva in onda alle 16.00 dal lunedì al venerdì su Italia 1 dal 1982 al 1990. Uan, questo buffo pupazzo rosa, non è altro che la mascotte dell’emittente televisiva acquistata dalla Fininvest, che viene realizzato dal gruppo 80. Doppiato da Giancarlo Muratori, Uan conquista presto il pubblico di bambini e ragazzi, che si godono Bim Bum Bam come striscia pomeridiana, intervallata da diversi cartoni animati.

BIM BUM BAM – Dopo i timidi accenni da parte della Rai di inserire gli anime giapponesi nei palinsesti (Goldrake, Heidi, Remì), la programmazione diventa più fitta in questi anni. Si pensi a titoli come “Mimì e la nazionale di pallavolo”, “La Stella della Senna”, “Carletto principe dei mostri”, ” I Fantastici Viaggi di Fiorellino”, “L’incantevole Creamy”, “C’era una volta… Pollon”, “Nanà Supergirl”, “Georgie”, “Bun Bun”, “Lucy May”, o “Mila e Shiro”. Bim Bum Bam predilige soprattutto l’anime sentimentale, dando poco spazio a robot e galassie spaziali. I primi tre storici conduttori del fortunato contenitore televisivo si chiamano Sandro Fedele, Marina Morra e Paolo Bonolis. Tre facce simpatiche, pronte ad interagire con Uan, a leggere la posta di tutti quei bambini che fanno domande o inoltrano richieste, intervenendo anche contro quella voce fuori campo alquanto misteriosa. E’ il signor Brandolin che rimprovera sempre i conduttori o cerca di lanciarli insidie lungo il corso del programma. Tra i siparietti memorabili ci sono le indomabili parodie: da Uanathan, tratta dalla trasmissione del compianto Ambrogio Fogar, Johnatan Dimensione Avventura, a Piolocky e Karlenstein. E poi la complicità di Uan era perfetta per la telepromozione della caciotta fetecchia che si concludeva con il “ssssssì”.

NOVITA’ – Tra gli autori del programma c’è un team davvero formidabile: Edoardo Erba, Giancarlo Muratori, Daniele Demma, Kitty Perria, Enrico Valenti e Cino Tortorella, quest’ultimo il famoso Mago Zurlì dello Zecchino d’Oro. La novità di Bim Bum Bam è stata quella di aver promosso la nuova etichetta discografica Fiverecords, che attraverso la voce di Cristina D’Avena, ha lanciato le nuove sigle televisive. Da questo momento i testi e le musiche delle canzoni vanno in pasto ad una sorta di “monopolio interpretativo” nella serie di compilation dal titolo Fivelandia. Tra gli altri conduttori che si sono succeduti al timone di Bim Bum Bam si ricordano Licia Colò, Manuela Blanchard, Carlo Sacchetti, Debora Magnaghi, Carlotta Pisoni Brambilla, Roberto Ceriotti, Marco Bellavia e il piccolo Alessandro Gobbi. Nel 1991 il programma trasloca su Canale 5 per poi tornare alla fine degli anni novanta su Italia 1. Tuttavia, gli anni d’oro sono finiti e Bim Bum Bam finirà presto nel dimenticatoio, cancellato dai palinsesti, memoria televisiva delle generazione del rampantismo degli anni ottanta, oggi improponibile nell’era della pay tv e della tv on demand.

Nel panorama del fumetto e dell’animazione giapponese, i robot giganti fanno la loro comparsa nei primi anni sessanta (Atom). La rivoluzione copernicana è però opera di Go Nagai (il vero nome è Kiyhoshi Nagai), classe 1945, l’autore di quattro robottoni indimenticabili tra cui Goldrake. Nagai affronta per la prima volta il rapporto complesso tra l’uomo e la macchina e il riconoscimento di una coscienza umana all’interno della stessa macchina. I quattro automi, creati nel corso degli anni settanta, sono controllati dalle menti umane. Il pilota entra nel suo robot, ne diventa il prolungamento e fornisce una vera e propria anima alla gelida macchina. Una simbiosi che stravolge l’assetto dei rapporti interpersonali nella narrazione e triplica l’immedesimazione dello spettatore nell’eroe. I robot di Nagai hanno una forma geometrica ben definita e sono dotati di armi tecnologiche avanzate.

