Amato da grandi e piccini, la figura di Babbo Natale è un emblema leggendario che appartiene oramai ad ogni civiltà. Nella notte di Natale tutti sperano che questo signore di avanzata età ci porti un piccolo dono. Chissà quante volte siamo rimasti con gli occhi semiaperti con la speranza di vederlo arrivare sulla sua sterminata slitta. Le sue fidate renne sanno bene quanto sia lungo e faticoso il viaggio nella notte più magica dell’anno. In una scena del film americano “La storia di Babbo Natale” (1985) di Jeannot Szwarc, lo si vede scorazzare sui grattacieli newyorkesi, cercando di compiere la missione sacrale: accontentare i bimbi buoni prima che sorga la luce. La sua carta d’identità ci dice che abita in Finlandia, a Rovaniemi, anche se la sua residenza sembra sia nella città di Korvatunturi. Il nome finlandese significa “montagna-orecchio” poiché la montagna che sovrasta il villaggio somiglia alle orecchie di una lepre. Infatti, si dice che da queste grandi orecchie Babbo Natale ascolti quello che fanno i bambini per decidere se siano meritevoli dei doni.

LEGGENDE – Tra le leggende che testimoniano la sua origine, c’è quella di un nobile signore caduto in povertà a tal punto da non poter far maritare le sue tre figlie. San Nicola di Bari, vescovo di Myra (nell’attuale Turchia) nel 300 d.C., aiuta l’uomo lanciando attraverso una finestra del castello, per tre notti di fila, un sacco pieno di monete. La terza notte, trovando la finestra chiusa, riesce a far passare il sacchetto dal camino, facendo felice il signore e le sue figlie. Insomma, il santo patrono del capoluogo pugliese è il primo portatore di doni, raffigurato tra l’altro con una lunga barba bianca e un cappello rosso in testa.A seguito dello scisma tra la Chiesa Cattolica e quella Protestante, San Nicola non viene più festeggiato come “esempio di generosità e carità cristiana”, ma si incarna in una nuova figura che assume diverse connotazioni da nazione a nazione: per i cugini francesi diventa “Pere Noel”, per gli anglosassoni “Father Christmas” (rappresentato con ramoscelli di agrifoglio, edera e vischio) e per i tedeschi “Weihnachtsmann” (l’uomo del natale).Al culto di San Nicola, vi restano legati i belgi e gli olandesi che lo festeggiano il 6 dicembre col nome di “Sinter Klauss” in groppa a un asinello bianco oppure a cavallo, mentre si reca nella case portando doni ai bimbi buoni. Secondo certe tradizioni, il suo fidato accompagnatore è lo gnomo Peter il Nero, che punisce i bambini cattivi. Quando gli olandesi emigrano in America e fondano New Amsterdam (l’attuale New York), portano oltre oceano anche questo personaggio, che i coloni inglesi trasformeranno in Santa Claus.

SLITTA E RENNE CON BOLLICINE – Nell’evoluzione leggendaria di Babbo Natale, nella prima metà dell’Ottocento, il buon vecchio viene dotato di una slitta e di renne. Nel 1823, infatti, Clement C. Moore scrive un poemetto intitolato “A Visit from St. Nicholas” (Una visita da San Nicola) dove lo descrive come un “vecchio elfo paffuto e grassottello”. Addirittura lo scrittore statunitense sottolinea che Santa Claus viaggia accompagnato da otto renne, che si cala nei camini e lascia giocattoli nelle calze appese dai bimbi. Data la dimensione da gnomo, tutto questo gli riusciva alla perfezione. L’ultimo tocco alla creazione del nostro Babbo Natale è stato dato tra il 1862 e il 1866 dall’illustratore Thomas Nast con una serie di celebri tavole. Nasce così il mito della casa al Polo Nord, la lista dei bambini buoni e cattivi e la fabbrica dei giocattoli dove lavorano gli gnomi aiutanti. Nel ‘900, è toccato ad Haddon Sundblom effettuare un restyling di uno dei personaggi più profondamente radicato nell’immaginario collettivo. Dal 1931 al 1966, il Babbo Natale realizzato per la pubblicità della Coca Cola, diventa l’icona del XX secolo: lunga barba bianca, inconfondibile abito rosso, stivali, cinta di cuoio e l’insostituibile sacco carico di doni. Il buon vecchio panciuto questa volta si consola gustando la famosa bibita piena di bollicine.

