Me lo ricordo Rino Gaetano con quell’aria scanzonata sul palcoscenico del teatro Ariston di Sanremo. Era il 1978 e da un televisore in bianco e nero usciva “Gianna”, una canzone un po’ strampalata che ha sedotto persino un bambino come me. La canticchiavo spesso in casa e quando mi divertivo con i miei compagni di giochi. “Gianna, Gianna aveva un coccodrillo” era il verso che preferivo di più: il fatto che questa donna, libera e senza inibizioni, avesse persino un coccodrillo al posto del solito “cane da passeggio”, mi trasmetteva un forte senso di libertà.Nella sua breve carriera, Rino Gaetano non solo ha saputo raccontare ma ha, soprattutto, guardato con occhio profetico e radiografato l’Italia che sarebbe venuta: il Belpaese corrotto, pieno di malesseri dove i valori si sarebbero consumati all’ombra del potere malsano.

I LOVE YOU MARYANNA! – Tuttavia, Gaetano fu anche uno che provocava con espressioni che fecero arrossire l’Italia bacchettona degli anni settanta: “Evviva la vita”, “La notte la festa è finita” o “chi vivrà vedrà” si ritagliano un posto in prima fila nel canzoniere dell’Italia che non ne poteva più delle censure, ma aveva una voglia spasmodica di contestare. Calabrese di origine (nasce a Crotone nel 1950), Rino Gaetano diventa romano di adozione dall’età di dieci anni e viene notato con la sua chitarra da Bardotti e Micocci. Il cantautore mette il piede nel mercato discografico con lo pseudonimo di Kammamuri´s e pubblica il suo primi 45 giri: “I love you Maryanna”. Da questo momento inizia la sua parabola di successi con capolavori come “Ma il cielo è sempre più blu” (1975), un cocktail esplosivo di impegno sociale, ilarità, sarcasmo e vis comica. Si legge nel testo della canzone: “Chi e` assunto alla Zecca, chi ha fatto cilecca/ chi ha crisi interiori, chi scava nei cuori/ chi legge la mano, chi regna sovrano/ chi suda, chi lotta, chi mangia una volta/ chi gli manca la casa, chi vive da solo/ chi prende assai poco, chi gioca col fuoco/ chi vive in Calabria, chi vive d’amore/ chi ha fatto la guerra, chi prende i sessanta/ chi arriva agli ottanta, chi muore al lavoro”.

NUNTEREGGAE PIU’ – Seguono gli album “Mio fratello e´ figlio unico” (1976), “Aida” (1977) e “Nuntereggae piu´” (1978), che contiene l’omonima canzone che si rivela uno degli inni più contestatori degli ultimi trenta anni. “Mio fratello è figlio unico – canta Rino Gaetano – perché è convinto che Chinaglia non può passare al Frosinone/ perché è convinto che nell’amaro benedettino non sta il segreto della felicità/ perché è convinto che anche chi non legge Freud può vivere cent’anni/ perché è convinto che esistono ancora gli sfruttati malpagati e frustrati”. Invece, nella delirante “Nuntereggae piu´”, non viene risparmiato nessuno: da Costanzo alla famiglia Agnelli, da Villaggio a Bearzot, dai partiti politici di allora alle mode dell’annata. Così canta Rino Gaetano nella sua canzone: “Nuntereggae più, eya alalà pci psi dc dc pci psi pli pri dc dc dc dc/ Cazzaniga/ avvocato Agnelli Umberto Agnelli /Susanna Agnelli Monti Pirelli/ dribbla Causio che passa a Tardelli /Musiello Antognoni Zaccarelli/ Gianni Brera /Bearzot /Monzon Panatta Rivera D’Ambrosio /Lauda Thoeni Maurizio Costanzo Mike Bongiorno Villaggio Raffa Guccini/ onorevole eccellenza cavaliere senatore nobildonna eminenza monsignore vossia cherie mon amour”.

