La commedia sexy all’italiana appartiene ad un filone cinemtagorafico del Belpaese che si afferma a cavallo degli anni settanta e ottanta. Nel 1973 Giuliano Carnimeo porta sul grande schermo Anna, quel particolare piacere, commedia  molto peperina e stuzzicante. Anna, cassiera di un bar di Bergamo, viene sedotta da un delinquente che la costringe a trasportare droga e a prostituirsi. Edwige Fenech, con i suoi seni “eccessivamente prosperosi”, diventa la reginetta indiscussa del genere. Nel film un ruolo anche per Corrado Pani (il marito di Mina!). “L’assistente sociale tutta pepe” di Nando Cicero (1981) si inserisce nel filone della sexy comedy con risvolti sociologici. L’arrivo dell’attraente assistente sociale “tutta curve e seni” in una borgata romana mette in subbuglio tutto il vicinato. Niente passa inosservato. Clamoroso exploit per Nadia Cassini, che fa concorrenza sullo schermo alla rivale Edwige Fenech.  Persino il dissacrante Decamerone boccacesco è finito in pasto alla commedia sexy, dando vita al genere “decamerotico”. “La bella Antonia prima monica e poi dimonia” (1972) di Mariano Laurenti è un vero cult del genere. Antonia è costretta ad entrare in un convento perché il padre le impedisce di sposare il bel Raffaello. Ma lì ne succederanno di cotte e di crude. Film erotico ed irriverente che recluta nel cast, oltre alla Fenech, anche Piero Focaccia e Riccardo Garrone. La satira di Salvatore Samperi è graffiante anche quando approda al cinema erotico.

SENZA PUDORE – Nel film “Casta e pura” (1981), Rosa (Laura Antonelli) promette alla madre morente di rimanere illibata. Le tentazioni si riveleranno più forti delle promesse e la castità sarà soltanto pura illusione. Christian De Sica e Massimo Ranieri si contendono lo scettro in questa commedia erotica che mette in luce i vizi e i falsi moralismi del Belpaese. Memorabile commedia erotica, “La collegiale” di Gianni Martucci (1975) è un classico del genere. La bella e seducente Martha Katherin cerca il principe azzurro ma i malintenzionati hanno occhi soltanto per il suo corpo perfetto. L’ingenuità della ragazza provocherà qualche intoppo ma l’happy end è assicurato. Nel film compare anche Nino Castelnuovo, volto noto dello spot dell’Olio Cuore. Avere una compagna di banco fiorente e sexy come Lilli Carati non è sempre produttivo. Se poi si finisce per desiderarla, possono cominciare i guai. Con la sua “Compagna di banco” (1987), Mariano Laurenti si sbizzarrisce a più non posso. Ma oramai siamo lontani dai tempi d’oro della commedia scollacciata e certe trovate finiscono per annoiare. Lino Banfi, Gianfranco D’Angelo e Alvaro Vitali sono comunque insuperabili. Pensate un po’ come può sentirsi frustrato un “sarto di abiti clericali”, per di più marito e padre rassegnato. Durante un viaggio di lavoro, Domenico Petruzzelli viene travolto da un’insolita relazione extra-coniugale. L’oggetto del desiderio è la sexy Marianna, che ambisce ad affermarsi come cantante lirica. Spumeggiante commedia sexy diretta da Sergio Martino, “Cornetti alla crema” (1981) è costruito sull’inimitabile coppia Lino Banfi-Edwige Fenech. Il colonnello Anacleto Punzone (Lino Banfi) ha un problema: è scarsamente dotato. Dopo l’arrivo della dottoressa americana Eva Russell (Nadia Cassini), trova uno stratagemma per scambiare il suo organo genitale con quello di una giovane recluta super-dotata. Non sempre le ciambelle riescono con il buco. 

VIZIETTI SEXY – Piccolo gioiello della commedia sexy, “Dove vai se il vizietto non ce l’hai?” di Marino Girolami (1979) mette tutti d’accordo, sia il pubblico che la critica. Due investigatori, i formidabili Renzo Montagnani e Alvaro Vitali, si travestono da maggiordomo gay e da cuoca per risolvere un caso di infedeltà coniugale. Gag spassosissime e riferimenti metacinematografici a non finire. Da antologia le scene in cui Alvaro Vitali viene insidiato da un giardiniere “famelico”. Nel cast si ricordano Paola Senatore, Mario Carotenuto e Lory Del Santo. Trovarsi di fronte ad un ginecologo malizioso può risultare anche imbarazzante. Travolto dai debiti, un ginecologo lascia l’attività ad un collega più giovane(Renzo Montagnani) che trasformerà lo studio in una passerella di bellezze femminili. Nel “Ginecologo della mutua” di Joe D’Amato (1977), satira semiseria della mala sanità degli anni settanta, gli spogliarelli abbondano così come i nomi illustri coinvolti: da Aldo Fabrizi a Paola Senatore, da Massimo Serato a Isabella Biagini. Con “La Gorilla” di Romolo Guerrieri (1982), il cinema sexy apre le porte all’insidiosa Lory Del Santo, che fino a questo momento aveva ricoperto soltanto ruoli marginali. Bella Guardia del corpo esperta in arti marziali adesca un timido disegnatore che ha l’hobby della fotografia erotica. Farsa piccante con Tullio Solenghi, Gianfranco D’Angelo e Giorgio Bracardi. Molti concordano sul fatto che le infermiere siano seducenti. Mariano Laurenti porta sullo schermo nel 1979  L’infermiera di notte che stuzzica la categoria. Una bella infermiera (Gloria Guidi)viene a trovare lo zio malato. Ci penserà il figlio di un dentista (Leo Colonna) a sedurla… Nel cast si segnalano Lino Banfi, Alvaro Vitali e Mario Carotenuto.

PERCHE’ NON FACCIAMO L’AMORE? – Pietra miliare della commedia sexy degli anni settanta, “La liceale” di Michele Massimo Tarantini (1976) si è ritagliata un posto di primo ordine nell’immaginario collettivo pecoreccio. La bionda Gloria Guidi è perfetta nel ruolo di una liceale ingenua che fa girare la testa a compagni, professori e preside. Peccato che l’oggetto del desiderio lasci tutti in bianco. Tra gli altri sequel, firmati da Laurenti e Cicero, si ricordano “La liceale seduce i professori” (1978), “La liceale nella classe dei ripetenti” (1978), “La liceale, il diavolo e l’acqua santa” (1979) e “La liceale al mare con l’amica di papà” (1981). Il seno extra-large di Carmen Russo, la diva indiscussa del varietà sperimentale della domenica sera (Drive In…), fa incassi al botteghino con “Mia moglie torna a scuola” di Giuliano Carnimeo (1981). La Russo veste i panni di Valentina, la moglie sexy di un salumiere che decide di tornare a scuola. La bella maestrina metterà in subbuglio tutto il collegio, facendo imbarazzare persino il ministro della pubblica istruzione. Nonostante lo scambio di coppia vada di moda ai nostri giorni, il tema risulta abbastanza scottante nel 1980. Nelle sale arriva “Perché non facciamo l’amore?” di Maurizio Lucidi. Ad alcuni clienti viene prescritto da un dentista un breve periodo di riposo. Durante la vacanza, ci sono misteriosi scambi di coppie. Equivoci a non finire ed indimenticabile strip-tease di Barbara Bouchet. Assolutamente da non perdere.