Cosa sarebbero i nostri banchetti natalizi, se non ci fosse lui al centro delle nostre tavole? Parliamo naturalmente del panettone, dolce natalizio per eccellenze che ci accompagna durante tutte le festività e ci addolcisce il palato quando brindiamo per l’arrivo dell’anno nuovo. Eppure non tutti sanno che questo dolce ha un’origine davvero leggendaria. Infatti, si narra che nel XV secolo un cavaliere milanese, Ughetto degli Atellani, si innamorò di Adalgisa, bellissima figlia di un tal Toni, pasticcere di Porta Vercellina. Per amore e solo per amore, il cavaliere si improvvisò pasticcere e creò un pane diverso. Diede davvero un tocco di classe, aggiungendo alla farina e al lievito, altri ingredienti quali il burro, le uova, lo zucchero, ughetta, il cedro e canditi. Grazie alla mediazione di Ludovico il Moro e della duchessa Beatrice, il cavaliere innamorato riuscì a sposare la sua Adalgisa, dedicandosi successivamente al lancio del nuovo dolce.

PAN DEL TON- Il nuovo “Pan del Ton”, che riscontrò un successo senza precedenti, sembra sia il vero antenato del nostro panettone. I meno fantasiosi sostengono che ai tempi dell’Impero romano, le famiglie si riunivano intorno ad un ceppo acceso. Il pater familias si faceva il segno della croce, prendeva un grosso ceppo, solitamente di quercia, lo sistemava nel camino, vi poneva sotto un piccolo fascio di ginepro ed attizzava il fuoco.Dopo aver versato il vino in un calice ed averlo spruzzato sulle fiamme, ne sorseggiava un po’ e poi lo passava agli altri membri della famiglia. Alla fine del turno, si lanciava una moneta sul ceppo che divampava e successivamente distribuiva altre monete agli astanti. Così gli venivano presentati tre grandi pani di frumento ed egli, con gesto solenne, ne tagliava solo una piccola parte, che veniva riposta e conservata sino al Natale successivo. Questo rito, secondo gli storici più intransigenti, si è tramandato nei secoli finché nel XIV secolo, in occasione del Natale, si serviva un pane di solo frumento, un alimento di lusso detto per l’appunto “pan del ton”. Nel XV secolo era già molto simile a quello che conosciamo oggi.

IL PANETTONE – Tuttavia, fu Paolo Biffi a portare il panettone verso gli standard dell’epoca moderna, realizzandone nel 1847 una versione speciale per Pio IX, giunto al pontefice con una carrozza. Il dolce lombardo è stato sempre elogiato non solo da personaggi celebri come Verri, Muratori, Cima o Manzoni, ma anche dagli algidi austriaci. A tale proposito, si dice che in più occasioni il principe Metternich, facendosi ritrarre con il dolce natalizio sotto il braccio, abbia affermato che milanesi fossero “buoni come il panettone. Da allora questo dolce è diventato un perno della gastronomia natalizia, con diverse varianti. Tra questi c’è il “pandoro” che ha conquistato quella fetta di pubblico che non ama i canditi.

La leggenda di Tex Willer è la più strabiliante del fumetto italiano. Come è possibile che, a più 60 anni di distanza dal primo albo, l’eroe nato dalla matita di Aurelio Galeppini e da un soggetto di Gianluigi Bonelli godi ancora di buona salute? Oggi piange la morte dell’ultimo audace editore italiano: Sergio Bonelli.
Fatta l’eccezione di supereroi americani come Batman o Superman, il ranger più famoso taglia un traguardo importante. La prima striscia, “Il totem misterioso”, esce nelle edicole italiane il 30 settembre 1948. Siamo arrivati a quasi 600 numeri e abbiamo in lizza tante matite che si sono alternate: da Ticci a Villa, da Monti a Civitelli. Ai testi hanno lavorato Sergio Bonelli (alias Guido Nolitta), Claudio Nizzi e Mauro Boselli.

PROFEZIE DI UN RANGER – Ispirandosi al mondo del cinema Western di John Ford e Howard Hawks, la coppia Galeppini-Bonelli crea un personaggio che segna un punto di transizione tra il mondo dei bianchi (Tex è un ranger) e gli indiani (Tex è Aquila della Notte per nativi d’America). Il rito simbolico e narrativo dell’unione con una donna indiana, Lilyth figlia di Freccia Rossa, è la realizzazione che lo scontro della diversità bianco-pelle rossa possa essere qualcosa di diverso, anticipando così il cinema western crepuscolare degli anni settanta.