GOLDRAKE - In Italia, Nagai raggiunge la popolarità con Goldrake (o Atlas Ufo Robot, 1975, 72 episodi, Toei Animation) che viene trasmesso dalla Rai su Rete 2 alle ore 19 a partire dal 4 aprile 1978. E’ una data storica poiché i nostri responsabili della programmazione televisiva cominciano a rendersi conto del valore creativo dei prodotti animati del Sol Levante. La censura italiana si mostra ancora una volta miope, e gli episodi appaiono in un altro ordine, con i nomi dei personaggi cambiati e, in alcuni casi, privi di alcune scene significativi. Un brutto scherzo giocato dalla Tv di Stato anche alla precedente serie di Mazinga Z, che viene trasmessa in versione integrale soltanto nei primi anni ottanta da Italia 7, un circuito di emittenti locali. Alla guida del robot Goldrake c’è il principe Duke, l’unico sopravvissuto al massacro della stella Fleed, con il compito di difendere la terra dalle minacce del perfido re Vega. In un certo senso Duke, allevato sulla terra dal dottor Procton col nome di Actarus, è una sorta di Clark Kent/Superman dell’universo nipponico. I tratti psicologici dei personaggi e il loro fronteggiare le difficoltà della vita quotidiana raggiungono l’apice in questa bellissima serie tv. Atlas Ufo Robot è un vero compendio antologico della poetica narrativa di Go Nagai, dove spiccano la predilezione per le atmosfere horror, la forte conflittualità tra bene e male e l’alienazione del protagonista a causa della sua diversità (Duke/Actarus è addirittura un extra-terrestre). In Italia, Goldrake connota addirittura il linguaggio degli adolescenti degli anni di piombo (i raggi supersonici), mentre la sigla firmata dal duo Tempera-Albertelli balza ai primi posti nella hit parade. Scoppia “la febbre da Robot” e si sviluppa una produzione di gadget e giocattoli mai visti primi. Go Nagai, diventa il re Mida del Sol Levante, è agisce con sagacia a livello industriale così come farà il regista americano George Lucas per la saga di Star Wars.

ELENCO DEGLI EPISODI – 1. Alcor e Actarus; 2. La Terra è in pericolo!; 3. L’incubo; 4. Il mostro spaziale; 5. Una serata di gloria; 6. Attacco a Tokyo; 7. Un mistero dallo spazio; 8. Catturate gli spaziali!; 9. Operazione spionaggio; 10. Agguato lunare; 11. Missione da Vega; 12. Il disco di ghiaccio; 13. Fiamme dallo spazio; 14. Festa di Capodanno; 15. La stella fantasma*; 16. Il passaggio segreto; 17. La bufera di neve; 18. Pioggia di asteroidi; 19. L’insidia nella montagna; 20. Il giorno dell’aurora; 21. La difesa magnetica; 22. Distruggere la diga!; 23. Eliminate Goldrake!; 24. L’amore che sbocciò nel cielo; 25. Avanti nello spazio!; 26. Il contrattacco di Goldrake; 27. L’invasione degli umanoidi; 29. La cicatrice rossa; 28. Un amico dallo spazio; 30. Un robot per Alcor; 31. Un miraggio mortale; 32. Il mostro dallo spazio; 33. Un lupo siderale; 34. Il terremoto; 35. Il raggio ciclonico; 36. Esplosione nella galassia; 37. La ricerca del superuranio; 38. Venusia scende in campo; 39. Il mare è in fiamme!; 40. Battaglia negli abissi marini; 41. S.O.S. dal centro spaziale; 42. Una base segreta sulla Terra; 43. Un segreto della preistoria; 44. I mostri del sottosuolo; 45. Uno squalo dallo spazio; 46. L’insidia sotto il lago; 47. La montagna scomparsa; 48. Il mostro ribelle; 49. Eliminate Alcor!; 50. Il pianeta morto; 51. La fuga; 52. Il mostro invincibile; 53. L’orrore negli abissi; 54. Il mostro di Lochness; 55. L’occhio spaziale; 56. Un piccolo mostro; 57. Il falso Goldrake; 58. Piano Pegaso; 59. Il giorno dei cigni*; 60. Ultimatum ore sette; 61. Gli ultimi cinque minuti; 62. Alcor, un vero combattente!; 63. Sotto il livello del mare; 64. La fuga di Gandal; 65. Maria nella tempesta; 66. Il figlio di Zuryl; 67. Addio, re di Fleed!; 68. Due amici inseparabile; 69. Un amico dal passato; 70. Rivoluzione nello spazio; 71. Goldrake addio**; 72. Goldrake o Vega.