L’UBALDA – Il soldato di ventura Olimpo, stanco della moglie Fiamma, perde la testa per la bella e prosperosa Ubalda. Per realizzare il suo sogno, Olimpo è disposto anche a sfidare il focoso marito mugnaio, che cerca di fermare in tutti i modi la folla dei pretendenti. Erotismo a tutto campo e risate assicurate per la combriccola Edwige Fenech, Pippo Franco e Umberto d’Orsi in questa commedia sexy firmata da Mariano Laurenti (1972). Il titolo completo è “Quel gran pezzo dell’Ubalda tutta nuda e tutta calda”. Patrizia (Edwige Fenech)è una giornalista sensuale che vuole far carriera. Proposta indecente al direttore: affidarle un’inchiesta. Se sarà un fiasco, la procace Patrizia si concederà. “Sballato, gasato e completamente fuso” è un film grossolano che non sempre riesce a mantenersi in linea con i luoghi comuni della commedia sexy all’italiana. Diretto da Steno nel 1982, recluta nel cast il compianto Enrico Maria Salerno e il divo trash del decennio Diego Abadantuono. In questo sequel, la bella Fenech viene ingaggiata per studiare il comportamento sessuale dei militari all’interno delle caserme. La missione è abbastanza delicata, soprattutto quando i militi sono tutti allupati.

E’ stato definito cinema trash un filone di film della commedia all’italiana, realizzati a basso costo tra gli anni ‘70 e ‘80. Quali sono i titoli che hanno lasciato un segno del cuore del pubblico? Prima domanda: Cosa fa un emigrante pugliese (Lino Banfi) a Torino? Prima di tutto cerca lavoro. Assolutamente, no! Si affida alla fortuna, gioca al totocalcio e azzecca una schedina miliardaria. I problemi cominciano soltanto adesso. Per sfuggire alle minacce di parenti e amici, è costretto ad andare in esilio in Francia. Film cult, diretto da Francesco Massaro (1983), Al bar dello sport è tra gli indimenticabili del genere per la comicità a limite della demenzialità. Il cameriere muto del bar è interpretato da un Jerry Calà in gran forma. L’allenatore nel pallone di Sergio Martino è uscito nelle sale cinematografiche nel 1984. Lino Banfi indossa i panni di un allenatore sfortunato che si ritrova ad allenare la squadra calcistica della “Longobarda” per portarla in serie A. Le disavventure di Oronzo Canà e della sua equipe assicurano risate a non finire. Nel cast si segnalano Andrea Roncato e Gigi Sammarchi.

DA ATTILA AI GATTI – Tra i più amati dai fan di Enrico Montesano c’è Aragosta a colazione, diretto da Giorgio Capitani ed uscito sugli schermi nel 1979. Classica commedia degli equivoci, che rievoca le atmosfere comiche del cinema di Blake Edwards, “Aragosta a colazione” vede nei guai un venditore di maioliche che si finge il marito dell’amante di un suo amico. Le ciambelle non riescono sempre col buco… Da antologia la scena di Montesano nel bagno. Quando l’integerrimo Carmelo Lo Cascio di Acireale arbitra le partite non la passa liscia nessuno. Non riuscendo ad organizzare la sua vita tra lavoro, moglie e amante, Lo Cascio finirà in manicomio. Commedia di costume del 1974, diretta da Luigi Filippo D’Amico, L’arbitro brilla grazie all’interpretazione di Lando Buzzanca. Nel cast un’irriconoscibile Joan Collins (l’Alexis di Dinysty!). Il mitico quartetto dei Gatti di Vicolo Miracoli, composto da Jerry Calà, Umberto Smaila, Ninì Salerno e Franco Oppini, è protagonista di Arrivano i gatti di Carlo Vanzina (1980). La frizzante colonna sonora di Umberto Smaila accompagna le disavventure della celebre premiata ditta veronese che si trasferisce a Roma per cercare il successo. Attimi comici si alternano a momenti malinconici per un happy end scontato ma tutto da ridere. Con Attila flagello di Dio del 1982, i registi Castellano e Pipolo ci danno davvero dentro con una demenzialità allo stato puro. Uno scontro tutto da ridere tra Romani e Lombardi ai tempi delle invasioni barbariche. Abadantuono nel ruolo di Attila è davvero inimitabile col suo dialetto sgrammaticato. Oltre alla sexy Rita Rusic, si segnala la colonna sonora firmata dagli ex membri della Premiata Forneria Marconi Franz di Cioccio e Franco Mussida.

BISBETICI E PRETI – Chi oserebbe mai mettersi contro il forzuto ma buon gigante Banana Joe? Chi ci prova deve vedersela con questo commerciante di ortofrutticoli che non teme nessuno, neanche ad un gruppo di malavitosi che vuole ostacolare le sue vendite oneste nei paesi dell’America Latina. Co-prodotta da Italia e Germania, questa commedia di Steno (1981) porta al centro dei riflettori l’amato Bud Spencer, alias Carlo Pedersoli, autore anche della sceneggiatura. Chissà se sir William Shakeaspere, re del teatro di tutti i tempi, avrebbe mai pensato di finire in pasto al cinema trash? Ispirandosi ad una sua celebre commedia, nel 1980 il duo Castellano & Pipolo rielabora il soggetto, questa volta tutto al maschile con Il bisbetico domato Un bisbetico proprietario terriero si lascerà sedurre, dopo molteplici peripezie, da una donna ricca e snob. Consacrazione per la coppia più trash degli anni ottanta: Adriano Celentano e Ornella Muti. Il trash napoletano fa il verso alla sceneggiata con lo scugnizzo partenopeo Nino D’Angelo. Ninì Grassia porta sullo schermo nel 1981 Celebrità,  la storia di un meccanico che lascia il posto di lavoro per tentare di affermarsi come cantante nel difficile e illusorio mondo dello spettacolo. Tra gli attori si segnalano la brava attrice eduardiana Regina Bianchi. Le occupazioni scolastiche non hanno sempre fini politici o impegnativi. In un liceo di Trani gli studenti si danno da fare per occupare la scuola e poi, con la complicità di professori e bidelli si dedicano a controversie sentimentali e sessuali. La povera vittima del film di Mariano Laurenti (1976) è Tonino Licata, che si è perdutamente innamorato della professoressa di Lettere. Tra gli interpreti di La classe  Alvaro Vitali, Mario Carotenuto, Gianfranco D’Angelo e Ferni Benussi. Non sarà certo Sherlock Holmes o l’agente segreto 007, ma il Commissario Lo Gatto (Lino Banfi) si difende bene. L’unico difetto è che ne combina di tutti i colori, smascherando persino alcune marachelle del Presidente del Consiglio. Commedia politica tutta trash (1986), firmata dal reuccio della commedia all’italiana Dino Risi, è entrata a pieno titolo nell’immaginario visivo degli anni del riflusso. “Culo e Camicia” (1981) è uno dei film a episodi più amati di Pasquale Festa Campanile. Le aspirazioni di un telecronista sportivo balbuziente e la crisi di un rapporto tra due omosessuali si scontrano con gli scherzi della vita. Il secondo episodio è grottesco ed è perfettamente interpretato dalla coppia Pozzetto-Mastelloni. Non sempre però i finali riescono con il buco. Questa volta non c’è più la gloriosa coppia Cervi-Fernandel per questo remake di “Don Camillo” (1983), il celebre ciclo di Guareschi basato sugli scontri tra il parroco don Camillo e il sindaco comunista Peppone. Terence Hill (alias Mario Girotti)debutta come regista e si afferma come l’attore belloccio del trash anni ottanta. Peccato che lo scontro ideologico finisca con una scontata partita di pallone all’italiana. Nel cast si intravedono i mitici calciatori Carlo Ancelotti e Roberto Pruzzo.