AQUILA DELLA NOTTE – Ha una passato da fuorilegge (sbandiera l’anarchia), ma poi ha messo in conto che le sue pistole siano messe al servizio della legge. L’amico Kit Carson ne sa qualcosa di quel temperamento da ranger, di quello sguardo da cavaliere solitario che può tenere testa soltanto a quello di John Wayne. Tex combatte contro il male a qualsiasi costo. Così i cattivi smettono di essere interpretati dai soliti stereotipi e assumono le sembianze di malviventi, ex galeotti, criminali da strapazzo e molto altro. Pubblicato a strisce nel 1948 per l’Audace Editore, negli anni 50 la nuova Bonelli Editore lo pubblica nel formato che tutti conosciamo. Tutti i numeri sono in bianco e nero, ad eccezione dei numeri 100 e dei multipli. Le ristampe in più edizioni confermano ancora una volta che Tex Willer è il più venduto nella storia del fumetto italiano.

TEX ALTROVE – Tex Willer ha trovato spazio ovunque: nel 1985 al cinema con il film diretto da Duccio Tessari ed interpretato da Giuliano Gemma dal titolo “Tex e il signore degli abissi”; nel 1996 in un francobollo dal valore di 750 lire; nel 2001 in forma di uno sceneggiato radiofonico scritto e diretto da Armando Traverso. I Liftiba gli hanno tributato il brano “Tex”, mentre il popolo di lettori che ha sognato con lui continua ad affidargli la propria immaginazione, i propri sogni che vanno oltre la frontiera del West.

Sono comparsi in Italia nel 1976 all’interno dello spazio televisivo della tv dei ragazzi, ma in pochi hanno capito che non fosse un cartone per ragazzini. Anzi, in gioco c’era, attraverso la rotondità dei personaggi, il confronto generazionale in piena armonia e un messaggio ecologista chiaro e preciso, precursore dei nostri tempi. Parliamo di Barbapapà, lo splendido fumetto nato dalla fantasia di Annette Tison e Talus Taylor e comparso nella Francia del 1970.

ZUCCHERO FILATO – Il personaggio principale viene battezzato col nomignolo di “zucchero flato” (in francese barbe à papa per l’appunto) e nel suo dna nasconde alcune riflessioni che i due autori avevano fatto in occasione del famigerato “maggio francese”. Del resto Barbapapà ha una grossa abilità, quella di modellare il suo corpo come vuole. Questo “potere bizzarro” non richiama forse il nostro desiderio di elasticizzare le idee per frantumare il confine tra pensiero e ideologia?

LA FAMIGLIA – E se il buffo Barbapapà spunta come un fiore dal giardino di casa, come potrà essere la sua vita senza accoppiarsi e formare una famiglia? Così la ricerca forsennata di una Barbamamma consente a Tison e Taylor di rimodellare il modello della famiglia classica, fuori dallo scorbutico esempio della middle-class. La rotondità dei personaggi rimescola lo scenario delle storie vita quotidiana in un mondo che sottomette la routine con la creatività. Forse nel mondo di Barbapapà i vincenti sono proprio gli originali, gli stravaganti e chi riesce a leggere nel loro emisfero interiore – i due bambini François e Claudine – avrà una chance in più per distaccarsi dal contraddittorio mondo degli adulti.

IL CARTOON – I giapponesi intuiscono il valore del fumetto e nel ’74 realizzano la fortunata serie a cartoni animati (45 episodi) sotto la supervisione di Tadami Shimokawa con uno slogan che ha fatto il giro del mondo: “Resta di stucco… è un Barbatrucco!”. Una curiosità: nella sigla di apertura cantano Orietta Berti e Claudio Lippi, mentre ai testi ci ha messo mano il grande Roberto Vecchioni.

Da diversi anni anche in Italia si è diffusa la festa di Halloween, di origine anglosassone che viene puntualmente festeggiata il 31 ottobre. L’etimologia della parola deriva dall’inglese “All Hallowed Eve” (Vigilia di Tutti i Santi), successivamente abbreviato in “Hallow-e’en” ed infine in “Halloween”. Le origini di questa festività risalgono a circa 2000 anni fa, all’epoca degli antichi druidi celti, che si erano stanziati in un territorio comprendente l’attuale Francia, Inghilterra, Galles e Scozia. Quest’antica popolazione celebrava la vigilia del nuovo anno, il 31 ottobre, in onore di Samhain, il principe della morte. I Celti credevano, infatti, che in questo giorno solenne gli spiriti malvagi dei defunti ritornavano per creare confusione e caos fra i viventi ed utilizzavano questo momento per placarli. Insomma, questo rituale segnava anche il passaggio dalla “stagione calda” alla “stagione fredda delle tenebre”. Gli antichi romani, che celebravano la festa dei morti il 21 febbraio attraverso le “feralia” ed onoravano Pomona, la dea de giardini, il 1 novembre, mescolarono e confusero le loro tradizioni entrando in contatto con le popolazioni nordiche. Al fine di soppiantare questi rituali pagani, nel VII secolo d.C., la Chiesa Cattolica introdusse la festa di Tutti i Santi, da celebrare il 13 maggio e spostata al 1 novembre nell’835 da Papa Gregorio III.