GIANNA E LA BALLATA DI RINO – Poi arriva il terzo posto al Festival di Sanremo nel 1978 con il brano “Gianna” e l’inizio della prima tournée con 11 artisti, seguito dal passaggio discografico alla RCA. Nel 1980 esce l’ultimo album “Ed io ci sto” ed il pubblico ha finalmente notato Rino Gaetano, rendendosi conto che avrebbe avuto ancora molte cose da dire e raccontare se non si fosse spento a causa di uno sfortunato incidente stradale avvenuto nella capitale il 2 giugno 1981. Sempre sopra le righe, originale, sconveniente, scanzonato, irriverente, spontaneo e dolce, Rino Gaetano viene ricordato come uno dei cantautori più sorprendenti del panorama italiano, lui che “ha saputo cogliere con estrema lucidità e scontrosa ironia i vizi e le distorsioni di un mondo in caduta, un mondo tanto serio da apparire quasi ridicolo”. Sarà pure un brutto scherzo del destino, ma pare che il cantautore avesse scritto il brano “La ballata di Renzo”, rimasto inedito, che annuncia la sua morte in un incidente stradale. Neanche sul suo amaro destino, ha sbagliato il profeta Rino Gaetano.

DISCOGRAFIA - Ingresso Libero (1974); Mio fratello è figlio unico (1976); Aida (1977); Nuntereggae più (1978); Resta vile maschio, dove vai? (1979); E io ci sto (1980); Q Concert (con Riccardo Cocciante e New Perigeo, 1981); Gianna e le altre (1990); Superbest (1996); La storia (1998); Sotto i cieli di Rino (2003).

Nonostante abbiano provato l’emozione di salire sul palcoscenico dell’Ariston, sono scomparsi dalla scena musicale e sono entrati a far parte della lista delle meteore irrecuperabili. Continua il nostro viaggio a caccia delle meteore del Festival di Sanremo. Balzano subito all’occhio – per chi non ha lasciato a casa gli occhiali – una strana coppia: i Jalisse. Il duo , composto da Alessandra e Fabio, debutta all’Ariston in sordina nel 1996 con il brano “Liberami”. L’anno dopo vincono il Festival di Sanremo immeritatamente con “Fiumi di parole”. Dopo la parentesi all’Eurofestival seguita dall’album “Il cerchio magico del mondo”, sono caduti nel dimenticatoio, per fortuna nostra. Nel frattempo si sono sposati. Lui fa il manager e lei continua a cantare. Come fu detto a suo tempo: “I Jalisse… già lessi!”.

SENZA I NERI PER CASO – Altri grandi assenti sono i Neri per Caso, gruppo indimenticabile che si è distinto per il suo canto “a cappella”, ossia senza strumenti. I sei ragazzi salernitani, scoperti da Claudio Mattone, sbancano all’Ariston con “Le ragazze”, brano firmato dallo stesso Mattone. Dal 1994 in poi cavalcano le classifiche e fanno il pienone anche ai concerti. Dopo la separazione artistica da Mattone, sono scomparsi dalla scena per poi tornare seguiti dal mattone junior. Il successo non si è ripetuto! Altro volto sanremese scomparso è Lena Biolcati, la cantante bergamasca pupilla di Stefano D’Orazio dei Pooh. I suoi esordi risalgono a più di vent’anni fa a Castrocaro. Tra i suoi pezzi sanremesi si ricordano “Grande grande amore” (1985) e “Vita mia” (1987). Una grande voce dimenticata da tutti. Adesso la Biolcati si occupa di un centro per la formazione di musicisti alle prime esperienze e fa parte del cast del musical “Pinocchio” dei Pooh. E cosa dire della palermitana Francesca Alotta, ex-ragazza Compilation di “Domenica in”, che nasce artisticamente nel 1991 nella categoria emergenti del Cantagiro con il brano “Chiamata urgente”? Nel 1992 la canzone “Non amarmi”, cantata in coppia con Aleandro Baldi, vince nella categoria dei Giovani e diventa il tormentone musicale dell’anno. L’anno dopo, Alotta si presenta all’Ariston da sola con “Un anno di noi” che viene censurata, in quanto l’Italia bacchettona la considera un elogio all’adulterio. Da allora è scomparsa dalla circolazione.

