Nel panorama del fumetto e dell’animazione giapponese, i robot giganti fanno la loro comparsa nei primi anni sessanta (Atom). La rivoluzione copernicana è però opera di Go Nagai (il vero nome è Kiyhoshi Nagai), classe 1945, l’autore di due robottoni indimenticabili: Mazinga Z e il Grande Mazinga. Nagai affronta per la prima volta il rapporto complesso tra l’uomo e la macchina e il riconoscimento di una coscienza umana all’interno della stessa macchina. I quattro automi, creati nel corso degli anni settanta, sono controllati dalle menti umane. Il pilota entra nel suo robot, ne diventa il prolungamento e fornisce una vera e propria anima alla gelida macchina. Una simbiosi che stravolge l’assetto dei rapporti interpersonali nella narrazione e triplica l’immedesimazione dello spettatore nell’eroe. I robot di Nagai hanno una forma geometrica ben definita e sono dotati di armi tecnologiche avanzate.

MAZINGA – Dal 3 dicembre 1972 al 1 settembre 1974 approda sugli schermi televisivi giapponesi Mazinga Z (92 episodi, Toei Animation), tratto dall’omonimo fumetto pubblicato dalla rivista Shonen Jump. Per impedire al suo ex collega dottor Hell di conquistare la terra, il dottor Kabuto costruisce un robot gigante che lascia in eredità al nipote Rio. Il giovane controlla Mazinga Z attraverso l’Hover Pilder, un piccolo mezzo volante e inizia a difendere la terra dai molteplici nemici che si susseguiranno. Nagai è abilissimo nel creare situazioni estremamente drammatiche e suddividere l’umanità in due grandi categorie. Da una parte ci sono i difensori della verità, che mettono la tecnologia a servizio dell’umanità, dall’altra i malvagi che sono disposti a qualsiasi cosa pur di impadronirsi del mondo. Elaborando i tratti un po’ rozzi di Mazinga Z, nel 1974 arriva il Grande Mazinga (56 episodi, Toei Animation), i cui episodi vengono trasmessi in Giappone dall’8 settembre 1974 al 28 settembre 1975. Il nuovo Mazinga, viene pilotato dal giovane Tetsuya, allevato dal professor Kabuto (il padre di Rio in Mazinga Z), che dovrà vedersela contro una vecchia razza sotterranea. Tra gli altri personaggi si segnalano il robot femminile Venus, pilotato da Jun Hono, e il goffo Boss Robot.

ELENCO DEGLI EPISODI – 1. Nascita di un robot prodigioso; 2. Fermate l’esercito di Ashura; 3. Operazione distruzione Mazinga; 4. Attacco su due fronti; 5. Le tattiche del barone Ashura; 6. La grande statua di Abdora; 7. Deimos F-3, robot scomponibile; 8. Dyan dal braccio d’acciaio; 9. Il grande cannone Galeno; 10. Il tradimento di Vicong; 11. Una gara di pupazzi di neve; 12. Attacco con l’alta marea; 13. Glossam, il terrore dei mare; 14. Il tornado misterioso; 15. Il mostro volante; 16. L’ultimatum di Ashura; 17. Una prova di coraggio; 18. Duello nella città fantasma; 19. La fortezza subacquea Salus; 20. I capricci di Yuri; 21. L’attacco del robot supersonico; 22. La cattura di Afrodite-A; 23. I tre fratelli Aeros; 24. Ryo contro Ashura: faccia a faccia; 25. Una vittoria in extremis; 26. I ladri di diamanti; 27. I tre mostri volanti; 28. Cerberus J-3, il robot a tre teste; 29. Attacco aereo; 30. Battaglia nel cielo; 31. Gli specchi abbaglianti di Desma A-1; 32. Il mostro dei cinque laghi; 33. Sabotaggio!; 34. L’ultima occasione di Ashura; 35. La fortezza volante del conte Blocken; 36. La vendetta del conte Blocken; 37. Bombardamento a tappeto; 38. Bandiera bianca; 39. L’elmetto a energia solare; 40. Decimo anniversario; 41. Il bambino abbandonato; 42. Ashura e Blocken: rivali; 43. Il robot di Boss; 44. La rivolta del robot impazzito; 45. La caduta del Jet-Scrander; 46. Una taglia su Ryo; 47. Le conseguenze di un litigio; 48. La doppia trasformazione di Fayzer V-1; 49. Un super-pugno a razzo; 50. Sulle nevi del Fuji; 51. Il furto della Superlega Z! (gli episodi dal 52 al 92 non sono mai stati trasmessi in Italia).

EPISODI DI IL GRANDE MAZINGA – 1. L’eroe dei cieli; 2. Garaliya, l’assassino delle tenebre; 3. L’indomita Venus; 4. Assalto alla Fortezza delle Scienze; 5. L’attacco dei mostri guerrieri; 6. Tetsuya va all’inferno; 7. Il bugiardo ha paura; 8. Operazione pugno atomico; 9. Jun combatte per l’umanità; 10. Attenzione, l’onore è in arrivo; 11. Shiro impara la lezione; 12. Bisogna colpisce duro; 13. Il Grande Signore contro Kenzo; 14. Salvate la Fortezza delle Scienze!, 15. L’inferno dei ramarri; 16. Sorgi, principe di Mikene; 17. Tetsuya esce dalle tenebre; 18. La trappola nera; 19. Giovane sangue sulla neve; 20. Disperata resistenza; 21. L’indignato Imperatore delle Tenebre 22. La morte di Gorgon; 23. La marchesa Yanus, discutibile comandante; 24. La grande scommessa; 25. Atterraggio sulla base avanzata; 26. Il segreto del dottor Kabuto; 27. Il contrattacco di Whrath; 28. L’attacco di Yanus; 29. L’arma segreta; 30. Il Generale Nero assapora la vittoria; 31. La fine del Generale Nero; 32. Il mistero della mente di Mazinger; 33. Le gambe del grande Mazinger; 34. Ora o mai più; 35. Cattloo Corp; 36. Resurrezione d’amore; 37. Assassino alle tre del mattino; 38. Trattieni le lacrime, Tetsuya!; 39. La fine di Mikeros; 40. La fiammeggiante croce della morte; 41. L’invincibile demone; 42. La profonda fossa marina; 43. La fortezza delle scienze; 44. L’ultimo contrattacco, 45. Il Grande Mazinger perde la testa; 46. Coraggio oltre la morte; 47. Il potente super-razzo; 48. Operazione attacco speciale; 49. Non c’è riposo per gli eroi; 50. Il sole dietro le lacrime; 51. Il ritorno di Mazinger; 52. Morire giovani; 53. Tetsuya e Koji all’attacco; 54. L’invincibile doppio attacco; 55. Tetsuya e Koji all’inferno; 56. La campana della pace suona per gli eroi.

E’ difficile affezionarsi ad un ladruncolo, a meno che non si chiami Lupin Sansei. Il ladro più famoso del Sol Levante ha superato già i 40 anni. Il 10 agosto 1967 viene pubblicato in Giappone il primo fumetto di Lupin III, disegnato dalla matita di Kzuhiko Kato (1937), in arte Monkey Punch. Quali rapporti di parentela con il famoso ladro Arsenio Lupin? E’ semplicemente il nipote, anche se la sua carta d’identità ci dice che la sua terra d’azione è il Giappone, i suoi travestimenti e i furti sono ingegnosi, la sua inseparabile pistola è una Walther P-38, e lo si vede di solito alla guida di una Mercedes Benz SSK del 1928. Astuto, geniale, imprevedibile, originale, spaccone e anche un po’ rubacuori, il personaggio di Lupin III ha conquistato nel nostro paese una grande fetta di pubblico.

UN LADRO NIPPONICO – In Giappone e nel resto del mondo è oramai osannato da più da 40 anni. Il suo autore Kazuhiko Kato (in arte Monkey Punch), rovistando nella letteratura europea del primo novecento e ispirandosi all’omonimo personaggio dello scrittore francese Maurice Leblanc, plasma quello che è destinato a diventare il ladro gentiluomo più famoso del piccolo schermo. Di certo Punch non immaginava affatto che il suo Lupin avrebbe varcato i confini del Sol Levante per fare il giro del mondo. Anche i comprimari delle avventure sono singolari: il taciturno Jigen, l’insostituibile pistolero col cappello calato costantemente sugli occhi; il samurai Goemon con l’infallibile spada Zantetsuken; l’attraente Fujiko (dalla seconda serie animata Margot), di indole truffaldina, che continua a giocare brutti scherzi a quel pesce innamorato di Lupin. Antagonista per eccellenza è il simpatico Ispettore Zenigata, che vive soltanto per arrestare Lupin.