NELLA NOTTE DELLE STREGHE – Il simbolo più popolare di Halloween è la zucca intagliata con la faccia poiché una leggenda irlandese narra di un ubriacone di nome “Stingy Jack” che ha venduto l’anima al diavolo per pagare i suoi debiti di gioco. Lo incontrò nella notte di Halloween e gli offrì da bere. Dopo aver bevuto, Jack lo imbrogliò e lo fece trasformare in una moneta per pagare il conto. Per liberarsi, il diavolo promise al vecchio ubriacone che lo avrebbe lasciato in pace per dodici mesi. Jack acconsentì pensando che avrebbe avuto tutto il tempo per cambiare e mettersi sulla retta via. Quando Jack morì, il principe delle tenebre gli impedì l’accesso all’inferno e lo costrinse a peregrinare sulla terra. Cercando un posto per riposare, mangiò una rapa e Satana gli lanciò un pezzo di carbone ardente dalle fiamme dell’inferno. Jack, disperato per la sua ricerca, prese il carbone e lo mise nella rapa per illuminare il suo cammino. Da allora, quando si vedono i fuochi fatui, ovvero quelle luci fosforescenti che a volte appaiono vicino alle paludi dopo il tramonto, c’è l’usanza di dire che sia Jack con la sua lanterna (Jack-O-Lantern) alla ricerca di un luogo di riposo. Inizialmente come simbolo di Halloween venivano usati i cavoli di rapa. Quando ai primi del 1800, gli irlandesi e gli scozzesi emigrarono negli Stati Uniti e si resero conto che le rape americane erano piccole, si cominciò ad utilizzare la zucca. Da allora la festività si è evoluta enormemente.

ALTRI SIMBOLI – I colori tradizionali sono il nero e l’arancione. Il primo è un colore delle divinità pagane che governano il mondo dei morti ed è usato da molte streghe al fine di ostacolare il maligno e neutralizzare energie negative. Il secondo, essendo il colore delle zucche e delle foglie d’autunno, evoca lo spirito delle stagione. A parte i simboli di Halloween, dai pipistrelli alle streghe, il motto di questa festa che tutt’oggi diverte ancora grandi e piccini è senza dubbio:”Dolcetto o scherzetto?”. Sappiano bene che nella “notte delle streghe”, come vuole la tradizione, dobbiamo preparare un po’ di ghiottonerie da regalare ai nostri visitatori se non vogliamo essere vittime di una spiacevole beffa. Questa caratteristica del “Trick-or-treat” (dolcetto o scherzetto) deriva da una pratica europea del IX secolo d.C., chiamata in inglese “Souling” e tradotta letteralmente in “elemosinare anima”. Nel giorno di Ognissanti, i primi Cristiani vagavano di villaggio in villaggio elemosinando per un po’ di “pane d’anima”, ovvero un dolce a forma quadrata con l’uva passa (come il nostro “pane ramerino”). Più dolci ricevevano, più preghiere promettevano per i parenti defunti dei donatori. A quel tempo, infatti, si credeva che i morti rimanessero nel limbo per un certo periodo e che le preghiere anche fatte da estranei potessero rendere più veloce il passaggio in paradiso.

Quando un personaggio dei fumetti spegne venti candeline c’è una domanda da cui non si può sfuggire: vale la pena ancora leggerlo? Vale la pena ancora rifugiarsi in quelle strisce? La risposta è sì se ci riferiamo a Dylan Dog. Il personaggio creato da Tiziano Sclavi e pubblicato ininterrottamente dalla Bonelli Editore a partire dall’ottobre 1986 è vivo, vegeto e gode di ottima salute. Neanche l’aggressiva invasione dei manga giapponesi degli ultimi quindici anni è riuscito a spazzarlo via, a ridimensionarlo. A disegnarlo c’è il tratto inconfondibile di Angelo Stano, anche se allo sviluppo disegnato contribuiscono diversi disegnatori: da Claudio Villa (copertinista fino al n.41) a Bruno Brindisi. Lo sceneggiatore Sclavi – tra gli scrittori più intelligenti del nostro Paese – è riuscito a dare tanta longevità all’Indagatore dell’incubo, nonostante la sua penna racconti le storie assiduamente fino al numero cento.