CONCLUSIONE – Al di là di tutto questo, Go Nagai ha tracciato attraverso i suoi robot il profilo del nuovo Giappone: l’ingresso nel clan dei paesi più industrializzati, garantisce al Paese il primato come maggiore esportatore di elettronica. Nagai mette nero su bianco anche quell’angoscia che accompagnerà l’uomo al varco del terzo millennio. La presa di coscienza della difficile convivenza tra l’uomo e la macchina si rivelerà una delle cause degli squilibri dell’epoca della globalizzazione. Da questo punto di vista, gli eroi di Nagai sono innovativi e anticipano di trent’anni le diverse problematiche di oggi.

Nel panorama del fumetto e dell’animazione giapponese, i robot giganti fanno la loro comparsa nei primi anni sessanta (Atom). La rivoluzione copernicana è però opera di Go Nagai (il vero nome è Kiyhoshi Nagai), classe 1945, l’autore di quattro robottoni indimenticabili tra cui Jeeg.  Nagai affronta per la prima volta il rapporto complesso tra l’uomo e la macchina e il riconoscimento di una coscienza umana all’interno della stessa macchina. I quattro automi, creati nel corso degli anni settanta, sono controllati dalle menti umane. Il pilota entra nel suo robot, ne diventa il prolungamento e fornisce una vera e propria anima alla gelida macchina. Una simbiosi che stravolge l’assetto dei rapporti interpersonali nella narrazione e triplica l’immedesimazione dello spettatore nell’eroe. I robot di Nagai hanno una forma geometrica ben definita e sono dotati di armi tecnologiche avanzate.

JEEG – Con la successiva serie animata Jeeg Robot d’Acciaio (1975, 48 episodi, Toei Animation), il registro e le atmosfere narrative cambiano notevolmente: ambientazioni più oscure, maggiore caratterizzazione psicologica dei personaggi ed estremizzazione del rapporto tra uomo/macchina (il corpo di Hiroshi si trasforma nella testa di Jeeg). La serie tv, trasmessa in Giappone dal 5 ottobre 1975 al 29 agosto 1976, narra la guerra contro l’antico popolo Haniwa che rivuole una preziosa campana di bronzo, nascosta dal professor Shiba nel corpo del figlio Hiroshi dalla nascita. Grazie alle scoperte scientifiche del padre, ucciso dai sicari della malvagia regina Himika, Hiroshi diventa invincibile e si trasforma nella testa del robot Jeeg, a cui si aggancia il resto del corpo. Il percorso narrativo punta il dito sul dramma di Hiroshi, che vive male la sua diversità in bilico tra chi vorrebbe vivere una vita normale e chi stenta a liberarsi della sua anima da cyborg. A questo dilemma esistenziale, si aggiunge l’affaticamento delle responsabilità che lo vedono occuparsi in prima linea della sua famiglia e della sorellina. Tuttavia, i consigli del padre (il professor Shiba ha registratoprima di morire tutti i suoi ricordi in un computer) lo aiuteranno a districarsi nella vita di uomo e di paladino. Quest’ultima si rivela una scelta narrativa alquanto singolare, che richiama le immagini sinuose del teatro di Becket (L’ultimo nastro di Krapp): registrare i percorsi della memoria su un nastro magnetico equivale a sovrapporre il presente e il passato per filtrare il flusso della vita, per sconfiggere il tempo al di là della morte.