MINETTI E JENNY B – Annalisa Minetti invece fa già parlare di sé fin dal 1997 quando accede alla finale del concorso di Miss Italia. I più cinici hanno da sempre sostenuto che abbia usato la sua cecità per intenerire giuria e pubblico. Già due anni prima aveva fatto un’incursione a Sanremo Giovani come voce del gruppo Perro Negro. Tuttavia, l’assurdità resta la sua vittoria immeritata dell’edizione ‘98 del Festival di Sanremo. Grazie al regolamento di quell’anno, che permette ad alcuni giovani di passare nel giro di ventiquattro ore nella sezione dei Campioni, la Minetti balza al primo posto con il brano “Senza te o con te”. Le vendite basse smentiranno la sua vittoria. Si è sposata con un calciatore napoletano e sporadicamente appare in qualche trasmissione televisiva.
Ultima meteora da segnalare è Jenny B, all’anagrafe Giovanna Bersola, che con “Semplice sai”, vince tra le Nuove Proposte di Sanremo 2000. Le vendite del singolo e dell’opera prima “Come un sogno” sono molto scarse. L’anno dopo, la cantante di colore ci riprova tra i Big con “Anche Tu”, pezzo firmato da Piero Cassano, ma il sesto posto ottenuto la fa scomparire dalla circolazione. Peccato perché la sua voce “nera” aveva un bel timbro.

PLAGI – Concludiamo questo nostro viaggio sanremese, segnalandovi altri plagi. “Tracce di te” dell’ex-Timoria Francesco Renga (2002) è troppo uguale al pezzo di Iva Zanicchi “Due grosse lacrime bianche” (1969). La prima parte di “Con il tuo nome”, presentata all’Ariston da Ivana Spagna nel 2000, è simile alla colonna sonora di “Braveheart”, film diretto da Mel Gibson.E’ inbarazzante per i Matia Bazar il plagio di “Brivido caldo”, terzo posto a Sanremo 2000, la cui armonia richiama “Libertango”, interpretato da Grace Jones nel 1980.Non passano inosservati “Fortuna” (2003) di Luca Barbarossa, troppo simile a “Il bandito e il campione” (1992) di Francesco De Gregori; “Ora che ho bisogno di te” (2002) ed “Eri tu” (2003) di Fausto Leali, il cui giro armonico e l’arrangiamento al pianoforte richiamano rispettivamente “Do that to me one more time” di Captain & Tenille (1979) e “Fallin’” di Alycia Keys (2001) ; e “Tu che ne sai” (2001) di Gigi D’Alessio che rievoca l’andamento musicale di “Circle of Life” (1994) di Elton John. Ma la peggio di tutte è toccata ai Sottotono che, per la loro “Mezze verità” (2001), sono stati smascherati da Striscia La Notizia per aver plagiato “Bye, bye, bye” di N’Sync (2000).Ultimi plagi da segnalare: “Stai con me” (2001) dei Gazosa scopiazzata da “Kashmir” (1975) dei Led Zeppelin , e “L’uomo volante” di Marco Masini, vincitrice di Sanremo 2004, il cui ritornello evoca il giro armonico di “E ritorno da te” (2001) di Laura Pausini.

Pensando al Festival di Sanremo, la tentazione è forte nel riaprire i cassetti della kermesse più amata dagli italiani. A malincuore è facile imbattersi in nomi che, nonostante abbiamo provato l’ebbrezza di salire sul palcoscenico dell’Ariston, sono scomparsi dalla scena musicale e sono entrati a far parte della lista delle meteore irrecuperabili. Mi viene subito in mente Alessandro Canino, che nel 1992 ci ha tormentato per tutto l’anno con la canzone “Brutta”, che si era piazzata al sesto posto. Il furor di popolo convince il santo patrono “Pippo Baudo” a inserirlo nei big nelle edizioni successive con due pezzi orribili: “Tu tu tu” e “Crescerai”. Canino viene squalificato e nessuno se lo ricorda più. Qualcuno giura di averlo visto di recente in qualche piano bar a riproporre la sua trilogia adolescenziale.