INDAGATORE DELL’INCUBO – Col volto che evoca i tratti somatici dell’attore Rupert Everett, Dylan Dog attraversa “l’orrore” nel senso più ampio della parola. Sclavi riesce a smorzare la tragicità degli orrori della nostra quotidianità – non sono forse i fantasmi di Dylan gli stessi che corrodono le nostre coscienze? – iniettando diversi elementi: lo splatter, il fantastico, il surreale. Così il significato denso di “mostruosità” presente nei classici dell’horror come Dracula e Frankenstein si rigenera nello splatter sanguinolento del cinema di un Dario Argento o George Romero. Provate pure a scegliere delle sequenze del cult movie La notte dei morti viventi del regista americano e confrontarli con alcuni punti del fumetto? Ad attutire questo processo quasi cronico c’è il sogno, che diventa “incubo” ed è il “Cogito Ergo Sum” dylaniano. Ciò che rende umano il personaggio, in alcuni percorsi eccessivamente fantastici o surreali, è “la paura” che non lo distrae ma lo avvicina all’ignoto. In tutta questa salsa narrativa, serpeggia “il dubbio” che fornisce dei connotati al personaggio che non sarebbero dispiaciuti a sir William (Shakespeare). Con questa formula e delle trovate geniali, Sclavi fa superare al suo personaggio un milione di copie vendute e riesce a farlo apprezzare anche dagli intellettuali più cinici.

CARTA D’IDENTITA’ – Dando un’occhiata alla carta di identità di Dylan Dog, sappiamo che ha poco più di trent’anni, è inglese, vive a Londra e svolge la professione di Detective privato. Tra i comprimari delle sue storie ci sono il fedele assistente Groucho (ispirato all’indimenticabile attore Groucho Marx), l’ispettore Bloch di Scotland Yard, l’agente Jenkins e il cane randagio Botolo. L’universo femminile, talvolta incarnato dal mito della “femme fatale”, è molto presente con diversi volti: dall’onirica Morgana alla prostituta Bree Daniel, dalla fotomodella Anna Never all’attivista dell’Ira Lillie Connolly. E i mostri, come dimenticarli? In riga ci sono l’immancabile Morte, il prepotente Xabaras, senza tralasciare alieni e mostri di varia natura. Ma quali titoli della collana consiglierebbe da rileggere un dylaniano incallito? Forse questi: Johnny Freak (n.81, Giugno 1993); Riflessi di morte (n.44, Maggio 1990); I conigli rosa uccidono (n.24, Settembre 1988); Accadde domani (n.40, Gennaio 1990); Inferni (n.46, Luglio 1990); I vampiri (n.62, Novembre 1991); Zed (n.84, Settembre 1993). In occasione di questo ventesimo compleanno, provate a fare un giro a Londra e a suonare il campanello della sua casa al n.7 di Craven Road. Dylan non è mai scortese e potrebbe esserci un pezzo di torta anche per voi.

Pochi personaggi nati dalla fantasia riescono a non invecchiare mai. Charlie Brown e i Peanuts di Charles M. Schulz (1930-2000) ci sono riusciti per due motivi: hanno dimostrato che una striscia a fumetti può raggiungere momenti di lirismo alto, ricongiungerci alla riflessione, catapultarci a capo fitto nel mondo dei bambini e divorare la nostra paura di essere cresciuti troppo in fretta, abbandonando per strada la solita sindrome di Peter Pan. Charlie Brown, apparso per la prima volta il 2 ottobre 1950, compie 60 anni e non li dimostra.

PEANUTS - In principio questa sarabanda di micro personaggi era Little Folks, poi è diventata Peanuts solo per dire che sono “noccioline” da sgranocchiare, cose insignificanti. Altro che banalità, dietro il “bambino dalla testa tonda” e i suoi amici, incluso Snoopy superstar, ci sono tante stuzzicanti riflessioni, dai temi sociali alla psicologia freudiana, dagli assilli della filosofia contemporanea alle demarcazioni storiche.

IL BAMBINO DALLA TESTA TONDA – Dopo aver spento 60 candeline, Charlie Brown “soffre ancora della claustrofobia del mondo” e continua ad essere il perdente della situazione, nella metafora esistenziale della partita di Baseball, con Lucy che gli toglie la palla e lo fa cadere. La solitudine c’è? Sì, ma lui non si può aggrappare alla “coperta” del suo amico Linus e così fa volare gli aquiloni. E’ innamorato perso della ragazzina dai capelli rossi e solo lei riesce a fargli battere il cuore.  C’è chi lo incoraggia come le sue fedeli amiche Piperita Patty – che lo chiama “Ciccio” – e Marcie. La sorella Sally lo pedina per farsi aiutare nei compiti mentre l’estro e la surrealtà del fedele cane Snoopy e il suo complice Woodstock lo aiutano a guardare gli aspetti più nascosti della vita.