DAL MANGA ALL’ANIME – La prima puntata a fumetti appare sulla rivista Manga Action e nel giro di pochi anni diventa un cult. Il tratto del disegno è molto anarchico ed eccessivamente caricaturale. Gli episodi sono brevi e Punch si rivela un buon soggettista, ma un improbabile sceneggiatore. Questo forse è uno dei motivi per cui in Italia il manga non ottiene il successo sperato. Quando viene proposto a Monkey Punch di dare in pasto il suo Lupin al pubblico televisivo, c’è qualche perplessità. Dopo un restyling grafico del personaggio (il volto è più umano), nel 1971 esce la prima serie animata (Lupin III, 23 episodi, TMS) che riporta indici di gradimento poco entusiasmanti. Il pubblico non recepisce lo slancio innovativo dal punto di vista grafico e tematico del cartone animato. Quella che è conosciuta come la serie di Lupin con la giacca verde, trasmessa in Italia per la prima volta dalla Rete 4 di Mondadori nel 1982 (a quel tempo un circuito televisivo di 23 emittenti locali), è un piccolo gioiello della produzione animata nipponica. Lo staff eccellente di sceneggiatori (tra cui Seiji Matsuoka, Toru Sawaki e Masaaki Osumi) creano un prodotto, con punte di vera poesia (le puntate di “Il terzo sole” e “le carte da gioco di Napoleone”), che è più indicato per un pubblico adulto (gli ammiccamenti sessuali e la velata partecipazione degli autori alle bricconate di Lupin).

CENSURA – Per assicurarsi un pubblico più eterogeneo e sfuggire ai moniti della censura, nelle serie animata del 1977 (Le nuove avventure di Lupin III, 155 episodi, TMS) gli sceneggiatori smussano la patina di erotismo e violenza e puntano su tonalità più comiche e canzonatorie, in modo particolare nella caccia dell’ispettore Zenigata a Lupin. Tutto diventa più rassicurante, persino nella bellissima sigla italiana (RCA, 1981) dove Castellina Pasi, accompagnata dalla fisarmonica, canta: “Ruba i soldi solo a chi ne ha di più per darli a chinon ne ha. Sembra giusto però non si fa, neanche un po’…”. Il tentativo degli adattatori italiani è confondere le idee ai più piccoli, facendo credere che Lupin sia il “Robin Hood” del Sol Levante. Con l’ultima serie realizzata nel 1984 (Lupin, l’incorregibile Lupin, 50 episodi, TMS), la sterzata verso l’appiattimento delle dinamiche narrative è quasi inevitabile. Nel nostro paese, a causa dei tagli censori, alcune puntate risultano incomprensibili. Nel 1987 la Fininvest acquista i diritti di tutti gli episodi e li ridoppia, a parte qualche minima eccezione, prima di mandarli in onda su Italia 1 nel contenitore di Bim Bum Bam. Per questioni di costi, le avventure di Lupin Sansei passano dal piccolo schermo al cinema, con un numero di film animati che hanno contribuito ad aumentare la popolarità di questo personaggio, entrato oramai nell’immaginario collettivo.

L’ANTIEROE – Lupin III è l’antieroe per antonomasia, e cioè lontano dalle convenzioni del semplice protagonista di una vicenda. La professione di ladro gli consente di stare ai margini di un’asfissiante macchina sociale e di afferrare, nell’accezione negativa del ruolo, la positività sfuggente della vita. In fondo, Lupin è buono, è sensibile, è un sentimentale ma è anche un essere “senza norma e senza disciplina”, che non potrebbe aver alcun altro ruolo nel gelido e gerarchizzato Giappone. Fare il ladro è una scappatoia, un’uscita di emergenza. Tuttavia, Lupin ha stipulato un patto con se stesso: senza rinnegare la tradizione orientale (il samurai Goemon), guarda verso quella occidentale (il pistolero Gijen sembra uscito dalla combriccola del western “Il mucchio selvaggio” di Peckinpah). A creare scompiglio in questo asse dell’equilibrio si inserisce l’erotismo della formosa Fujiko, una sorta di Marilyn nipponica. Cosa sarebbe quest’asse, se non ci fosse l’ispettore Zenigata? Zazà ha bisogno di Lupin (latente omosessualità in questo convulso inseguimento?) così come Lupin ha bisogno di essere braccato, altrimenti la macchina narrativa si fermerebbe. Lupin resta comunque l’incorreggibile e a noi spettatori repressi non dispiace. Quel suo libertinaggio canzonatorio ci regala qualche momento di spensieratezza e ci fa sentire meno moralisti.

I serie (giacca verde, 1971) Le Avventure di Lupin III – 1. Trappola su quattro ruote; 2. la barriera invisibile; 3. Il terzo sole; 4. l’evasione di Lupin; 5. Goemon, il samurai; 6. Il mistero di Volpe Nera; 7. Il segreto delle tre pergamene; 8. Le carte da gioco di Napoleone; 9. Il documento segreto del calcolatore elettronico; 10. Microfinger, il re dei falsari; 11. Furto alla cassa della banca centrale; 12. Le due statue gemelle; 13. Una sfida dal futuro; 14. Caccia allo smeraldo; 15. Il busto d’oro del signor Kimman; 16. Rapina alla gioielleria; 17. Una trappola per Lupin; 18. Concorso di bellezza; 19. I cimeli della famiglia Lupin; 20. La corona di Gengis Khan; 21. Il rapimento di Jenny; 22. Lupin contro il computer; 23. L’isola dei sogni perduti.