CAFONI E CIALTRONI – Eccezziunale veramente… di Carlo Vanzina (1982) ha consacrato Diego Abadantuono come l’antieroe “terrunciello” della commedia trash all’italiana. Una serie di quadretti che vedono come assoluto protagonista il tifoso medio, incarnato dal milanista Donato, l’interista Franco e lo Juventino Tirzan. Da antologia la battuta: “Macche volete dommire! Tappe! Siete tappe! Chi domme non piglia pesci!”. Indiscusso capolavoro di Luciano Salce, “Fantozzi” arriva sugli schermi nel pieno uragano degli anni di piombo (1975). L’inarrestabile Paolo Villaggio è il ragioniere Ugo Fantozzi che vive lo squallore di una vita tra i piccoli drammi familiari e il soffocamento lavorativo. La comicità e la tragicità intelligente del personaggio inventato da Villaggio contribuiscono a far entrare Fantozzi nell’immaginario collettivo. Tra gli altri sequel si ricordano “Fantozzi contro tutti” (1980); Fantozzi subisce ancora (1983); “Fantozzi va in pensione” (1988); “Fantozzi alla riscossa” (1990); “Fantozzi in paradiso” (1994) e “Fantozzi – il ritorno” (1996). Lodevole l’interpretazione di Anna Mazzamauro. Metti tre scommettitori incalliti insieme: l’indossatore Mandrake (Gigi Proietti), il disoccupato Pomata (Enrico Montesano) e il guardiamacchine Felice (Felice De Rosa). Bisogna vincere a qualsiasi costo e, per truccare una corsa all’ippodromo, è possibile persino sostituire un fantino. Una miriade di sketch demenziali e trovate comiche che sono diventate un cult del genere. Febbre da cavallo firmato da Steno nel 1976, ha avuto il seguito “La mandrakata” (2002), diretto dal figlio Enrico Vanzina, che ha radunato a cinema tutti gli appassionati della saga. Con “Fracchia la belva umana” (1981), Neri Parenti bissa il successo di Paolo Villaggio a Cinema. Cosa succede se il personaggio “più tragicamente patetico del grande schermo” scopre di avere un sosia che è invece un feroce assassino? Invenzioni comiche a non finire per un Villaggio in grandissima forma assieme a Lino Banfi e Massimo Boldi. Il ritorno è nel 1985 con la pellicola “Fracchia contro Dracula”. Tra i monelli il signorino Giannino Stoppani, alias Gian Burrasca, è uno dei personaggi più amati della letteratura per ragazzi. Nel 1982 Pier Francesco Pingitore arruola Alvaro Vitali, il divo trash del momento, e ne realizza una versione cinematografica spassosissima. Scherzi a non finire, una punta di salsa erotica e una coppia d’eccellenza: Mario Carotenuto e Marlisa Merlini. All’interno di un albergo di super lusso, il Direttore ferreo e malvisto viene corteggiato da una donna in crisi depressiva; un mago cerca di trovare la giusta concentrazione per uno strano esperimento; un pugile, in attesa di un incontro importante, mangia e fa la corte alla cameriera invece di allenarsi; infine un cameriere fa credere alla figlia, che studia in un collegio svizzero, di essere una persona importante. Con “Grand Hotel Excelsior”, Castellano & Pipolo rispolverano la formula delle storie incrociate per un film trash apprezzato grazie anche ai super Montesano e Abadantuono. Remake trash di “Vacanze Romane” di William Wyler (ve la ricordate l’eleganza della Hepburn e di Peck?), “Innamorato Pazzo” (1981) di Castellano & Pipolo è un successo da botteghino ineguagliabile per la coppia Adriano Celentano-Ornella Muti. Love story tra il conducente d’autobus Barnaba e una principessa peperina in visita a Roma, che ha voglia di vivere una vita normale. Happy End obbligatorio con la rassegnazione del papà della sposa (Adolfo Celi) e vissero tutti felici e contenti. Uno spaccato esilarante di vita provinciale con punte di amarezza e nostalgia. Questo è Liquirizia di Salvatore Samperi, ambientato nella Padova giovanile del 1959 che vede scontrarsi sul palcoscenico, in occasione della maturità, gli studenti di un liceo e di una ragioneria. Dissacrante e canzonatoria, la pellicola del 1979 recluta tra i protagonisti Ricky Gianco, Teo Teocoli, Christian De Sica ed un irriconoscibile Giancarlo Magalli. Dietro la macchina da presa, si nasconde come aiuto regista la scrittrice Susanna Tamaro.

SPORT E MALOCCHIO – Memorabile farsa sul mondo del calcio, “Mezzo destro mezzo sinistro… due calciatori nel pallone” di Sergio Martino (1985) porta sul grande schermo una sfilata di volti noti: da Falcao a Paolo Rossi, da Aldo Biscardi a Tonino Carino. Protagonisti sono la premiata ditta Gigi & Andrea, rispettivamente nei panni di un centrocampista e un attaccante di una squadra marchigiana. Il calciatore Andrea Margheritoni è troppo donnaiolo ed indisciplinato per preoccuparsi della sorte della squadra. A meno che non arrivi un severo allenatore argentino… (Leo Gullotta). Due episodi (1983), firmati da Sergio Martino, che puntano l’indice a (s)favore della superstizione compongono Occhio, malocchio, prezzemolo e finocchio.  Nel primo il proprietario di un negozio di elettrodomestici è convinto che il vicino gli porti sfortuna mentre nel secondo un mago di provincia ottiene da una strega poteri paranormali. Nel cast, oltre agli irresistibili Banfi e Dorelli, compaiono Renzo Montagnani, Adriana Russo, Milena Vukotic (nota come moglie di Fantozzi!) e due stelle del teatro del novecento: Paola Borboni e Mario Scacci. Due episodi (1982), firmati da Neri Parenti, che hanno come minimo comune denominatore la casualità della vita. Nel primo di Pappa e ciccia, un emigrante che vive in Svizzera (Lino Banfi) si finge ricco per non deludere la nipote, mentre nel secondo un modesto impiegato (Paolo Villaggio) vive una vacanza in Kenya alquanto pericolosa. L’espressione “Miss? Schius me!” è da antologia. Paulo Roberto Cotechino, firmato da Nando Cicero nel 1983,è giocato sull’equivoco e sulla passione tricolore per il calcio. Per colpa della somiglianza con il famoso centravanti brasiliano Paulo Roberto Cotechino (il riferimento al fuoriclasse Falcao è casuale!), un povero idraulico (Alvaro Vitali) ne passerà di cotte e di crude. Indimenticabili gli ammiccamenti erotici della “prosperosa” Carmen Russo. Il titolo completo è “Paulo Roberto Cotechino centravanti di sfondamento”. E’ un tenerone il commissario Rizzo, conosciuto dai malviventi come “Piedone lo sbirro”. Questa volta si tratta però di risolvere un difficile caso: un gruppo straniero di spacciatori di droga cerca di inserirsi nel giro napoletano. Clamoroso successo firmato da Steno (1971) con un superbo Bud Spencer (alias Carlo Pedersoli) che inizia a ritagliarsi uno spazio nel cuore degli amanti del genere. Si segnalano i seguiti meno fortunati “Piedone a Hong Kong” (1975), “Piedone l’Africano” (1978) e “Piedone d’Egitto” (1980).