DAL FUMETTO AL CARTOON – L’ultima striscia è apparsa il 13 febbraio del 2000, dopo la morte di Schulz, che non ha voluto eredi. Le migliaia nuvole parlanti dei Peanuts continuano ad essere pubblicate in tutto il mondo (in Italia sono raccolte da Baldini-Dalai editore). Infine, tra il 1969 e il 2006 sono stati realizzati una serie di cartoni animati, che hanno trasformato Charlie Brown e compagni in piccole star televisive.

Valentina Rosselli, uno dei pochi personaggi del fumetto ad invecchiare nel tempo, è una donna libera ed indipendente che svolge la professione di fotografa. La creatura del compianto Guido Crepax (1933-2003) è nata a Milano il 25 dicembre 1942, è nubile, ha un figlio e proietta le sue avventure nei sogni, molto spesso avvolti da intime e segrete perversioni. Dai suoi “eyes-wide-shut” vengono fuori situazioni e personaggi inquietanti che diventano affascinanti per il loro mistero, per la loro irraggiungibilità. Valentina, è il volto della borghesia milanese denudata e psicanalizzata. E’ particolarmente desiderata dagli uomini per la sua bellezza che sfiora a tratti l’intimo e il sentimentale.

L’INCONTRO – Ho conosciuto Valentina alla stazione di Genova in una mattina di agosto di tanti anni fa. Erano le sei del mattino. Aspettavo il treno che mi avrebbe portato in vacanza in Francia. Sbadigliavo e i miei occhi erano sonnolenti. All’improvviso vengo distolto dalla vetrina di un’edicola, dove c’è lo sguardo di una donna col caschetto che mi fissa. E’ bella, sensuale, intrigante. Più la guardo e più il suo viso mi ricorda Louise Brooks, la diva del muto trasformata da Pabst in una stella intramontabile del cinema di tutti i tempi. Mi avvicino a quel vetro, l’accarezzo e vi resto appiccicato tanto da dimenticare tutto quello che mi stava attorno. Perdo il treno mentre l’orologio della stazione sembra impazzito: le lancette indietreggiano nel tempo mentre io acquisto e comincio a sfogliare quel misterioso volume. Incantato davanti alle sequenze narrative di Valentina, mi sembra di aver comprato un biglietto del tram che mi porta in giro per la Milano degli anni sessanta: quella dei cineclub, quella che tirava a campare, quella che sbandierava con timido pudore la sua voglia di sentirsi giovane e di assomigliare alla Parigi della “belle époque”, quella composta ed elegante come i versi del giovane Giorgio Gaber.

LAMPI LETTERARI – La lettura di Valentina mi scombussola e mi rapisce così come mi è accaduto davanti ad un film di Michelangelo Antonioni o a un libro di James Joyce. Quella dell’ architetto Crepax è una irruente rivoluzione nel mondo delle “bandes dessinées”, una vera e propria controriforma delle inquadrature. Il fumetto si libera finalmente dalla schiavitù della striscia e le pagine della letteratura disegnata, della parola che diventa visione a matita, trovano percorsi creativi e alternativi in un nuovo design. Le inquadrature spiazzano, si infrangono sullo sguardo del lettore e cullano la mente e il cuore con la stessa intensità della musica jazz. Ha ragione Roland Barthes quando dice che ci troviamo di fronte ad un ottimo narratore consapevole che “l’immagine deve essere viva, raccolta in un lampo, per non allentare mai la suspense. Tutto deve essere riconosciuto immediatamente (i personaggi, gli oggetti, le intenzioni, i gesti) perché la logica voluttuosa della narrazione possa schiudersi subito facilmente, nel lettore”.

CREPAX – Guido Crepax viene bersagliato dalla stupida intellighenzia sessantottina perché è uno che osa, che frantuma lo stereotipo della femminilità e mette in imbarazzo persino il movimento femminista di allora. Le storie di Valentina, ricucite una accanto all’altra, sono per l’autore così come per il frastornato lettore una terapia necessaria, una psicanalisi della coscienza collettiva di un Paese che tenta invano di liberarsi dal mormorio di un tempo inesistente, senza punti di riferimento, senza sponde ideologiche. In un’intervista rilasciata a Linus, Valentina ha ribadito: “Sono legata a Crepax da un’affettuosa amicizia… Mi ha creata dal nulla… Gli devo tutto. Mi disegna molto bene, non mi lascerei disegnare altro che da lui… Quando morirà mi suiciderò”.