II serie (giacca rossa, 1977) Le nuove avventure di Lupin III – 1. Il ritorno di Lupin III; 2. Ricco tramonto a Rio; 3. L’eredità di Hitler; 4. Il mostro del lago; 5. Come trasportare i lingotti d’oro; 6. La fabbrica del terremoto; 7. La maledizione di Tutankhamon; 8. L’Orient Express; 9. La collezione di Ukiyo-e; 10. il furto della scheda M123; 11. Il Gran Premio di Montecarlo; 12. Un regalo per il Presidente; 13. La formula segreta; 14. Il tempio della magia nera; 15. La grande sfida; 16. I due Lupin; 17. Un’avventura nel deserto; 18. Il furto della pantera nera; 19. La cassetta di sicurezza; 20. Lupin in trappola; 21. Il Talismano della Felicità; 22. Tesoro a Sorpresa; 23. La Strega della Quarta Dimensione; 24. Il Maestro; 25. Gli Squali d’Acciaio; 26. La Rosa e la Pistola; 27. Il Francobollo di Cenerentola; 28. Melon la Poliziotta; 29. Il Segreto di Volare; 30. La Legione Straniera; 31. Avventura al Sole di Mezzanotte; 32. La Seconda Morte di Lupin; 33. Chi ha la Corona?; 34. Il Vampiro; 35. La Banda dei Gorilla; 36. Il Mistero del Castello di Tsukikage; 37. L’Oro di Gengis Khan; 38. Scacco all’Interpol; 39. I Diamanti di Hong Kong; 40. Il Missile Scomparso; 41. Il Segreto della Principessa Kaguya; 42.Lupin Diventa una Sposa; 43. L’Uomo di Pechino; 44. Auto Blindata Sfida Lupin; 45. Odore di Morte; 46. Lupin Venduto all’Asta; 47. Il Furto della Corona; 48. L’Allarme Suona all’Alba; 49. Il Cobra; 50. Un Antico Amore (parte I); 51. Un Antico Amore (parte II); 52. Il Segreto dell’Eterna Giovinezza; 53. Lupin Contro Fantoma; 54. La Statua di Budda; 55. Cinque Ladri Misteriosi in una Cascata di Fiori (parte I); 56. Cinque Ladri Misteriosi in una Cascata di Fiori (parte II); 57. La Sfida del Professor Hunter; 58. Un Triste Addio; 59. Il Mondo Misterioso di Madame X; 60. L’Epidemia dei Suicidi; * 61. La Spada Volante; 62. I Rintocchi della Campana; 63. La Donazione; 64. Colpo Grosso da Tiffany; 65. Il Signor “X” Contro Lupin; 66. Ordine di Esecuzione; 67. Lungo Viaggio in Oriente; 68. L’Isola del Casinò; 69. L’Ispettore Innamorato; 70. Il Vecchio Ladro e il Pappagallo; 71. La Colubrina d’Oro; 72. L’Occhio di Salomone; 73. Congresso Internazionale del Furto; 74. Gli Uomini Camaleonte; 75. La Collezione Hafner; 76. Amare ed Essere Soli; 77. Strategia Astrologica; 78. Il Prezioso Robot; 79. Tutti Vogliono Uccidere Lupin; 80. L’Ultimo Desiderio; 81. La Campana d’Oro; 82. Napoleone il Grande; 83. Lupin Cowboy; 84. Lupin Contro Joe di Quadri; 85. L’Ordine Segreto; 86. La Maschera Misteriosa; 87. La Bambola del Diavolo; 88. Avventura al Polo Nord; 89. Lupin e l’Eroica di Beethoven; 90. Super Lupin; 91. La Ragazza dell’Antichità; 92. Lupin e le Cento Pistole; 93. La Muraglia Cinese; 94. Lupin Contro Superman; 95. Tre Statuette di Pietra; 96. Un Mondo di Buongustai; 97. In Cerca del Tesoro Perduto; 98. La Morte di Zazzà; 99. Il Duello di Jigen; 100. Il Quadro di Lupin; 101. Folle Amore a Versailles; 102. Un Killer per Lupin; 103. Anche gli Angeli Esistono; 104. Il Letto d’Oro; 105. Il Mistero dell’Isola; 106. Una Leccornia per Gatti; 107. L’Anello Nuziale; 108. L’Invincibile Spada; 109. L’Eredità del Maestro; 110. La Fotografia del Futuro;111. Il Gioco degli Invasori; 112. Pericolo per Goemon; 113. Il Tesoro del Fantasma Kira; 114. Lozione Speciale; 115. Mona Lisa Sorride Due Volte; 116. 108° Rintocco della Campana; 117. La Gomma Americana; 118. Diamanti della Croce del Sud; 119. Lupin Contro Lupin; 120. I Fantasmi Rossi; 121. Il Tesoro di Nonno Edward; 122. Il Tesoro di Napoleone; 123. Una Rapina al Louvre; 124. 1999 Viaggio Popcorn; 125. La Neve nel Deserto; 126. La Vendetta di Lady Black; 127. La Strategia della Palla Mortale; 128. Il Piano della Signora Dokonjo; 129. La Gentilezza di Jigen; 130. Il Capolavoro di Dalì; 131. Il Segreto della Spada di Goemon; 132. La Banda dell’Himalaya; 133. Giù le Mani dal Tesoro; 134. Strategia dell’Accerchiamento; 135. Il Trio del Veleno; 136. La Vendetta della Farfalla d’Oro; 137. Lavoro di Squadra; 138. Il Tesoro di Pompei; 139. Lo Scambio dei Corpi; 140. L’Addestratore dei Topi; 141. Furto al Cremlino; 142. Il Cavallo Favorito; 143. Rapina alla Banca di Miami; 144. Margot Rapita; 145. Albatros, le Ali della Morte; 146. Lupin è Sconfitto; 147. La Sirena del Sole di Mezzanotte; 148. Il Bersaglio è a 555 Metri; 149. Furto alla Mecca; 150. Sinfonia per Pianoforte; 151. Il Tranello Mortale; 152. I Cappelli di Jigen; 153. Denaro dal Paradiso; 154. L’Oro di Hexagon; 155. I Ladri Amano la Pace.

III serie (giacca rosa, 1984) Lupin, l’incorreggibile Lupin – 1. Il tesoro di Al Capone; 2. Un tiro mancino; 3. La torre degli angeli; 4. Segnali d’amore; 5. Re di spade; 6. Il tesoro dei Megas; 7. Carambola vincente; 8. Il talismano d’oro; 9. I semi del loto; 10. Il diamante segreto; 11. Uno strano fascino; 12. La caramella del mago; 13. Rapimento nello spazio; 14. Falsa accusa; 15. Mai fidarsi troppo; 16. Il furto della mela; 17.Rischio calcolato; 18. Danza pericolosa; 19. La cassa del tesoro; 20. L’uomo dalle due vite; 21. La città incantata; 22. Diamanti in pericolo; 23. Scacco al computer; 24. Il gioiello cinese; 25. L’uovo di colombo; 26. Il fantasma; 27. La gemma dell’Alaska (parte I); 28. La gemma dell’Alaska (parte II); 29. Luna di miele; 30. La vendetta di Seila; 31. Il collezionista; 32. La macchina del presidente; 33. Giochi pericolosi; 34. Caccia al tesoro; 35. Doppio gioco; 36. La leggenda del falco; 37. A tutti i costi; 38. La sirenetta; 39. Un autocarro tutto d’oro; 40. La lotteria; 41. Legge marziale; 42. La piramide; 43. Ciao, Cenerentola; 44. Scuola di recitazione; 45. Il sapore della vittoria; 46. Rapina su commissione; 47. Il mistero del quadro; 48. Guerra di spie; 49. L’adozione; 50. In fondo al mare.

Filmografia essenziale – Lupin III – La pietra della saggezza (1978); Lupin III – Il castello di Cagliostro (1979); Lupin III – La leggenda dell’oro di Babilonia (1985); Lupin III – La cospirazione dei Fuma (1987); Lupin III – Le profezie di Nostradamus (1995); Lupin III – Trappola mortale (1996).

“Oh, lady lady lady Oscar tutti fanno festa quando passi tu”, è il primo verso della sigla (cantata dai formidabili Cavalieri del Re) di un cartone animato che è rimasto nel cuore di tutti, o perlomeno di coloro che non hanno rinnegato gli anni ottanta: Lady Oscar (Toei Animation, 41 episodi, 1979). Trasmesso in Giappone dal 10 ottobre 1979 al 3 settembre 1980, l’acclamata serie animata porta sul piccolo schermo il personaggio più conosciuto della nipponica Riyoko Keida (1946).

DAL MANGA AL CARTONE – Quando nel 1972 l’ autrice pubblicava la prima puntata del suo fumetto “Versailles No Bara” (ripubblicato in Italia nel 2001), il successo fu clamoroso e inaspettato. Del resto, come non poteva essere altrimenti con un miscuglio di narrativa sentimentale e storica? Le pagine storiche che vanno dall’ascesa al trono di Francia della debole Maria Antonietta d’Austria (1755) allo scoppio della Rivoluzione Francese (1789), fanno da sfondo ad una vicenda romanzata che ha attirato i grandi e i piccini italiani, fin dalla prima puntata in onda il 1 marzo 1982 sugli schermi di Italia 1.  Oscar François Jarjayes è la figlia di un generale che decide di allevarla come un uomo, ritrovandosi senza eredi maschi. Protetta dal fedele amico André, Oscar diventa comandante delle guardie reali al Palazzo di Versailles. Agli intrighi di corte e al malcontento popolare che caratterizzano il regno di Luigi XVI, si affianca la vita di Oscar. Duelli, passioni e momenti di forte tensione che culminano con l’amore non corrisposto di madamigella Oscar per il conte di Fersen e i taciuti sentimenti di André per la sua compagna d’avventura. Quando Oscar si rende conto dei suoi errori e accetta la sua essenza femminile, condivide brevi ma intensi momenti d’amore con André. Scoppia la rivoluzione e Oscar passa dalla parte del popolo. André perde la vita durante uno scontro a fuoco mentre la nostra eroina accetta di guidare l’attacco dei parigini che li porterà alla presa della Bastiglia.

PASSIONI E CONFLITTI – Ritratto impeccabile di una tra le epoche più controverse della Francia, il racconto di Lady Oscar si equilibra su due figure femminili: la regina Maria Antonietta (il personaggio storico) con le sue insicurezze e le sue frustrazioni, e madamigella Oscar (il personaggio inventato) che vive l’inevitabile conflittualità tra l’essere uomo per imposizione e l’essere donna per natura. Il conflitto della nostra eroina è emblematicamente quello di una nazione e di un popolo che devono scegliere, devono fare i conti con la storia. Oscar cambierà la rotta della sua vita così come farà la Francia rivoluzionaria di Robespierre, stanca di tacere e tollerare i soprusi di un sovrano incapace. I due comprimari, il conte Hans Axel von Fersen (personaggio storico) e André Grandier (personaggio inventato), chiudono il quadrilatero narrativo, al cui interno Ryoko Keida muove con astuzia i fili della storia.