ELENCO DEGLI EPISODI – 1. Il risveglio dei mostri; 2. Il rapimento di Mayumi; 3. L’inganno di Mimashi; 4. Missili perforanti; 5. Macchie solari; 6. Formula 1; 7. Radioattività; 8. La sfida di Don; 9. La principessa delle nevi; 10. S.O.S. Big Shooter; 11. Lotta senza quartiere; 12. Prigioniero di Himika; 13. Nessun compromesso; 14. All’ultimo istante; 15. Sangue blu; 16. Prigioniero di un sogno; 17. Mecadon 2; 18. Transfert di memoria; 19. Il cavaliere senza macchia e senza paura; 20. Costretto a battersi; 21. Trappola infernale; 22. Uragano; 23. Infame ricatto; 24. Epidemia; 25. Condizionamento telepatico; 26. Il segreto della campana di bronzo; 27. Odio implacabile; 28. Attacco suicida; 29. L’imperatore delle tenebre; 30. La scomparsa di Miwa; 31. Ad altissima quota; 32. Rivolta al centro della Terra; 33. Sabotaggio; 34. Attacco dall’oltretomba; 35. Situazione di stallo; 36. La rosa nera; 37. Missione senza ritorno; 38. L’ultima carica; 39. A qualsiasi costo; 40. Raggi omega; 41. Il ritorno di Himika; 42. Tragico errore; 43. Preso in ostaggio; 44. Oltre la vita; 45. Fino all’ultimo respiro; 46. Verso la vittoria

Nel panorama del fumetto e dell’animazione giapponese, i robot giganti fanno la loro comparsa nei primi anni sessanta (Atom). La rivoluzione copernicana è però opera di Go Nagai (il vero nome è Kiyhoshi Nagai), classe 1945, l’autore di due robottoni indimenticabili: Mazinga Z e il Grande Mazinga. Nagai affronta per la prima volta il rapporto complesso tra l’uomo e la macchina e il riconoscimento di una coscienza umana all’interno della stessa macchina. I quattro automi, creati nel corso degli anni settanta, sono controllati dalle menti umane. Il pilota entra nel suo robot, ne diventa il prolungamento e fornisce una vera e propria anima alla gelida macchina. Una simbiosi che stravolge l’assetto dei rapporti interpersonali nella narrazione e triplica l’immedesimazione dello spettatore nell’eroe. I robot di Nagai hanno una forma geometrica ben definita e sono dotati di armi tecnologiche avanzate.

MAZINGA – Dal 3 dicembre 1972 al 1 settembre 1974 approda sugli schermi televisivi giapponesi Mazinga Z (92 episodi, Toei Animation), tratto dall’omonimo fumetto pubblicato dalla rivista Shonen Jump. Per impedire al suo ex collega dottor Hell di conquistare la terra, il dottor Kabuto costruisce un robot gigante che lascia in eredità al nipote Rio. Il giovane controlla Mazinga Z attraverso l’Hover Pilder, un piccolo mezzo volante e inizia a difendere la terra dai molteplici nemici che si susseguiranno. Nagai è abilissimo nel creare situazioni estremamente drammatiche e suddividere l’umanità in due grandi categorie. Da una parte ci sono i difensori della verità, che mettono la tecnologia a servizio dell’umanità, dall’altra i malvagi che sono disposti a qualsiasi cosa pur di impadronirsi del mondo. Elaborando i tratti un po’ rozzi di Mazinga Z, nel 1974 arriva il Grande Mazinga (56 episodi, Toei Animation), i cui episodi vengono trasmessi in Giappone dall’8 settembre 1974 al 28 settembre 1975. Il nuovo Mazinga, viene pilotato dal giovane Tetsuya, allevato dal professor Kabuto (il padre di Rio in Mazinga Z), che dovrà vedersela contro una vecchia razza sotterranea. Tra gli altri personaggi si segnalano il robot femminile Venus, pilotato da Jun Hono, e il goffo Boss Robot.