Angela e Luciana Giussani, dopo aver ideato Diabolik, hanno un altro colpo di genio: nel marzo 1963, infatti, danno vita ad Eva Kant. Fu uno splendido diamante a far incontrare ed innamorare i nostri due eroi. Per lei Diabolik è “duro, spietato, pragmatico, geniale e… tremendamente dolce”. Per festeggiare il 40° compleanno della compagna del re del brivido, lasciamo parlare l’eroina più affascinante ed intrigante del fumetto italiano. Vi proponiamo un’intervista rilasciata da Eva Kant nel 1969 alla rivista IL FUMETTO.

Eva Kant, come si considera: la fidanzata, la donna oppure l’amante di Diabolik?

“Che differenza c’è fra queste parole? Scusi la mia ignoranza,ma io non la capisco. Fidanzata mi fa un po’ ridere, mi sembra di sentir parlare mia nonna. Donna di Diabolik cosa può significare se non amante? Non penserà che sia la donna di servizio di Diabolik? Ri mane amante, ma allora è poco. Io sono anche collaboratrice, amica, consigliera, confidente, tutto insomma! “

Si sente realizzata come compagna di Diabolik?

“Certo, altrimenti me ne andrei”.

Perché, secondo lei, Diabolik commette furti? Solo per vivere?

“Diabolik e io commettiamo furti perché amiamo l’avventura. Per vivere ci sarebbe bastato il primo colpo. E’ divertente neutralizzare tutti i sistemi d’allarme con cui la gente protegge le sue ricchezze. Lui ed io siamo un vulcano di idee. Le sorelle Giussani ci fanno sempre fare un’ottima figura, siamo considerati molto intelligenti e astuti”.

Prevede che un giorno si sposerà con Diabolik? Lui glielo ha mai chiesto?

“Ma lei è fissato con la mia vita sentimentale! Le confiderò un segreto: Diabolik aspetta da anni che io gli chieda di sposarlo, sa come sono gli uomini, vogliono sempre regolarizzare la loro posizione, ma io non lo farò. Noi due stiamo bene insieme e questo basta. Con o senza matrimonio, quel giorno che il nostro accordo si rompesse, ci lasceremmo”.

Legge fumetti di tanto in tanto? Quali?

“Leggo le strisce di Chiappori. Il suo omino mi piace, non ne lascia passare una! Se mi invitasse nella sua vignetta ci andrei volentieri… ruberei tutte le sue battute!”

DICONO DI LEI – Angela e io abbiamo tentato di infondere a Eva Kant sentimenti e passioni che forse noi donne “sentiamo” più degli uomini. (Luciana GiussanI)
Noi ignoriamo come Diabolik faccia l’amore con Eva,esattamente come ignoriamo i suoi gusti culinari. Il sesso viene gridato, pubblicizzato,esasperato solo da chi, infantilmente, lo considera traumatizzante. (Angela e Luciana Giussani)
Eva ha tutto. Un nome che evoca la femminilità per eccellenza. Un nome talmente impensabile e importabile da rasentare il genio. Una bellezza assoluta. (Lella Costa)
Vorrei che fosse chiaro che se Eva e Diabolik dormono in letti separati non è per loro scelta: è colpa di un pretore di Lodi. (Angela Giussani)

Nel filone del fumetto nero, censurato e maltrattato nell’Italia perbenista degli anni sessanta, si inserisce Satanik (Italia, 1964). L’eroina ideata da Max Bunker (Luciano Secchi) e disegnata dall’inconfondibile matita di Maguns (Roberto Raviola) è una biologa di mezza età con il viso deturpato. Stanca delle umiliazioni subite, da un giorno all’altro si trasforma in una malvagia criminale. Il primo eroe negativo al femminile tutto italiano viene presentato con lo slogan “crudeltà, sadismo, avidità e violenza”. Il mito della potenza americana si veste da supereroe ed è “più veloce di un proiettile, più potente di una locomotiva, capace di scavalcare i grattacieli con un solo balzo, e’ un uccello, è un aereo… ” è Superman (USA, 1938), l’unico superstite dopo la distruzione del pianeta Krypton. Attingendo al tema del superuomo e dello sdoppiamento della personalità (l’alter ego di Superman è il giornalista Clark Kent), Jerry Siegel e Joe Shuster danno vita al supereroe più imitato della storia del fumetto. Celebrato sul piccolo schermo, al cinema e a teatro, Superman è morto il 18 novembre 1992 per mano del suo acerrimo nemico Dommsday. Niente paura, è risorto. E’ vivo, vegeto e continua a solcare i nostri cieli. Ha più di cinquanta anni e non li dimostra.