IL FILM – Nel 1978 Lady Oscar è stata portata mediocremente sullo schermo cinematografico dal francese Jacques Demy, che si perde in un’inutile ricercatezza scenografica. Piccola curiosità: Lady Oscar è apparsa come ospite nel 101 episodio (Grande Amore a Versailles) della serie animata “Le nuove avventure di Lupin III”. Nel frattempo, le avventure di Oscar continuano ad essere riproposte in televisione e a riscuotere successo.

ELENCO COMPLETO DEGLI EPISODI – 1. La grande scelta; 2. L’arrivo di Maria Antonietta; 3. Un triste presagio; 4. L’intrigo; 5. La rivincita della contessa; 6. La congiura sventata; 7. Una notte a Parigi; 8. L’incidente; 9. La morte di Luigi XV; 10. L’incoronazione; 11. Maria Antonietta regina; 12. I capricci di Maria Antonietta; 13. Le catene della povertà; 14. La contessa di Polignac; 15. La menzogna; 16. Rosalie a palazzo Jarjayes; 17. Rosalie a corte; 18. Il ritorno di Fersen; 19. Un matrimonio imposto; 20. Un amore impossibile; 21. La sosia della regina; 22. Lo scandalo della collana; 23. Il processo; 24. La fuga misteriosa; 25. Cuore di donna; 26. Il Cavaliere Nero; 27. Un rischio calcolato; 28. Un innamorato respinto; 29. Una nuova vita; 30. La sfida di Oscar; 31. La rabbia popolare; 32. Nemici del popolo; 33. Gli ultimi splendori di Versailles; 34. Robespierre; 35. Accusa di tradimento; 36. La fame a Parigi; 37. La voce della libertà; 38. Divampa la rivoluzione; 39. Addio Andrè!; 40. 14 luglio 1789; 41. La rosa di Versailles e le donne.

Rumiko Takahashi ha superato da un bel pezzo la quarantina. Nonostante il successo che hanno ottenuto i personaggi nati dalla sua matita, come Lamù e Ranma 1/2, “la principessa del manga” non ha lasciato mai la terra natale. Gli anni passano ma Rumiko continua a dedicarsi instancabilmente ai suoi eroi, con amore e meticolosità, a ritmo costante, con un disegno dalla linea morbida. La genesi di Lamù (Yurusei Tatsura in Giappone) è un caso singolare. Pubblicata nel 1978 sulla rivista Shounen Sunday, l’aliena più sexy del fumetto nipponico doveva essere soltanto una comparsa. L’autrice sarà costretta a dare una svolta alla storia, a seguito delle infinite letterine dei lettori. Nel 1981 viene realizzata la ben nota serie animata (Lamù, 218 episodi, Kitty Film) che viene trasmessa regolarmente in Giappone dal 14 ottobre 1981 al 19 marzo 1986.

LA RAGAZZA DELLO SPAZIO – La sceneggiatura della Takahashi, il character design dell’abilissima Takada e la regia ritmata di Oshii, costituiscono un concentrato eccellente per il piccolo schermo e decretano il successo di Yurusei Tatsura (Gente casinista della stella Uru) a livello planetario. In Italia è il circuito televisivo delle emittenti locali a trasmettere a partire dal 1982 gli episodi della bella aliena dai cornini e dal bikini tigrato. Il giovane studente Ataru Moroboshi è scelto da un computer per salvare la terra da un’inaspettata invasione degli Oni, gente molto “extra” e poco “terrestre”. Gli alieni sono pronti a causare una catastrofe interplanetaria se non si interviene immediatamente. La sfida? Un terrestre deve toccare un corno della bella Lamù, che tra l’altro sa anche volare. L’impresa riesce con uno stratagemma (Ataru le sfila il reggiseno) e gli Oni mantengono i patti stabiliti. Un equivoco, tuttavia, fa restare Lamù, illusasi che lo sfacciato ragazzo voglia sposarla. C’è aria di guai. Ataru non ne vuole sapere e per giunta neanche la fidanzata Shinobu è disposta a rinunciare a quel ragazzo sfaccendato. Lamù non si arrende, e dopo tante peripezie bizzarre e movimentate, riuscirà a conquistare il cuore del suo “tesoruccio”.

MITI E TRADIZIONI NIPPONICHE – In un mondo come quello nipponico dove è difficile innamorarsi, a causa delle convenzioni sociali millenarie e del numero alto dei matrimoni combinati, queste love story strane e travagliate fanno presa su una gioventù fragile ed insicura. I giovani del Sol Levante sono indottrinati come automi a far carriera a qualsiasi costo: il lavoro prima di tutto e l’amore trova il tempo che trova. I comportamenti stralunati di Ataru & company e l’isterismo di Shinobu riflettono la fragilità della loro generazione, ma li oppongono allo status nipponico. Per farla breve, evviva il sesso e l’amore alla faccia dell’economia. Il giovane Moroboshi, così come la sua combriccola, è uno sfaticato e allupato, che di fronte alla sensualità femminile non sa resistere in nessun modo. La serie tv è stracolma di ammiccamenti erotici e sessuali. Forse questo è uno dei motivi che non ha mai permesso ai fortunati episodi di approdare sul circuito televisivo nazionale. La censura avrebbe dovuto fare a pezzetti una buona parte dell’anime. L’escamotage narrativo del rapporto/scontro tra un terrestre e un alieno, è una modalità semplice e infallibile per riflettere sulla ricchezza della diversità. Diversità intesa come confronto di spazio e tempo, di tradizioni antiche (i cornini sul capo di Lamù richiamano gli antichi demoni orientali) spazzate via dallo scorrere frenetico dell’epoca ipertecnologica, che tende ad offuscare il corredo della memoria storica di un popolo. Lo stesso Sakurambo, il simpatico monaco buddista che predice le sfortune, è la rappresentazione caricaturale di questo squilibrio tra passato e presente.

DAL CARTONE AL CINEMA – La vivacità al limite dell’assurdo, alimentata da un uso estemporaneo di stralci tratti dalla mitologia giapponese, si frappone tra i vari personaggi: Shutaro Mendo, il compagno di classe di Ataru invaghito di Lamù; Sakura, l’affascinante nipote di Sakurambo con il suo credo shintoista; Rei, l’ex fidanzato di Lamù che si trasforma in un mostro tigrato ogni volta che si arrabbia; il capriccioso cuginetto Ten, follemente innamorato di Sakura; Benten, la principessa Oyuki e Ran, amiche fidate della nostra aliena scalmanata. Al centro di questa giostra c’è Lamù, facilmente irascibile, ma fondamentalmente altruista e sentimentale. La ragazza dello spazio porta scompiglio ma è il deus ex machina che denuda l’anima della confusa galassia nipponica. Il successo è assicurato anche al cinema con ben tredici film animati, tra cui va menzionato Lamù: bellissimo sognatore (1984, Kitty Film), una pellicola dalle atmosfere oniriche con Lamù che cerca di rivivere i suoi giorni felici. Nel caso vedete Lamù scorazzare per i cieli della vostra città, non fatela arrabbiare se non volete essere colpiti con una delle sue micidiali scariche ad alto voltaggio! Se pure fosse, sarà soltanto uno scherzo dell’immaginazione.

E’ inutile fingere. Almeno per una volta nella vita avrete visto un episodio di Candy Candy, la serie animata giapponese (1976, 115 episodi, Toei Animation) che racconta le peripezie di un’orfanella americana nel primo scorcio del novecento. Trasmessa in Giappone dal 1 ottobre 1976 al 2 febbraio 1979, gli episodi arrivano sugli schermi delle emittenti locali italiane a partire dal 1980 e sono promossi soltanto nel 1984 nel circuito nazionale, sulle frequenze di Euro Tv. Dal 1987 il cartone animato approda sulle reti Fininvest, prima su Rete 4 e poi su Italia 1, con una sostanziale novità: la sigla originale cantata dai Rocking Horse (RCA, 1981) viene sostituita dalla lagnosa “Dolce Candy”, interpretata da Cristina D’Avena (Five Music).

LA STORIA – Candice White (questo è il nome originale) vive alla Casa di Pony, dove attende di essere adottata. Il destino le riserverà molteplici sorprese: allevata dai ricchi Legan che la sfruttano come dama di compagnia per i viziati figli Neil e Iriza, viene adottata in seguito dagli Andrew. Qui incontra Antony, il primo amore, che disgraziatamente muore cadendo da cavallo. A seguito del tragico incidente, Candy viene inviata, per volontà del misterioso zio William, a studiare in un college londinese dove si ritrova con gli amici di sempre (Annie, Archie e Stear) ma anche con i perfidi Neil e Iriza, che continueranno a prepararle tranelli. Comincia per Candy una tortuosa odissea fatta di gioie e dolori (l’amore ostacolato per il giovane Terence) che la ricondurranno in America. Alla fine studierà per diventare un’infermiera professionista e troverà la vera felicità al fianco di Terence. Questa soap opera animata del Sol Levante è nata dall’omonimo shojo manga (il fumetto nipponico sentimentale) del 1975 con i disegni di Yumiko Igarashi e i testi di Kyoko Mizuki.