UN RAGAZZO E UNA RAGAZZA – Uscita sugli schermi italiani nel 1981, questa commedia “scollacciata” di Marino Girolami ha davvero sbancato i botteghini ed ha confermato Alvaro Vitali tra le intramontabili stelle trash di tutti i tempi. Parliamo di Pierino contro tutti. Il protagonista è un ragazzotto dispettoso e turbolento che si rivela un tormento per i genitori, l’insegnante bella (la sexy Michela Miti) e i compagni. Gag a non finire, con alcuni scherzi insuperabili che richiamano le atmosfere giocose del ciclo di “Amici miei”. Il meritato successo ha generato i seguiti “Pierino colpisce ancora” di Marino Girolami (1982), “Pierino medico della Saub” di Giuliano Carnimeo (1982) e “Pierino torna a scuola” di Mariano Laurenti (1990). Un gioco di equivoci e scambi di persona che richiamano il teatro plautino per una commedia spinta fino all’inverosimile. In Prestami tua moglie  Un meridionale immigrato a Milano (Lando Buzzanca) torna a corteggiare la sua ex moglie per recuperare qualche quattrino… Inimitabili macchiette firmate dalla premiata ditta Diego Abadantuono – Massimo Boldi. Nel cast c’è anche un’irriconoscibile Daniela Poggi, attuale conduttrice della trasmissione tv “Chi l’ha visto?”. La regia è di Giuliano Carnimeo ed il film è del 1980. In Il ragazzo del Pony Express Franco Amurri trasforma Jerry Calà in un giovane laureato disoccupato alle prese con rocambolesche avventure. Per guadagnarsi da vivere lavora come Pony Express e finisce come un “pesce innamorato” tra le braccia di Isabella Ferrari. Uscita sugli schermi nel 1986, è una commedia ritmata che conferma il successo dell’ex gatto di Vicolo Miracoli. Nel cast c’è anche un giovanissimo Alessandro Benvenuti. Un piccolo capolavoro del genere, firmato dalla premiata ditta Castellano & Pipolo, “Il ragazzo di campagna” (1984) consacra definitivamente Renato Pozzetto.Il trasferimento forzato di un contadino (Pozzetto) nella “Milano da bere” e i coinvolgimenti del cugino metropolitano (Boldi), plasmano una farsa riflessiva con punte malinconiche. Da antologia la scena dell’arrivo di Pozzetto a San Babila a Milano. La morale si intrufola nel finale: meglio l’ingenuità della campagna che l’ipocrisia della città! L’amatissima coppia dello schermo Jerry Calà e Marina Suma viene celebrata in questo film cult di Marco Risi (1984), realizzato su sceneggiatura dei Vanzina brothers. In Un ragazzo e una ragazza la studentessa napoletana Anna si trasferisce a Milano e conosce Calogero, uno studente impertinente che per mantenersi fa il cameriere. Love story amara e dolce con punte di poesia che in alcuni momenti riesce persino a far riflettere. Nel cast si segnalano anche Monica Scattini e Nino Prester. Un film assolutamente da non perdere per gli appassionati del genere!

IN SPIAGGIA O SULLA NEVE – Forte dei Marmi. Estate 1982. Un giovane chiede alla madre: “Ma come erano questi anni sessanta?”. Breve pausa. “Non lo so. Mi pare di ricordare che ci batteva il cuore”. Rievocando le atmosfere nostalgiche del cinema di Emmer, “Sapore di Mare” (1982) di Carlo Vanzina ricostruisce, attraverso il racconto di un’estate del 1964, la vacanza di un gruppo di giovani con i volti memorabili di Jerry Calà, Marina Suma, Cristian De Sica, Virna Lisi, Karina Huff e Isabella Ferrari. A fare da colonna sonora ci pensano i classici del tempo, da “Alla mia età” a “Legata a un granello di sabbia”, da “Abbronzatissima” a “Ritornerai”. Memorabile la scena finale sulle note di “Celeste nostalgia” di Cocciante: nello sguardo malinconico di Jerry Calà e Marina Suma si legge il rimpianto di un amore finito, di un tempo che non tornerà mai più. E’ uno dei pochi film in cui “la bella tigrotta” Barbara Bouchet non si spoglia del tutto: Spaghetti a mezzanotte.  Lei è la moglie di un avvocato pugliese (Lino Banfi)che non sopporta di avere le corna. Smascherare l’adultera non è facile… a meno che di mezzo non ci sia un mafioso svampito. Erotismo e giallo si mescolano insieme per un turbinio di situazioni irresistibili. “Sturmtruppen”, le famose strisce antimilitariste del fumetto di Bovi, vengono portate sul grande schermo nel 1976 da Salvatore Samperi. Renato Pozzetto, Cochi Ponzone, Lino Toffolo, Teo Teocoli e Massimo Boldi fanno parte di questo sgangherato squadrone di militari che ne combina di cotte e di crude. Esplosiva e surreale la colonna sonora di Enzo Jannacci. Il seguito è “Sturmtruppen 2 – Tutti al fronte” (1982). Il mondo del pallone raccontato da Pier Francesco Pingitore in un film a due episodi (1982): nel primo un arbitro è convinto che la moglie lo tradisca con il centravanti (omosessuale!) della Juve, mentre nel secondo il tifoso romanista Amedeo si finge laziale per accontentare il futuro suocero. Inconfutabile successo di pubblico per il Tifoso, l’arbitro e il calciatore  grazie anche all’interpretazione di Alvaro Vitali e Pippo Franco. Le atmosfere della Versilia del film “Sapore di Mare” traslocano nel 1983 sulla neve, a Cortina d’Ampezzo. Carlo Vanzina riunisce sullo schermo Jerry Calà, Christian De Sica, Stefania Sandrelli, Claudio Amendola, Karina Huff e ci porta a zonzo nella vita dell’alta borghesia tra amori che germogliano e finiscono. Incassi da record al botteghino con per Vacanze di Natale e tre seguiti: “Vacanze di Natale 90″, “Vacanze di Natale 91″, “Vacanze di Natale 95″ e “Vacanze di Natale 2000″.

VADO A VIVERE DA SOLO – Marco Risi esordisce nel 1982 dietro la macchina da presa con un film trash: “Vado a vivere da solo”. Questa volta Jerry Calà interpreta il personaggio di Giacomino, che va a vivere da solo in una mansarda, corteggia una bella francesina (la sexy Elvire Audray)e finisce per sposarla. Manifesto dell’eterna giovinezza come antidoto alla fugacità del nostro tempo, il film di Risi ha nel cast un irriconoscibile Francesco Salvi. Le disavventure di Paquale Baudaffi (Lino Banfi), appena uscito dal carcere e alla ricerca di un lavoro su misura: da cameriere e garagista finché non troverà la donna della sua vita. Commedia irriverente di Luciano Salce (1982), Vieni avanti cretino riscuote consensi grazie alle gag “da cinema muto” e al sexy appeal di Adriana Russo. Banfi è strepitoso e le battute entrano nella top ten della risata. Viuuulentemente mia è un classico trash firmato da Carlo Vanzina (1982) perché c’è lui, “il ruspantino” Diego Abadantuono, questa volta nei panni di un poliziotto meridionale che sogna di fare carriera nella capitale. L’occasione per Achille Cotone arriva quando riuscirà a mettere nel sacco una finanziera imbrogliona, che cercherà in tutti i modi di sedurlo. Laura Antonelli è una vera “bomba sexy” e Christian De Sica gigioneggia a tempi alterni. Il rampantismo della “Milano da bere” si identifica col notaio Lorenzo (Massimo Boldi), il dentista Sandro (Cristian De Sica), il pubblicitario Sandro (Jerry Calà) e il rivenditore d’auto Willy (Ezio Greggio). Questi quattro yuppies sono lo scudo della “nuova borghesia d’assalto”, in bilico tra cialtroneria e paure. Firmato da Carlo Vanzina nel 1986, Yuppies è un impeccabile spaccato degli anni ottanta. Pochi mesi dopo il seguito “Yuppies 2″.