OLD WILD WEST – Tex Willer (Italia, 1948), il ranger del West della coppia Galeppini-Bonelli, è sicuramente la chiave di volta dell’editoria fumettistica italiana ed il primo eroe ad inaugurare nel nostro paese il formato comic-book. In una maniera intimista e scorrevole, Gianluigi Bonelli ambienta le storie di “Aquila della notte” in quei posti che hanno raggiunto il nostro immaginario attraverso i western di John Ford, Anthony Mann e Howard Hawks. Nel 1988 per festeggiare i primi 40 anni, la Bonelli editrice ha iniziato a pubblicare dei volumi giganti (conosciuti come “I Texoni”) disegnati da grandi illustratori. Come ha ribadito il compianto Bonelli padre: “Tex è l’avventura. Cosa sarebbe la vita di un uomo senza l’avventura?”. Tin Tin (Belgio, 1928) è un reporter giramondo che, assieme al suo cagnolino Miluo, si ritrova in mille avventure attraverso il Congo, l’Europa, gli States, il Tibet o l’Unione Sovietica. Hergé (Georges Rémy) non immagina che il suo personaggio dalle pagine del “Petit Vingtième” diventerà il beniamino di bande dessinée di tutto il mondo francofono. Preciso e chiaro nel disegno, verosimile nei riferimenti storico-geografici, Tin Tin resta un piccolo capolavoro dal punto di vista narrativo dove il momento drammatico viene smorzato da tonalità burlesche. A sponsorizzare l’ottimismo e il positivismo del New Deal americano, ci ha pensato il personaggio più popolare di casa Disney: Topolino (USA, 1930). Il Mickey Mouse con grandi occhi ed orecchie, nato dal genio del buon vecchio Walt e dalla matita corposa di Ub Iwerks, lotta contro chiunque voglia colpire i più deboli a metà strada tra il detective e il giornalista. L’universo di Topolino ha saputo ritrarre nella dimensione antropomorfa gli umori e i cambiamenti della società americana, incarnata anche da altri eroi e comprimari come Minni (1928), Pluto (1931), Pippo (1932), Paperino (1934), Qui Quo Qua (1937) e Zio Paperone (1947). Le storie italiane del topo più amato, firmate da autori dal calibro di Carpi, Scarpa o Cavazzano, sono le più interessanti e originali dell’intera produzione.

UOMINI E DONNE – Rispetto ai supereroi della sua portata, l’Uomo Ragno (USA, 1962)  vive sommerso dai problemi quotidiani. E’ uno come noi, uno qualunque che deve vedersela col pagamento dell’affitto o col frenetico mondo del lavoro. L’imbranato Peter Parker ottiene poteri straordinari in seguito al morso di un ragno radioattivo. Per vendicare la morte dello zio, comincia una spietata lotta contro il crimine. Non è forse vero che “da grandi poteri derivano grandi responsabilità”? L’arrampicamuri, creato dal genio di Stan Lee e Steve Dikto, seduce ancora il grande pubblico. Lo dimostrano gli incassi al botteghino dell’ultima versione cinematografica di Spider-Man. Valentina (Italia, 1965)  esprime la voglia di libertà e spregiudicatezza propria degli anni sessanta. E’ una bella fotografa con il volto che sembra il ritratto della diva del muto Loise Brooks. Guido Crepax la plasma e le dà vita stravolgendo le tecniche del fumetto, rompendo la grammatica della composizione della pagina. Valentina ama, avrà un figlio, invecchierà come tutte le donne sul filo di una vita onirica e visionaria. Eppure lo slancio rivoluzionario di questo fumetto resta immutato, come la bellezza di questa “eroina de giorni nostri”, lontana anni luce dal fasullo rampantismo della Milano da bere. Guido Nolitta (Sergio Bonelli) e Gallieno Ferri rispolverano il mito di Robin Hood e danno vita a Zagor (Italiam 1961), l’impareggiabile difensore degli indiani e della giustizia. Nel raccontare le vicende dell’eroe allevato nella palude immaginaria di Darkwood, gli autori rompono gli schemi del western classico e costruiscono situazioni tra il fantastico e l’horror, tralasciando ogni preoccupazione di ricercatezza e di verosimiglianza.