DAL MANGA ALL’ANIME – Attingendo al romanzo d’appendice europeo e al filone letterario che trasforma gli orfanelli in piccoli eroi della quotidianità, Igarashi e Mizuko sono molto abili a ritrarre le piccole emozioni della vita. Nella versione a cartoni, che ha fatto il giro di mezzo mondo, la censura ha costretto le autrici ad ammorbidire scene un po’ spinte e alcuni abitini sgargianti, insidiosi per il piccolo pubblico del bigotto teleschermo europeo. Il percorso esistenziale di Candy è molto dinamico dal punto di vista narrativo. La “signorina sbadatella” è dolce e ribelle, testarda ed emotiva, spirito libero e tenace. Le esperienze della vita le insegneranno a diventare una donna saggia e responsabile che guarda al passato con la giusta misura. La creatività degli umili come Candy vince sempre e irrompe nella noiosa quotidianità della famiglia Andrew, emblema della decadente aristocrazia americana. All’interno della famiglia c’è chi si ribella: Anthony che si rifugia negli atteggiamenti dell’eroe romantico; Stear che morirà volontario in guerra e, soprattutto, Albert (in realtà il misterioso capofamiglia William Andrew) che sceglie una vita vagabonda alla ricerca della libertà. La fine tragica dei cugini Anthony e Stear è una sorta di sacrificio inevitabile. E poi cosa dire di Terence? E’ anche lui un ribelle, che da sempre rinnega l’alta società a cui appartiene per cercare di vivere la realtà da vicino. La scelta di affermarsi come attore sulle scene di Broadway lo conferma. Non dimentichiamo che l’arte del palcoscenico è un mestiere diabolico per alcuni ceti sociali. Terence, tuttavia, esprime anche i tratti di un romanticismo più solitario e cupo che si materializza nelle malinconiche note della sua armonica. L’amore non può e non deve essere riconoscenza o solidarietà. Per questo motivo, messi da parte i sensi di colpa, lascia la fidanzata Susanna per trovare al fianco della sua “signorina tutte lentiggini” la strada della felicità. Meritano una nota anche alcuni comprimari come l’amica del cuore Annie, il fidato Archie, l’insicura Patty, la razionale Flanny, e il tenero Clean, l’inseparabile animaletto che accompagnerà Candy in tutta la vita.

AL CINEMA – La formula del manga (mai pubblicato in Italia) come quella del cartone è vincente, tanto che nei primi anni ottanta sono state realizzate due versioni cinematografiche (Candy Candy, Candy e Terence). In quasi tre ore sono stati ritagliati e condensati tutti gli episodi, con il fatidico incontro finale tra Candy e Terence che non appare nella serie televisiva. E’ comunque soltanto un gioco di montaggio voluto dagli adattatori italiani. Nel fumetto, infatti, Candy scopre che Albert, oltre ad essere il suo benefattore, è anche quel principe della collina che aveva da sempre amato. I risvolti sono pertanto diversi. Lodevole come sempre il doppiaggio italiano ed, in particolare, quello di Laura Boccanera che presta la voce a Candy.

GLI EPISODI – 1. Il compleanno di Candy 2. Il pic-nic di Candy e Annie 3. Addio Annie 4. Una lettera di Annie 5. Addio amici 6. Il principe sulla collina 7. Non sembro una signora? 8. Un felice invito 9. Una meravigliosa festa da ballo 10. Dalle stelle alle stalle 11. Il regalo di Annie 12. Dolce Candy 13. Un nuovo amico 14. Caro vecchio albero 15. Una decisione infelice 16. Viaggio in un paese sconosciuto 17. Nell’arido selvaggio West 18. La croce della felicità 19. Un viaggio difficile 20. Candy è felice 21. Ali d’amore 22. Anthony non mi lasciare 23. Il primo appuntamento 24. Il mio Anthony 25. Coraggio Candy 26. Papà albero sa tutto 27. Un dono degli angeli 28. Il dolore di Candy 29. Una partenza piena di speranza 30. Una lunga traversata 31. Candy a Londra 32. Un’altra collina di Pony 33. Una strana allieva 34. Una lettera di Pony 35. Una bellissima domenica 36. Annie torna a sorridere 37. Un incontro inatteso 38. Il segreto di Terence 39. Il tesoro di Patty 40. E’ facile uscire di prigione 41. La festa di maggio 42. Un pic-nic a mezzanotte 43. Scuola estiva sul lago 44. I vincoli del sangue 45. La festa di Iriza 46. L’estate è finita 47. La diabolica trappola di Iriza 48. Fra quattro gelide pareti 49. La grande decisione di Terence 50. Candy lascia il collegio 51. La lunga strada verso il porto 52. La famiglia Carson 53. L’alba al monte Rodnay 54. Il porto di Southampton 55. I due clandestini 56. La tempesta 57. Sandra 58. Candy torna alla casa di Pony 59. Un’insegnante poco severa 60. Jimmy se ne va 61. La grande decisione 62. Verso una nuova vita 63. Uno strano esame 64. Un’infermiera sbadatella 65. Un’allegra infermiera 66. Lo zio William 67. Chi è Mina? 68. Quando i fiori appassiscono 69. Ricordo di una rosa 70. Il segreto di Tom 71. Un marinaio in collina 72. Un paziente speciale 73. Scoppia la guerra 74. Una grande città: Chicago 75. A casa Andrew 76. La piccola casa sull’albero 77. Michael 78. L’armonica di Terence 79. Dietro i riflettori 80. Un breve incontro 81. Un incidente 82. Charlie 83. Un fantasma gioca a carte 84. Una partenza improvvisa 85. La famiglia Hamilton 86. Albert ha perso la memoria 87. L’esame 88. Un’infermiera diplomata 89. La scomparsa di Albert 90. Una casa a Chicago 91. Due cuori lontani 92. La decisione di Stear 93. Un simpatico Cupido 94. Un viaggio movimentato 95. La Florida 96. Preparativi 97. New York 98. La sera della prima 99. Separazione 100. Ritorno a casa 101. Una traccia di memoria 102. Una croce sulla collina di Pony 103. Un viaggio pericoloso 104. Grey Town 105. Arthur 106. Margot 107. Due bravi cuochi 108. Il telegramma 109. Lacrime di un piccolo cow-boy 110. Neal 111. Albert riacquista la memoria 112. Il tranello 113. Stear 114. Matrimonio a sorpresa 115. La verità.

In oltre 400 puntate dal 1987 a oggi, i Simpson sono la sit-com animata più amata del piccolo schermo. Il 17 dicembre 1989 la serie è promossa nella fascia delle 20. In 11 serie, la famiglia media americana viene radiografata e beffeggiata con i suoi tic, i suoi sogni, la sua immersione nella quotidianità. La dose calibrata di originalità ed umorismo, porta il cartoon creato da Matt Groening nella top ten dei programmi più seguiti della storia della televisione. La consacrazione avviene nel 1999, quando la rivista inglese TIME nomina The Simpsons il miglior show televisivo del XX secolo. La famiglia Simpson vive nella città immaginaria di Springfield. Homer, il capofamiglia, lavora come ispettore alla sicurezza nella centrale nucleare ed è il classico nullafacente incontinente ed idiota. Marge è la madre amorosa che cerca di mantenere la tranquillità nella famiglia. Bart è invece l’agitato e disubbidiente primogenito. Lisa è l’intelligente e filosofica bambina che suona il sassofono. Maggie è infine la baby che succhia il suo ciucciotto. Giorno dopo giorno la vita dei Simpson si affianca a quella nostra. Adesso sono anche al cinema con The Simpson – Il Film. Ecco, ve li presentiamo uno ad uno.