Il popolo italiano di Guerre Stellari ha soddisfatto l’attesa dopo “Star Wars: Episodio III – Revenge of the Sith”, l’ultimo capitolo della grande saga cinematografica ideata da George Lucas. Il terzo film di questa trilogia racconta la trasformazione dell’eroe Anakin Skywalker nel malvagio Darth Fener che si avventurerà su un pianeta mitico simile all’inferno con vulcani in eruzione e fiumi di lava. A quasi trent’anni dall’uscita di “Guerre Stellari”, che cosa ha consentito alla mitica saga americana di entrare nella leggenda

IN PRINCIPIO – Siamo nel 1971 e il giovane regista George Lucas cerca di farsi finanziare disperatamente il suo progetto di fantascienza, a cui lavora assieme ad un grande attore della cinematografia britannica: Alec Guinness. La Universal, che aveva prodotto il secondo film di Lucas “American Graffiti”, non ne vuole proprio sapere. Secondo i produttori hollywoodiani potrebbe rivelarsi un tonfo commerciale. Il giovane regista americano vuole realizzare a tutti i costi un plot che trasferisca il filone avventuroso dei film western e di cappa e spada in una dimensione moderna che unisca il fascino degli effetti speciali di Kubrick all’ampio respiro “galattico” dei romanzi di Asimov, delle saghe nordiche e della letteratura classica. razie ad un accordo con la Fox, sostenuto dal figlio di Alan Ladd, fanatico del cinema di fantascienza, Lucas riesce ad ottenere una parte dei fondi mentre per il resto sarà costretto ad ipotecare la sua casa. Star Wars esce sugli schermi nel 1977 e si rivela uno dei successi commerciali più colossali della storia del cinema. Un gruppo di ribelli, guidati dalla principessa Leila, si oppone alle prepotenze dell’Impero galattico. Ad aiutarli a sconfiggere la Morte Nera, arriveranno il vecchio cavaliere jedi Obi-Wan Kenobi ed i giovani Luke Skywalker e Han Solo. Nel cast ci sono Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Peter Cushing e Alec Guinness. Il film si guadagna sei oscar e nel 1989 ottiene dal governo americano un prestigioso riconoscimento: l’inserimento nei 25 film messi sotto la tutela della Biblioteca del Congresso.

LA SAGA – Lucas ambienta la sceneggiatura in un’epoca imprecisata, dove la tecnologia fa da sfondo con astronavi veloci, armi devastanti e città fatiscenti. Al centro dello script c’è una sorta di misticismo, la Forza che rappresenta la ricerca di se stessi. Da un punto di vista puramente cinematografico, la saga è anche un riverente omaggio alla filmografia hollywoodiana. Il ciclo di Guerre Stellari è concepito fin dall’inizio in nove film: tre trilogie, delle quali la prima che viene scelta per essere portata sullo schermo è quella centrale. Due anni dopo, Star Wars viene riprogrammata nei cinema col sottotitolo Episodio IV: Una nuova speranza.Nel 1980 esce il secondo film, “L’impero colpisce ancora” (episodio V) di Irwin Kershner, con una sceneggiatura scritta a quattro mani dalla compianta Leigh Brackett e da Lawrence Kasdan. In questo secondo appuntamento, Han Solo scopre di amare la principessa Leila mentre Luke Skywalker si accinge a diventare un vero cavaliere col supporto del vecchio Yoda. Nel 1983 Richard Marquand dirige il terzo film, “Il ritorno dello Jedi” (episodio VI), emozionante per il grande colpo di scena dell’intera saga: Luke Skywalker, diventato un cavaliere jedi, affronta il tenebroso Lord Vader e scopre che questi è suo padre.

IL PREQUEL – Dieci anni dopo, George Lucas dichiara che la prima trilogia di Star Wars, ambientata da venti a quarant’anni prima gli eventi narrati in Guerre Stellari, sarà pronta entro fine secolo. Intanto, in occasione del ventennale, nel gennaio del 1997 Guerre Stellari torna sul grande schermo con un’edizione speciale, con nuove scene ed effetti speciali mai usciti. Nel primo week-end di programmazione incassa 36 milioni di dollari, oltre 14.000 euro per ognuno dei 2100 cinema nei quali biene proiettato, tornando in testa alla classifica. Intanto George Lucas si rimette dietro la macchina da presa e nel 1999 esce “Star Wars: La minaccia fantasma” (Episodio I), primo capitolo della saga ambientato trenta anni prima di Guerre Stellari. Alcune scene sono state filmate all’interno della Reggia vanvitelliana di Caserta. Nel cast ci sono Ewan McGregor nei panni del giovane Obi-Wan Kenobi e Jake Loyd nel ruolo del piccolo Anakin Skywalker. La sceneggiatura mescola reminiscenze cinefili con omaggi alla filosofia orientale per raccontare l’infanzia di Anakin, futuro padre di Luke, e la scoperta dei suoi super poteri. Nel 2002 esce “Star Wars: L’ attacco dei cloni” (Episodio II) dove vediamo Anakin, apprendista Jedi, in veste di guardia del corpo della regina Amidala, che comincia una dura battaglia contro i misteriosi secessionisti. Tra gli interpreti primeggiano Hayden Christensen, Ewan McGregor, Christopher Lee e Samuel L. Jackson.

Quando sento un buon profumo in cucina, penso a lui. Non era né un cuoco né uno chef ma era appassionato di arte culinaria tanto che Marco Ferreri, affidandogli un ruolo chiave nel film “La grande abbuffata” lo mise per davvero vicino ai fornelli. Parliamo di uno dei più grandi attori italiani del ‘900: Ugo Tognazzi (1922-1990). Figlio di un ispettore di una società di assicurazioni, trascorre l’infanzia trasferendosi da una città all’altra a causa del lavoro del padre. Nel 1945 si trasferisce a Milano e comincia a frequentare il mondo dell’avanspettacolo, all’ombra di nomi come Wanda Osiris. Nel 1951 conosce Raimondo Vianello e i due formano una coppia comica che dal 1954 al 1960 lavora con successo in televisione. 

I GRANDI REGISTI – Tra il 1963 e il 1988 si dedica al cinema satirico, lavorando per registi come Marco Ferreri (”L’ape regina”, 1963; “La donna scimmia”, 1964; “Marcia nuziale”, 1966; “La grande abbuffata”, 1973) e Dino Risi (”I mostri”, 1963; “Straziami ma di baci saziami”, 1968) e dando vita alle due fortunate serie di “Amici miei” (1976 – 1985) e “Il Vizietto” (1978 – 1985). La sua versatilità gli ha permesso di dimenarsi con disinvoltura nei generi cinematografici più disparati, guidato dai più grandi registi del cinema italiano. Marco Ferreri, ad esempio, gli ha fatto indossare i panni della meschinità e del grottesco in “La donna scimmia” o in “Una storia moderna: l’ape regina”. Tuttavia, l’indimenticabile Tognazzi appartiene alla satira che colpisce nel segno con toni crudeli e impietosi in “Il petomane”, “Il magnifico cornuto”, “Signore e signori buonanotte”; al sarcasmo che unisce amarezza e comicità in “Il federale”, “Io la conoscevo bene”; o al tono acre e drammatico della tragedia personale e sociale in “La tragedia di un uomo ridicolo”, “In nome del popolo italiano”.