ELENCO DEGLI EPISODI – 1. Nascita di un robot prodigioso; 2. Fermate l’esercito di Ashura; 3. Operazione distruzione Mazinga; 4. Attacco su due fronti; 5. Le tattiche del barone Ashura; 6. La grande statua di Abdora; 7. Deimos F-3, robot scomponibile; 8. Dyan dal braccio d’acciaio; 9. Il grande cannone Galeno; 10. Il tradimento di Vicong; 11. Una gara di pupazzi di neve; 12. Attacco con l’alta marea; 13. Glossam, il terrore dei mare; 14. Il tornado misterioso; 15. Il mostro volante; 16. L’ultimatum di Ashura; 17. Una prova di coraggio; 18. Duello nella città fantasma; 19. La fortezza subacquea Salus; 20. I capricci di Yuri; 21. L’attacco del robot supersonico; 22. La cattura di Afrodite-A; 23. I tre fratelli Aeros; 24. Ryo contro Ashura: faccia a faccia; 25. Una vittoria in extremis; 26. I ladri di diamanti; 27. I tre mostri volanti; 28. Cerberus J-3, il robot a tre teste; 29. Attacco aereo; 30. Battaglia nel cielo; 31. Gli specchi abbaglianti di Desma A-1; 32. Il mostro dei cinque laghi; 33. Sabotaggio!; 34. L’ultima occasione di Ashura; 35. La fortezza volante del conte Blocken; 36. La vendetta del conte Blocken; 37. Bombardamento a tappeto; 38. Bandiera bianca; 39. L’elmetto a energia solare; 40. Decimo anniversario; 41. Il bambino abbandonato; 42. Ashura e Blocken: rivali; 43. Il robot di Boss; 44. La rivolta del robot impazzito; 45. La caduta del Jet-Scrander; 46. Una taglia su Ryo; 47. Le conseguenze di un litigio; 48. La doppia trasformazione di Fayzer V-1; 49. Un super-pugno a razzo; 50. Sulle nevi del Fuji; 51. Il furto della Superlega Z! (gli episodi dal 52 al 92 non sono mai stati trasmessi in Italia).

EPISODI DI IL GRANDE MAZINGA – 1. L’eroe dei cieli; 2. Garaliya, l’assassino delle tenebre; 3. L’indomita Venus; 4. Assalto alla Fortezza delle Scienze; 5. L’attacco dei mostri guerrieri; 6. Tetsuya va all’inferno; 7. Il bugiardo ha paura; 8. Operazione pugno atomico; 9. Jun combatte per l’umanità; 10. Attenzione, l’onore è in arrivo; 11. Shiro impara la lezione; 12. Bisogna colpisce duro; 13. Il Grande Signore contro Kenzo; 14. Salvate la Fortezza delle Scienze!, 15. L’inferno dei ramarri; 16. Sorgi, principe di Mikene; 17. Tetsuya esce dalle tenebre; 18. La trappola nera; 19. Giovane sangue sulla neve; 20. Disperata resistenza; 21. L’indignato Imperatore delle Tenebre 22. La morte di Gorgon; 23. La marchesa Yanus, discutibile comandante; 24. La grande scommessa; 25. Atterraggio sulla base avanzata; 26. Il segreto del dottor Kabuto; 27. Il contrattacco di Whrath; 28. L’attacco di Yanus; 29. L’arma segreta; 30. Il Generale Nero assapora la vittoria; 31. La fine del Generale Nero; 32. Il mistero della mente di Mazinger; 33. Le gambe del grande Mazinger; 34. Ora o mai più; 35. Cattloo Corp; 36. Resurrezione d’amore; 37. Assassino alle tre del mattino; 38. Trattieni le lacrime, Tetsuya!; 39. La fine di Mikeros; 40. La fiammeggiante croce della morte; 41. L’invincibile demone; 42. La profonda fossa marina; 43. La fortezza delle scienze; 44. L’ultimo contrattacco, 45. Il Grande Mazinger perde la testa; 46. Coraggio oltre la morte; 47. Il potente super-razzo; 48. Operazione attacco speciale; 49. Non c’è riposo per gli eroi; 50. Il sole dietro le lacrime; 51. Il ritorno di Mazinger; 52. Morire giovani; 53. Tetsuya e Koji all’attacco; 54. L’invincibile doppio attacco; 55. Tetsuya e Koji all’inferno; 56. La campana della pace suona per gli eroi.