BART – Ha dieci anni e frequenta la IV elementare. E’ un ragazzo ribelle pestifero e menefreghista. Bart non ama molto la scuola anzi, insieme ad altri ragazzi, fa parte della lista nera del direttore Skinner. Qualche spione di Springfield, la città in cui vive, giura di averlo visto scrivere con le bombolette sui muri e firmarsi “EL BARTO”. Secondo il “SIMPSON FAN CALENDAR” del ‘93 sarebbe nato il 17 dicembre del ‘79. A Bart piace fare dispetti, atti di vandalismo e scherzi a quella “ciuccellona” di sua sorella Lisa. Il suo complice e’ Milhouse, i suoi idoli sono Krusty il Clown, l’Uomo Radioattivo e il tre volte campione di “Formula Carrettino” Ronnie Beck. Il passatempo preferito di Bart è andare in skate. Più che un passatempo, in futuro potrebbe essere una professione: infatti ha vocazioni da “Spericolato”. Leggendarie sono le sue frasi di punizione alla lavagna e le sue esclamazioni italianizzate : “Ciucciati il calzino!” (in inglese: “Eat my shorts”) e “Non farti infartare” (in inglese: ” Don’t have a cow! ” ). La voce americana è di Nancy Cartwright quella italiana invece di Ilaria Stagni.

HOMER – l capofamiglia, lavora come ispettore alla sicurezza alla SNPP (SPRINGFIELD NUCLEAR POWER PLANT) cioè la centrale nucleare di Sprinfield (se avete avuto bisogno della traduzione per capirlo c’è un po’ di Homer in voi) di cui il proprietario è Mister Burns. Homer ha 38 anni come asserito nell’episodio:”Homer toro scatenato” ed è nato nel North Carolina il 10 maggio del ‘55. Egli è l’esempio del tipico americano medio, è sposato con Marge ed ha tre figli. Le sue passioni sono la birra Duff, il bowling e il baseball. Homer ha dei leggeri problemi di obesità ed e’ in costante rivalità con il nemico/vicino Ned Flanders. Da antologia i suoi dialoghi con il cervello e i tentativi di soffocamento di Bart. MI-TI-CO! Peso: Il suo dai 108 ai 118 kg. Il suo numero di polizza sanitaria:568-47-0008 La voce americana è di Dan Castellaneta, quella italiana di Tonino Accola.

MARGE - Marge Simpson è nata a Bouvier ed è la moglie di Homer.
Ha 34 anni, tre figli, una pettinatura eccessiva e fa la casalinga; di solito però la troviamo intenta in piccoli lavoretti, come vendere biscotti alle bancarelle, per far quadrare il bilancio familiare o per far fronte a spese impreviste. Ciò che di lei balza subito all’occhio è la particolare acconciatura: una rigida permanente blu nella quale può nascondere ogni cosa. Ha il 47 di scarpe, ma dorme nuda e cucina pietanze con otto spezie diverse. Il suo ruolo di mamma la impegna moltissimo, considerata anche la particolare natura dei suoi marmocchi.
Il suo nome da signorina è uguale alla sua città di origine: Bouvier.
La sua voce roca alla Cocciante è interpretata in America da Julie Kavner, in Italia da Liù Bosisio.

LISA – E’ una studentessa modello e il suo hobby è suonare il saxofono. Intellettuale del gruppo, in famiglia Lisa è il punto di riferimento per qualsiasi problema. Adora leggere e la sua scrittrice preferita è Virgina Woolf. Questa simpatica bambina incarna la creatività in una persona. La prima parola che ha pronunciato è stata il nome del fratello: “Bart”, un vero incubo per lei. Della famiglia è il centro morale ed intellettuale. Chiamata spesso secchiona dai compagni di scuola e anche dal fratello Bart si è definita “La bambina più triste della II elementare”. Lisa combatte strenuamente per i suoi ideali e a volte, così facendo, si attira le antipatie altrui. La sua anima gemella , peraltro mai corrisposta e’ il mitico Milhouse.

MAGGIE - Il suo valore commerciale è di 847,6 $, scoperto dopo averla fatto passare sul rilevatore dei codici a barre al supermercato. Era il costo per il mantenimento di un bambino secondo un indagine americana. Apparentemente estranea alle dinamiche familiari, in realtà la bambina vede tutto, ascolta tutto e capisce ogni genere di cosa. Meggie cammina per la casa e cade spesso a terra, così le capita anche di bere dalla ciotola del cane piccolo aiutante di Babbo Natale. Maggie Simpson ha solo un anno e la sua grande passione è quella di succhiare il ciuccio. La sua prima parola è stata “Daddy” cioè papà. La sua nascita è documentata nella puntata: “E con Maggie son tre”:La piccola è nata, creando molti problemi economici, quando Homer, dopo essersi licenziato dalla centrale, è andato a lavorare nella sala del bowling. Ma la sua scappatella è stata di breve durata poiché il pelato simpsoniano è tornato alla centrale nucleare.

L’AUTORE – Nato il 15 Febbraio 1954 a Portland (Oregon), Matt Groening comincia la sua carriera di “scarabocchiatore” di disegni molto presto (in pratica nel suo primo giorno di scuola). Ha fatto la storia della televisione creando la prima, e adesso la più lunga serie animata americana di prima serata rivolta principalmente ad un pubblico adulto. Groening ha realizzato alcuni lavori molto interessanti prima di avere successo come disegnatore: ha lavorato in un impianto di trattamento delle acque di scolo e come autista per un anziano regista cinematografico. In seguito è stato ghostwriter sulle memorie del vecchio regista. L’8 settembre 1986, inventa e diventa produttore esecutivo della serie “The Simpson”, che e’ in pratica la sua prima esperienza da animatore. Sulla scia del loro successo, Groening fonda il “Bongo Comics Group”, con cui pubblica quattro raccolte di fumetti (”Simpson Comics”, “Radioactive Man”, “Bartman”, “Itchy and Scratchy Comics”) e due speciali (”Lisa Comics” e “Krusty Comics”).

Hanno più di sessanta anni ma non li dimostrano. Di mestiere fanno il gatto e il topo. Trascorrono tutto il giorno ad inseguirsi, a farsi dispetti. C’è chi tifa per il felino ma poi, guardando la faccina tenera del topo, si pente e condivide le fughe con lui. Parliamo naturalmente di Tom e Jerry, le cui storie a cartoni animati deliziano dal 1945 la fantasia di grandi e piccini. Nati dalla mente geniale dei cartoonist William Hanna e Joseph Barbera, Tom & Jerry costituiscono una di quelle fortunate coppie che è riuscita ad imporsi subito nell’immaginario collettivo. Passati dalla Disney alla Metro Goldwyn Mayer nel 1937, Hanna e Barbera realizzano diversi cartoni animati. L’anno chiave è il 1940: nel cortometraggio “Puss Gets the Boot” compaiano per la prima volta il gatto Tom e il topo Jerry, meglio conosciuti come “Tom e Jerry”.

GATTO E TOPO – In questa prima apparizione, il gatto si chiama Jasper e il topolino non ha nome. Il successo è strepitoso. I ragazzi americani restano incantati dal “topo senza nome” e puntano il dito contro Jasper. Tuttavia, la coppia è cosi spassosa da imporsi subito e risultare simpatica persino alle bacchettone mamme statunitensi. Col passare degli anni, Tom & Jerry iniziano ad avere una fisionomia definita. I due cartoonist ci lavorano con passione e meticolosità, affinando gli interventi e i ritmi all’interno delle sceneggiature. I continui colpi di scena e le trovate fantasiose e mai scontate dei due personaggi sono agevolate da una fluidità e una cura nei movimenti davvero sorprendenti. Durante alcune azioni, il gatto e il topo sembrano fatti di gomma. Nel 1957 la premiata ditta chiude il sodalizio con la Metro Goldwyn Mayer e si mette in proprio creando appunto il famoso marchio “Hanna & Barbera”.

LA STRANA COPPIA – Tom è un gatto grande, grigio e bianco, dagli occhi grandi che trascorre le giornate a studiare stratagemmi per acciuffare l’ingegnoso topo. I suoi unici scopi nella vita sono mangiare, dormire e andare a caccia del suo nemico. Jerry è di colore marrone, celere, perspicace e, come passatempo, si burla di Tom. Sembra innocuo ma si ritrova una faccia da schiaffi. E’ molto tenero quando si fa in quattro per aiutare gli altri animali che rischiano di essere agguantati da Tom. Tom e Jerry si danno battaglia a suon di martelli, con poca malizia e molta simpatia. Potrebbe capitarvi di incontrare Jerry affamato. Preso dal febbrile languore, il topolino esce dalla sua tana e va alla ricerca di formaggio in qualche credenza della cucina. Tom lo avvista e tira fuori gli artigli. I due si inseguono da una stanza all’altra e giocano a nascondino tra mobili di cucina, divani o corridoi interminabili. Nelle loro storie diventano co-protagonisti persino gli elettrodomestici, che si trasformano in armi molto pericolose, capaci di mettere in pericolo il pelo e la coda del maldestro Tom. Jerry veste l’abito del topo furbo, Tom invece è determinato e aggressivo nella sua caccia. Tuttavia, il gattone riesce sempre a riscuotere molta simpatia da parte del suo pubblico perché diventa “lo sconfitto” per eccellenza, cacciandosi sempre in un mare di guai. In questa casa “non regna la legge del più forte, ma del più furbo”.