COMMEDIA ALL’ITALIANA – La sua comicità originale e ambigua lo ha portato ad essere uno degli interpreti storici della commedia all’italiana ma ha dato ottime prove anche quando si è cimentato in ruoli più seri e drammatici come in “La tragedia di un uomo difficile” (1981) di Bernardo Bertolucci, che gli vale la Palma d’oro come miglior attore al Festival di Cannes. Roma (sua città d’adozione), Cremona (la città natale) e Torino (sede del Museo del Cinema) rendono omaggio a Ugo Tognazzi con una grande manifestazione dal titolo “Tutti per Ugo, Ugo per tutti”: una serie di iniziative realizzate in collaborazione con i familiari dell’attore. Lo Spazio Oberdan di Milano invece proietterà i migliori film, alcuni dei quali restaurati dalla Cineteca Italiana.

FILMOGRAFIA ESSENZIALE – I cadetti di Guascogna (1950); Il Federale (1961); La marcia su Roma (1962); I mostri (1963); L’ape regina (1963); La vita agra (1966); Straziami ma di baci saziami (1968); Il commissario Pepe (1969); In nome del popolo italiano (1971); La grande abbuffata (1973); Romanzo Popolare (1974); Amici miei (1975); Il vizietto.

Il cinema e l’orrore hanno da sempre trovato punti in comune. Sbirciando nella letteratura, Edgar A. Poe ha avuto il merito di dare a questo genere un alto valore letterario. Eppure, solcando questo nuovo territorio è facile comprendere che la settima arte è riuscita a dirottare ancora di più l’horror verso il pubblico. A differenza del lettore, che arriva allo spavento attraverso la mediazione della propria immaginazione, lo spettatore cinematografico vive “la visione onirica” attraverso l’allucinazione del grande schermo, della sequenza delle immagini. Occorre spaventare ma anche divertire, nonostante la fruizione del film horror vada vissuta con una consapevolezza: l’orrore serpeggia nella nostra quotidianità, nascosto dietro i piccoli incubi che ogni giorno ci perseguitano. 

DA NOSFERATU A L’ESORCISTA – Fatta questa premessa, è quasi un “piacere onirico” sfogliare la storia del cinema e trovare quei film che hanno segnato l’immaginario collettivo di diverse generazioni. Nosferatu di Murnau (Germania, 1922), pietra miliare dell’espressionismo tedesco, primeggia tra i film muti: liberamente ispirato al Dracula di Bram Stoker, il film riesce ad assemblare con abilità e perfezionismo il senso visionario con alcune profezie socio-politiche. Il conte Dracula è stato molto corteggiato dalla cinematografia: dal Dracula di Tod Browning (USA, 1931), interpretato dall’indimenticabile Bela Lugosi, a Il Bacio dello spettro di Paul Landres (USA/GB, 1958); da Nosferatu – Principe della notte di W. Herzog (Germania, 1978) al Dracula calligrafico di Francis Ford Coppola (USA, 1992). Frankestein, personaggio letterario di Mary Shelley, ha invaso assieme al conte vampiro la filmografia di tutti i tempi. Il mitico Boris Karlof presta il volto al Frankestein di James Whale (USA, 1931), titolo che si inserisce nel progetto cinematografico della Universal di realizzare una serie di film horror lungo tutto il corso degli anni trenta. L’ingegnoso regista Mel Brooks gli conferisce addirittura un taglio divertente e spiritoso col suo Frankestein Junior (USA, 1974), che ha tra gli interpreti uno spassosissimo Gene Wilder. Per non parlare dei lupi mannari, dove la licantropia viene persino sbeffeggiata da John Landis in Un lupo mannaro americano a Londra (USA, 1981). L’orrore non copre soltanto la mostruosità del personaggio – è non è da meno la Notte dei morti viventi di Geroge Romero (USA, 1968 ) – ma è anche un velo sottile che riveste lo scorrere dei nostri giorni, scomodando persino la psicologia, il paranormale o la fantascienza: si pensi a gli Uccelli (USA, 1963) o Psycho (USA, 1960) di Halfred Hitchcock; Shining di Stanley Kubrick (USA, 1980) o IT di Tommy Lee Wallace (USA, 1990), tratti dagli omonimi romanzi di Stephen King; l’Esorcista di William Friedkin (USA, 1973) e La Cosa di John Carpenter (USA, 1982).

DA NIGHTMARE A SUSPIRA – L’horror cinematografico spesso cade nella trappola piacevole dello “splatter” con ferite sanguinolenti e cervelli di mostri spiaccicati al soffitto: da Halloween – La notte delle streghe di John Carpenter (USA, 1978) a Nightmare (USA, 1984) o Scream (USA, 1996) di Wes Craven, da Venerdì 13 di Sean Cunningham (USA, 1980) a La Casa di Sam Raimi (USA, 1981). Il cinema horror incontra anche il modo musicale con l’edulcorato The Rocky Horror Picture Show (USA, 1975) e la sfera del cinema d’animazione con Nightmare Before Christmas di Tim Burton o il nuovissimo Monster House di Gil Kenan (USA, 2006), considerato il primo horror per bambini. Non va dimenticato il filone cinematografico made in Italy, che ha avuto come indiscusso padre Riccardo Freda con il suo I Vampiri (Italia, 1957). Nel cenacolo dell’horror all’italiana siede a pieno titolo il regista Dario Argento con le pellicole Profondo Rosso (Italia, 1975) e Suspira (Italia, 1977), che hanno avuto il merito di aver esportato l’orrore all’italiana anche all’estero con un inaspettato successo al botteghino, grazie anche alla complicità della colonna sonora dei Goblin.

Sbirciando tra le pagine della storia del cinema, il genere dei Musicarelli si ritaglia un proprio spazio nell’immaginario collettivo del nostro Paese, soprattutto per l’indagine sulla gioventù modaiola del periodo. Il filone dei Musicarelli spunta alla fine degli anni cinquanta ed ha un fine commerciale: promuovere e supportare il cantante del momento e il nuovo album discografico. Non è un caso che l’etimologia della parola richiami quella di “Carosello”, il contenitore televisivo della pubblicità italiana. Nella filmografia che funge da apripista a questo genere ci sono titoli come Altri Tempi (1951) di Alessandro Blasetti, Canzoni di mezzo secolo (1952), Canzoni, canzoni, canzoni (1953) e Canzoni di tutta Italia di Domenico Paolella. A questi titoli si aggiunge l’impasto di ingredienti “musica-amore-canzoni” di un ciclo girato a Napoli con Nilla Pizzi, Claudio Villa e Nunzio Gallo. 

I RAGAZZI DEL JUKE BOX – Ad aprire il filone vero e proprio è I ragazzi del Juke Box (1959) di Luciano Fulci. Un editore musicale che vuole continuare ad investire sulla musica melodica si scontra con la figlia che preferisce il nuovo genere in voga, quello degli “urlatori”. La pellicola, scadente dal punto di vista cinematografico e con un cast dal calibro di Adriano Celentano, Fred Buscaglione, Tony Dallara e Betty Curtis, è un ritratto spassoso della frattura interpretativa che stava vivendo la canzone italiana, in bilico tra i melodici e gli urlatori. Tuttavia, è negli anni sessanta che il Musicarello acquisisce una sua fisionomia che lo rende autonomo da altri generi. Di fatto, il soggetto si ispira ad una canzone di successo e la sceneggiatura vi costruisce attorno ad essa una storia, che a volte soffre di ripetitività. Caso emblematico è il ciclo interpretato da Gianni Morandi, guidato davanti alla macchina da presa da Ettore Fizzarotti. Chi non ha visto almeno una volta Non so degno di te (1964), Inginocchio da te (1965), e Chimera (1968)? Queste mielose love-story farcite dagli hit del momento producono sul set anche storie d’amore che finiscono dalla cronaca rosa dei rotocalchi all’altare. E’ il caso di Gianni Morandi e Laura Eifrikein così come anni dopo accade per Albano Carrisi e Romina Power.

CANZONI E VOCI NUOVE – Parecchie sono le voci musicali sulla cresta dell’onda negli anni sessanta e quindi il musicarello si rivela un buon trampolino per lanciare le canzoni. Little Tony è protagonista di Cuore Matto (1967), Riderà (1967) e Zum Zum Zum (1969); Rita Pavone esplode col suo fisico minuto in Rita la zanzara (1966); Caterina Caselli si guadagna il nomignolo di “Casco d’oro” con Nessuno mi può giudicare e Perdono; Bobby Solo si atteggia come se fosse l’Elvis all’italiana in Una lacrima sul viso e Zingara; Rocky Roberts affila le lame della seduzione in Stasera mi butto (1967); Mario Tessuto si perde tra le proteste in Lisa dagli occhi blu (1970), Mal fa il belloccio in Pensiero d’Amore (1969) e Gianni Pettenati sorseggia il successo popolare in I ragazzi di bandiera gialla (1967).

LA FINE DEL MUSICARELLO – Albano e Romina Power sono i protagonisti del filone del Musicarello sul viale del tramonto, con titoli come Nel sole, Il suo nome è Donna Rosa e Pensando a te. I film sono a colori ed hanno una serie di grandi comprimari teatrali: da Nino a Taranto a Dolores Palumbo. In questa atmosfera gaia e luccicante, dal gusto modaiolo, non si ritrova più quella generazione di contestatori che domina la scena sociale e culturale italiana. Già soffia il vento degli anni di piombo, le problematiche sociali si allargano a macchia d’olio, e la canzone impegnata dei cantautori si sussurra all’orizzonte. E’ la fine di questo genere che ritorna di moda nei primi anni ottanta ma questa volta in salsa napoletana. L’artefice di questo filone trash è Mariano Laurenti e il protagonista si chiama Nino D’Angelo, il nuovo casco d’oro partenopeo che fa impazzire le adolescenti in film come La Discoteca, Un jeans e una maglietta, e Pop corn e patatine, realizzati tra il 1983 e il 1985.

L’Italia dimentica spesso e a volte mostra sintomi di snobismo. E’ successo a molti personaggi del mondo dello spettacolo, qualche volta finiti ingiustamente nel dimenticatoio. Franco Franchi e Ciccio Ingrassia, una delle coppie comiche più interessanti del Belpaese, rientrano in questa sfera. Alle spalle di Franchi (Palermo, 1928- Roma, 1992 ) c’è lo spirito di sacrificio, il sapore della povertà della Palermo del dopoguerra, le gag e le capriole, quelle macchiette indimenticabili nascoste dietro la maschera del posteggiatore Ciccio Ferraù, la conquista di nuove piazze passando per Bagheria e Termoli. Ingrassia (Palermo, 1922 – Roma, 2003) proviene da una situazione familiare più stabile anche se la Palermo del dopoguerra è amara per tutti, così come per lui: claquer degli avanspettacoli – aveva un debole per Totò – è stato sempre memore delle macchiette che regalava alle prime platee che si sedavano di fronte a lui, dell’esperienza col Trio Sgambetta o delle prime tournée in giro per l’Italia.

FRANCO E CICCIO – L’incontro artistico avviene nel 1954 e una fortuita casualità offre al duo palermitano l’occasione di diventare coppia fissa. Un impresario catanese scrittura Ingrassia per sostituire un suo comico ammalato. La coppia Franchi e Ingrassia viene battezzata al teatro Costa di Castelvetrano, ad una manciata di chilometri da Trapani. Il primo sketch insieme vede Ingrassia arrivare sul palco ed intonare la canzone “Core n’grato” mentre Franchi si diverte a metterlo in difficoltà. Da allora questo numero diventa un cavallo di battaglia, destinato a coronare una splendida carriera. Da Napoli al Salone Margherita di Roma sostando anche a Como e Bergamo: la coppia palermitana colpisce, conquistando persino l’algida platea settentrionale. Nel 1958 arriva l’incontro con Domenico Modugno ed il debutto dietro la macchina da presa con il film di Mattoli Appuntamento ad Ischia (1960). Una piccola apparizione che vale da trampolino di lancio per diventare negli anni sessanta la coppia d’oro del cinema italiano. Gli incassi al botteghino lo confermano. La loro capacità di improvvisazione rende alcune sequenze memorabili. Si pensi al filone di film diretti da Giorgio Simonelli dei due mafiosi o la pellicola I due della legione.

DAL CINEMA IN TV – Nel 1963 hanno già alle spalle venti titoli e si accingono ad interpretarne tanti altri, nonostante la critica ufficiale non riconoscesse il lavoro di questi due ex guitti. La filmografia è davvero sterminata e tra i titoli tornano in mente: Gerarchi si muore (1962), I due mafiosi (1964), I due toreri (1964) di Giorgio Simonelli; I due crociati di Giuseppe Orlandini (1968), Satiricosissimo (1970) di Mariano Laurenti, Le avventure di Pinocchio (1972) di Luigi Comencini, Amici più di prima (1976) di registi vari, e Kaos (1984) di Luigi e Paolo Taviani. La televisione ne riconosce i meriti e li accoglie a braccia aperte in programmi come “Cantatutto” (1964), i “I due nel sacco” (1966), “Canzonissimia” (1971) e “I due ragazzi incorreggibili” (1976).

IL SEGRETO DEL SUCCESSO – Oggi ci chiediamo quale fosse il segreto di questo successo. Prima di tutto, in un accoppiamento di due fisici diversi: Ingrassia, irresistibile marionetta con una faccia gommosa, Ingrassia con il suo physique du rôle e quel portamento scenico che creava un bel contrasto con il suo compagno di avventure. La grande capacità di Franco e Ciccio è stata l’adattamento dei ritmi e dei canovacci della slapstick comedy americana al contenitore spettacolare dello stivale italiano. Una comicità fanfarona e burlesca che non è mai inciampata nella volgarità, capace a volte di smuovere le corde della malinconia. Per questo a volte una strizzata d’occhio di Ciccio Ingrassia o un movimento fulmineo di Franco Franchi producevano un cocktail scenico che aveva la riflessività di Charlie Chaplin, l’esuberanza di Stanlio e Ollio e la tristezza di Buster Keaton. L’Italia li ha dimenticati mentre chi continua a rivedere alcuni loro film ritroverà tic o provocazioni, che farebbero rizzare i capelli a qualsiasi sociologo. Quel modo di essere appartiene all’evoluzione del nostro Paese, oggi carente di artisti, povero di idee e creatività.