AL CINEMA – Nel 1993 esce il lungometraggio “Tom & Jerry – Il film” diretto da Phil Morman, con la supervisione dei due papà Hanna & Barbera, che porta sul grande schermo i due nemici di sempre per la prima volta nel ruolo di alleati. Forse proprio questo ha disilluso le aspettative sugli incassi che aveva prospettato la MGM di Ted Turner. Tom & Jerry hanno fruttato ai suoi autori sette oscar. Restano due personaggi intelligenti del patrimonio artistico del XX secolo, loro che sono lontani dalle discordie e prepotenze dell’umanità. Non è una caso che nei loro cartoni animati gli adulti non compaiono mai, ma si intravedono soltanto di sbieco. Pertanto, non è un peccato restare ancora per un po’ bambini per avere un pretesto, quello di accendere il televisore e fare un forsennato zapping con la speranza di rincontrarli sul piccolo schermo.

L’Ape Maia  ha più di trenta anni e resta uno dei personaggi più amati dei cartoni animati. Nonostante sia arrivata nel nostro Paese soltanto alla fine degli anni settanta, a vivacizzare il palinsesto pomeridiano dell’allora Tivù dei Ragazzi, questo personaggio ha forti legami con la letteratura. Infatti, le avventure dell’Ape Maia sono tratte dai racconti Le avventure di Ape Maia e Il popolo del cielo dello scrittore tedesco Waldemar Bonsels (Ahrensburg, Amburgo, 1880-Ambach, Baviera, 1952). “Ogni anno, all’inizio della stagione, la regina deponeva le uova, dalle quali nascevano nuove api. Ed è proprio a questo punto che comincia la meravigliosa storia dell’Ape Maia”, così si legge nella prima pagina del racconto dello scrittore tedesco.

LETTERATURA – Penna minore del neoromanticismo tedesco, Bonsels pubblica questi due racconti nel 1912, alla vigilia del primo conflitto mondiale. La sua opera punta molto sul mistero della creazione e sulla nostalgia di un’innocenza perduta. Il delizioso personaggio di Maia esprime al meglio tutto questo, insieme a tutta la banda degli altri insetti che animano il suo mondo. Il libro così come il cartone animato ha una grande valenza pedagogica. Di fatti, la storia è incentrata sul percorso educativo che Maia compie nella sua vita, trasformandosi da ape curiosa e vivace, in un’adulta responsabile con un ruolo importante nella sua comunità. Le pagine di Bonsels riscuoto molto successo nel 1924 anche grazie al film curioso del fotografo tedesco Wolfram Junghans. La breve pellicola, ispirata al libro, ha come protagonisti insetti vivi ed considerato oggi l’antenato dei live action moderni.

IL CARTONE – Per mezzo secolo la dolce ape finisce nel dimenticatoio finché nei primi anni settanta la Nippon Animation, uno dei colossi dell’animazione giapponese, decide di dedicarle una serie a cartoni animati. Mitsubachi Maya no boken – questo è il titolo originale dei 32 episodi – viene prodotto dalla Nippon nel 1975 assieme alla compagnia tedesca Kirch Media Group, con i disegni di Marty Murphy e la regia di Seiji Endo e Hiroshi Saito. Tradotta in 43 lingue, la serie animata arriva su Rai 1 nel 1979, con la sigla di apertura cantata da Katia Svizzero dal titolo “Vola, vola l’ape Maia”, che conquista al primo impatto i piccoli ascoltatori.

LA STORIA – La storia è molto semplice. Dopo la nascita, la piccola ape Maia viene affidata all’ape maestra Cassandra, che la guiderà nella crescita. Tuttavia, la curiosità della nostra piccola protagonista è tale da portarla subito fuori dall’alveare dove conoscerà una serie di amici, tra cui il calabrone Willy e la cavalletta Flip. Infine, attraverso le mille avventure dell’Ape Maia, i bambini conosceranno da vicino il mondo fantastico degli insetti ed avranno la possibilità di rispecchiarsi nella fase di crescita. Il grande valore di questa serie, zeppa di spunti educativi e pedagogici, è la descrizione narrativa delle scoperte di Maia, la sua crescita interiore e i suoi movimenti per ritagliarsi un ruolo preciso e definitivo nella comunità delle api. Maia incontrerà una miriade di personaggi che la aiuteranno a crescere: quei personaggio sono lo specchio dell’umanità, dell’umanità di sempre e per questo le avventure dell’Ape Maia stentano a tramontare.

GLI EPISODI – La nascita di Maia; 2. L’elfo dei fiori; 3. La libellula; 4. La mosca domestica; 5. Il ragno Tecla; 6. L’incendio nel bosco; 7. Willi perde la memoria; 8. La lucciola Jimmi; 9. Maia e la vecchia cavalletta; 10. Maia e la piccola larva; 11. Flip in trappola; 12. Tecla fa male i conti; 13. Storie nella tempesta; 14. Il concerto delle cicale; 15. Maia formica supplente; 16. Alla ricerca di un bosco; 17. Il finto calabrone; 18. L’operazione di Max; 19. Una casa per il bruco; 20. Una gita in bottiglia; 21. Aroldo il passero; 22. Mister Muscolo lo scarabeo; 23. Il gemello di Flip; 24. L’inverno di Maia e Willi; 25. E’ arrivata la primavera; 26. La farfalla notturna; 27. Guerra ai ladri!; 28. Ecco Maia; 29. Il formicaleone; 30. Il concorso di bellezza; 31. La traversata; 32. Herman l’energumeno

E’ inutile fingere. Prima che arrivasse il monopolio canoro di Cristina D’Avena sulle sigle italiane dei cartoni animati, una lunga tavola rotonda di compositori, parolieri ed interpreti ha partecipato alla realizzazione di decine e decine di sigle, che nel nostro panorama discografico sono diventate delle vere hit tra fine degli anni settanta e i primi anni ottanta. Migliacci, autore della famosa “Nel blu dipinto di blu”, firma assieme a Bruhn Heidi (1978), portata al successo da Elisabetta Viviani. Il singolo, pubblicato da Ricordi, scavalca le classifiche e resta in testa per diverse settimane, nonostante il tema fosse molto oleografico. Del resto per parlare della storia della piccola protagonista tra “prati verdi” e “montagne” erano inevitabili versi del tipo: “Heidi, ti sorridono i monti, Heidi le caprette ti fanno ciao”. Tipica canzone che sarebbe piaciuta agli ambientalisti più agguerriti.

DA CARLETTO A CAPITAN HARLOCK -  A Migliacci lega il suo nome anche ad altre sigle: Daltanius (Miglacci, Cantini – 1981), arrangiata dal bravissimo Alessandro Centofanti; Carletto e i mostri (Migliacci, Kobayashi – 1983), scritta sulla base originale giapponese; e la meno conosciuta Chobin (Migliacci, Goldsand – 1982), cantata dal coautore Mauro Goldsand e Patrizia Tapparelli, dall’andamento da jingle pubblicitario. Tuttavia, il massimo risultato lo raggiunge componendo Lupin (Migliacci, Micalizzi – 1982), sigla della seconda serie del ladro gentiluomo del Sol Levante:parisien style con parole che addolciscono la figura di Lupin, per farlo sfuggire agli occhi della censura  Albertelli e Tempera firmano la deliziosa Hello! Spank (1982), interpretata nella versione originale dal coro di Vince Tempera, che introduce bene questo cane buffo ed esuberante; mentre per Anna dai capelli rossi (1980), sfoderano grande abilità a condire strofe e ritornelli con lo stile di vita della protagonista. Non è un caso che quest’ultimo brano venda più di 600.000 copie. Infine, gli stessi autori lasciano lo zampino dietro l’indimenticabile Daitarn 3 (1981), dove musica e parole vanno a braccetto con un temperamento musicale forte; Goldrake (Albertelli, Luca, Tempera – 1978), sigla di coda della seconda fortunata serie televisiva con un arrangiamento che punta su basso, sintetizzatori, tastiere e percussioni; e Capitan Harlock (1979), pezzo accattivante che con punte musicali deliranti rassoda il mondo fantastico del capitano dalla benda nera.