All’anagrafe è Calogero Calà, è nato sotto il segno dei gemelli ed ha una versatilità che lo porta velocemente alla ribalta alla fine degli anni settanta con la premiata ditta dei Gatti di Vicolo Miracoli. Si impone negli anni ottanta con una serie di pellicole che ritraggono il Bel Paese nel falso miracolo del rampantismo: dal nostalgico “Sapore di Mare” dei Vanzina brothers al delicato “Un ragazzo e una ragazza” di Marco Risi, dal divertente “Al Bar dello Sport” di Franco Massaro all’impetuoso “Il Ragazzo del Pony Express” di Franco Amurri. Tuttavia, è al successo da botteghino di “Sapore di Mare” che resta legato il nome di Jerry Calà.

Che cosa ricordi di quel film e di quel periodo?
“Mah, quello lì era un periodo bellissimo, perché erano gli anni in cui si cominciava. Quindi, si avevano pochi problemi: quando il successo deve ancora venire, si è più incoscienti e spontanei. Dunque, in quei primi film che facevamo tutti insieme, in combriccola proprio, pensavamo solo a divertirci. Si pensava poco al futuro e ci si facevano – come si dice oggi – molto poche menate. Avevo un grande entusiasmo che, però, per fortuna sono riuscito a mantenere. Ritrovarmi più di vent’anni dopo alla stessa Capannina dove ho girato quel film, che mi ha dato uno dei miei primi successi, è qualcosa che, forse, era scritto: era un segno del destino. Comunque, fatto sta che la Capannina continua a portarmi una gran fortuna”.

La nostalgia di oggi è uguale a quella che Luca, il tuo personaggio di “Sapore di Mare”, avverte sul sottofondo bellissimo di “Celeste nostalgia” di Cocciante, guardando diritto negli occhi Marina, la ragazza che aveva perso dopo quell’estate degli anni sessanta? Credo che quello sia uno degli sguardi più intensi che il cinema abbia avuto in quegli anni…

“E’ vero, è vero. Quello sguardo lì mi ha sdoganato agli occhi dei critici e mi ricordo che l’operatore di macchina – che poi è diventato un grande direttore della fotografia – , dopo quella scena, venne da me e mi disse che quello sguardo mi avrebbe portato lontano. Ed infatti, aveva ragione. Dopo quella scena, forse, alcuni registi capirono che potevo fare anche delle altre cose”.

Marco Risi è stato il regista che con la sua trilogia è riuscito a tirar fuori il meglio del Jerry sul grande schermo. Perché?
“Hai ragione. Abbiamo cominciato con Vado a vivere da solo, che è stato il mio primo film da protagonista ed il suo debutto come regista, e poi abbiamo osato con Un ragazzo e una ragazza che, secondo me, è uno dei più bei film che ho fatto. La sceneggiatura, tra l’altro, era di Scarpelli, uno dei padri della commedia italiana. Con Colpo di fulmine, che non ebbe molto successo perché era un film un pò insolito con Vanessa Gravina ancora undicenne, ho continuato su questa strada. Marco Risi mi ha dato il coraggio di osare e di non restare nel clichet”.

Hai un passato da felino, ovvero da Gatto di Vicolo Miracoli. Perché i Gatti hanno lasciato un grosso segno all’interno della satira italiana, mentre i comici di oggi sono delle meteore che scompaiono ?
“Noi di quella generazione venivamo da una scuola: venivamo da una grande gavetta fatta di centinaia e centinaia di spettacoli in teatrini, in cabaret, ovunque. Quella era proprio una scuola fatta da un gran repertorio dove cantavamo, ballavamo, facevamo gli sketch, facevamo la commedia. Insomma, non voglio dire che eravamo più preparati, ma avevamo uno spettro più ampio di recitazione e di spettacolo, di tutto. Mi sembra che il motivo per cui il nostro successo è stato duraturo nel tempo ed ancora la gente se lo ricorda è perché non improvvisavamo nel mestiere”.

E’ vero allora che Vita Smeralda è il Sapore di Mare del terzo millennio?
“E’ una fotografia fatta attraverso la vacanza nel posto più ambito dagli italiani in questo momento. E’una fotografia di un’Italia che, certo, rispetto agli Anni ‘60, ha altri miti, forse più futili e, forse, molto più terra terra”.

In conclusione, quale passione ha Jerry Calà alla tenera età di 53 anni?
“Beh, in questo momento la mia più grande passione è mio figlio Johnny. Diventare papà alla mia età è tutta una scoperta giorno per giorno. La mia grande voglia di tornare al cinema me l’ha data lui e questo film lo dedicherò a lui”.

E’ possibile che la festa che ci rende tutti buoni possa incontrare l’horror? Non è mai capitato prima che il Natale con le sue atmosfere magiche aprisse le porte alla Notte delle Streghe, ad Halloween. Un’idea così bizzarra poteva venire in mente soltanto ad un creativo del nostro cinema: Tim Burton. Sì, perché il film d’animazione Tim Burton’s The Nightmare Before Christmas è un gioiello per questo motivo. Non solo per come viene gestita l’animazione sotto la regia di Henry Selick, ma per il soggetto della storia. Capita qualche volta che “i cattivi siano stanchi di fare i cattivi”. Raramente nella realtà, ma più spesso nelle fantasticherie dell’immaginazione.

BEFORE CHRISTMAS – Il nostro protagonista, il principe di Halloween John Skeletron, non ne può proprio più di spaventare i bambini e così si affaccia nel regno supremo di Santa Claus. Trova uno stratagemma per sostituirsi a Babbo Natale e se ne va in giro a distribuire doni onirici ai bambini. Le cose non vanno per il verso giusto e Skeletron potrebbe trovarsi nel bel mezzo di una tempesta. A salvarlo è la fedele bambola di pezza Sally, innamorata di lui, pronta a valutare il prezzo del sacrificio.

TIM BURTON’S NIGHTMARE – Piccolo capolavoro che non fu capito del tutto nel 1993, The Nightmare Before Christmas è fatto con una vecchia tecnica d’animazione. Alla stop-motion che fissa e fa muovere i personaggi/pupazzi in un modo preciso si affiancano i trucchi computerizzati, rendendo il prodotto cinematografico un flirt visivo tra passato e futuro. Nonostante non sia annoverato nella filmografia del regista californiano, questo film è ispirato ad un libro per bambini, scritto e illustrato durante gli anni di permanenza alla Disney. La radice gotica e visionaria di Burton già campeggiava nel suo corto mai distribuito Frankenweenie (1984) e nella commedia soprannaturale Beetlejuice (1988).

IL RISCATTO DEL DIVERSO – Tuttavia, è proprio The Nightmare Before Christmas il film più autobiografico e personale, nonostante il soggettista giochi a nascondersi dietro pupazzi in movimento.Alla base dell’idea della pellicola prevale sempre la voglia di un riscatto per “il diverso”. Skeletron e la sua innamorata Sally sono i due diversi, coloro che nel luccichio del Natale troveranno un barlume di felicità, lontano dai sotterranei onirici a cui il destino li aveva condannati.

CURIOSITA’ - Nell’edizione italiana la voce di Skeletron è di Renato Zero. Dal 2003 è scattata la caccia ai gadget e al merchandising del film, che ha fruttato a Burton milioni di dollari. Nell’ottobre del 2006, negli USA è stata presentata una versione in 3d. Il mercato musicale è stato invaso da un cd, in cui le tracce della colonna sonora erano ricantate da star come Marylin Manson. Splendido è il main-theme “This is Halloween”, cantato in stile punk.