DA MAZINGA A LULU’ – Vecchie voci degli anni sessanta rispuntano per cantare le sigle. E’ il caso di Edoardo Vianello e Wilma Goich per Cybernella (Vistarini, Cantini, Lopez – 1981) o Nico Fidenco per Jenny la tennista (1981). Molti fanno incursione nel mondo dei cartoni animati: la doppiatrice Giorgia Lepore, voce fresca e modulata per i pezzi L’Ape Magà (Macchiarella, Cappa – 1979), Conan (Macchiarella, Buzzi – 1981) e Mimì e le ragazze della pallavolo (Macchiarella – 1982), il regista Enrico Vanzina, autore del testo di L’Ape Maia in concerto (Vanzina, Marrocchi, Tariciotti – 1980), sigla di chiusura della serie animata; e il cantautore Marco Ferradini, assiepato nel coro delle voci che cantano La principessa Sapphire (Albertelli, Castellari – 1980). Le voci corali dei Cavalieri del Re sbancano con due titoli: Lady Oscar (Zara – 1982), in stile elegante e sfarzoso e  L’uomo tigre (Zara – 1982), in stile funk e con abusi di suoni da sintetizzatore. Per quanto riguarda la passerella dei robot, la scelta è imbarazzante, anche se ci limitiamo a menzionare Jeeg Robot (Moroni, Lepore, Casco, Watanabe – 1979) e Mazinga Z (Verde, Watanabe – 1979), tra le poche ad essere state composte sulla musica originale giapponese.  Candy Candy (Machiarella, Tibaldi, Fraser, Meakin – 1980) ha una formazione nell’esecuzione davvero incredibile: suonano le tastiere di Mike Fraser, le chitarre di David Summer e la batteria di Derek Wilson, in tour con Baglioni e Venditti. La stessa formazione si trova dietro altri hit come Sampei (Macchiarella, Meakin, Fraser – 1982), il simpatico pescatore nipponico e Lulù (Macchiarella, Meakin, Fraser – 1981), la tenera principessa dei fiori. Grande fascino risiede dietro la bellissima sigla Galaxy (De Natale, De Angelis – 1982), riutilizzata con un testo in inglese per la colonna sonora del film Bomber (1982) con Bud Spencer, senza tener conto degli scioglilingua di Bia, la sfida della magia (Lo Vecchio – 1980), una piccola gemma del canzoniere per bambini. Infine, una curiostà: la sigla l’Ape Maia (Ciotti, Marrocchi – 1980), cantata da Katia Svizzero, è stata arrangiata dal maestro Mauro Mazza.

Il pirata con la benda nera viaggia nello spazio e non ha paura di niente e nessuno. Avete capito che parliamo di Capitan Harlock, l’eroe a cartoni animati creato dal genio di Leiji Matsumoto. Uno dei personaggi più complessi dei cartoon giapponesi che approda in Italia sugli schermi della Rai nel 1978, all’interno del contenitore della tv dei ragazzi. Se nell’universo mitologico domina il mito di Ulisse con le sue peregrinazioni, nell’immaginario moderno il pirata assorbe connotati dinamici, lui ribelle ad ogni regola e disciplina, libero di agire e di pensare. Facendo una breve incursione nel mondo dei pirati – Jack Sparrow dei “Pirati dei carabi” insegna – è chiaro che ci troviamo dinanzi a personaggi senza scrupoli, pronti a tutto pur di ottenere quello che vogliono.

L’EVOLUZIONE DI HARLOCK – Matsumoto, come molti altri della sua generazione, attinge dalla letteratura e la adatta alle forme letterarie e visive dell’immaginario made in Japan. Viene fuori un personaggio poetico, antieroe per eccellenza, in una società immaginata in un futuro lontano. Siamo nel 2977 e il mondo è sottomesso alle macchine, stritolato da uno sconforto intellettuale tale da spingere tutti verso la rassegnazione. Harlock e i suoi amici Esmeralda e Tochiro navigano nello spazio con l’auspicio di far capire all’universo le potenzialità dell’individuo, pronte ad essere recuperate per dare una svolta al mondo. Tuttavia, il pirata più amato della tv ha una sua genesi precisa. Non è altro che l’evoluzione di personaggi che Matsumoto ha messo in piedi fin dal 1953 con capitan Kingstom, un pirata che osa ribellarsi ai soprusi britannici. Dopo lo scienziato Harlock (1968), il nome Capitan Harlock viene fuori al completo nel 1969 per identificare un pilota tedesco della seconda guerra mondiale. Soltanto nel 1970 con il grande pirata spaziale Harlock appare il personaggio che noi conosciamo, condensato nell’anime “l’Arcadia della mia giovinezza”, in attesa del 1977 anno della sua nascita.

DAL MANGA ALL’ANIME – La serie a cartone animato si ispira all’omonimo manga, apparso l’anno prima presso l’Akita publishing e pubblicato in cinque volumi fino al 1981. Dal fumetto al cartoon ci sono diversità sostanziali: mancano dei personaggi, ma in compenso ci sono approfondimenti di situazioni chiave, a volte poco chiari nel cartone animato. Gli episodi sono stati sottoposti ad una censura spietata perché c’erano temi scomodi in filigrana, scene di nudo e violenza. Del resto cosa fare con un prodotto in cui si vedevano il Primo ministro e i governanti come nullafacenti, abituati ad oziare e ad infischiarsene dei problemi della gente? Come fare per non far capire al popolo della tv che, nel mondo abitato dal pirata e dai suoi amici, chi si ribella e cerca di evitare la degenerazione è destinato a stare ai margini della società? Per questo in un certo senso dietro la bandiera di Harlorck sventola l’anarchia, in quell’Italia degli anni di piombo in cui si è cercato di emarginare certi spunti ideologici. E tutto questo è confermato dalle affermazioni che il pirata bendato fa nei vari episodi: “Io… mi batto solo per quello in cui credo. Non per uno stato o un pianeta in particolare. Lotto solamente per gli ideali che ho nel cuore. Io erro lungo le rotte delle stelle… la gente mi chiama Capitan Harlock… nell’oscuro mare stellare, nello spazio infinito e senza domani, finchè ci sarà anche un unico sole che arde nel cosmo, io vivrò in libertà sotto il mio vessillo. Io vago per i confni dello spazio… la gente mi chiama Capitan Harlock… il “black jack” è issato sulla mia nave, e con questa bandiera che sventola tra le stelle, io vivo in libertà. L’universo è la mia casa… la voce sommessa di questo mare infinito mi invoca, e mi invita a vivere senza catene… la mia bandiera è un simbolo di libertà.”

OMAGGIO AD HARLOCK - Il personaggio di Matsumoto è celebrato con diverse iniziative. In edicola la De Agostini pubblica tutta la collezione in video, mentre gli appassionati si godono lo splendido box “Space Pirate Captain Herlock – Endless Odyssey – Outside Legend”, dove Shin Vision ed Exa Cinema raccolgono 13 episodi in 4 dvd, contenenti questa serie avvincente.

ELENCO DEGLI EPISODI – Bandiera pirata nello spazio; Assalto dall’ignoto; Una donna che brucia come carta; Sotto la bandiera della libertà; Ai confini delle stelle; La regina Raflesia; La piramide in fondo al mare; L’astuta tattica della regina; Le terribili piante umane; Verso il pianeta segreto; Laura dagli occhi scintillanti; Madre, in tua memoria; Il castello stregato nel mare della morte; La lapide ai piedi della sfinge; L’aurora boreale;La canzone del commiato; Lo scheletro dei falchi spaziali; Le guerriere ombra; Il tranello della regina Raflesia; Yura, la stella disabitata; Goram!; Il sepolcro dello spazio, Yattaran, modellista poeta; Stella cadente; La figlia del Dottor Zero; Lungo viaggio verso la patria; La decisione dell’Arcadia; La nebulosa Ulisse; Scontri sul pianeta Arcobaleno; Amico mio, mia giovinezza; La costruzione segreta dell’Arcadia; Musica dal pianeta Vento; Anche un solo cuore gentile; La ninna nanna della galassia; L’essere misterioso; Il computer vivente; L’astuccio vuoto; L’invisibile padre di Mayu; Morte di Kirita; La nave del miraggio; Raflesia e Harlock: incontro ravvicinato; Addio pirata dello spazio.