METEORE DA RIMPROVERO – Altro volto sanremese scomparso è Alessandro Errico, amato dalle focose adolescenti fin dai tempi in cui cerca di farsi notare nella trasmissione “Amici” di Maria De Filippi. Nel 1995 approda a Sanremo con “Il grido del silenzio”, che si piazza undicesima ma vende un discreto numero di copie. Quando entra nell’olimpo dei big con la zuccherina “E penserò al tuo viso”, la sua carriera si ferma. Nessuno lo ha più visto in giro. Stessa sorte è toccata agli insipidi Ragazzi italiani, brutta copia all’italiana dei Take-That, sostenuti dalla zia Mara (Venier) di Domenica In… Direttamente dal contenitore domenicale, approdano a Sanremo nel 1997 con l’orecchiabile “Vero amore”. Il quintetto belloccio cerca di cavarsela alla meglio, ma quell’anno vengono resi noti solo i primi tre posti. Fortuna per loro che adesso sono completamente scomparsi dalla circolazione, eccetto Alessandro La Rocca che è finito nella centrifuga del reality-show. Lo abbiamo visto nella trasmissione tv di “Il Ristorante”, il reality condotto da Antonella Clerici.E cosa dire di Barbara Cola, la figlioccia di Gianni Morandi? L’ex corista del cantante di Monghidoro, nel 1993 arriva al secondo posto con “In amore”, cantata in coppia con lo stesso Morandi. Questo pare un buon trampolino di lancio. Ma come dicono i saggi, non tutte le ciambelle riescono con i buchi. Il primo album della Cola nessuno se lo ricorda più e anche questa “protetta” finisce nel dimenticatoio.

ORO? -Tra le band sanremesi scomparse ci sono gli O.R.O., autori della fortunatissima “Vivo per lei”, cantata dalle bellissime voci di Bocelli e Giorgia. Nella anni novanta li troviamo spesso in riviera ligure con la mielosa “Quando ti senti sola”, che rievoca “la solitudine” imposta dal primo Masini, e la religiosa “Padre nostro”, scritta a più mani con Enrico Ruggeri. Dopo quest’ultima canzone, ci aspettavamo di vederli convocati da Sua Santità per qualche concerto in Vaticano. Non è successo ancora. E’ probabile che i musicologi vaticanisti abbiano trovato troppe somiglianze con la canzone “Gli altri siamo noi” di Umberto Tozzi.Il Festival di Sanremo ha prodotto anche delle belle voci. E’ il caso di Irene Fargo (all’anagrafe Flavia Pozzaglio), che arriva a Sanremo nel 1991, nella sezione giovane, con una bella canzone: “La donna di Ibsen”. La Fargo ottiene un buon successo di critica e di pubblico, e si guadagna un meritato secondo posto. L’anno dopo si mette alla prova con “Come una Turandot”, brano dalle atmosfere pucciniane che le fa conquistare un secondo posto tra i Campioni. Segue l’album “La voce magica della luna”, che nell’estate del 1992 la porta sul palco del Festivalbar e del Cantagiro. Da allora si è dovuta accontentare del “Festival Italiano”, il palcoscenico rivale sanremese prodotto da Mediaset, per presentare il suo album “Labirinti del cuore”. Dopo apparizioni sporadiche in diverse trasmissioni televisive (Domenica In…), la Fargo ha cominciato a puntare al teatro. Adesso è protagonista di un musical diretto da Tato Russo, che sta girando nelle maggiori città italiane.

PLAGI – Tuttavia, Sanremo è anche celebre per i plagi. Per i più curiosi, ve ne segnaliamo qualcuno. “Chi non lavora non fa l’amore”, che fa vincere alla coppia Adriano Celentano – Claudia Mori l’edizione sanremese del 1970, è troppo uguale al pezzo di John Lennon “Give peace a chance” (1969). La celeberrima “Che sarà”, presentata all’Ariston dai Ricchi e Poveri nel 1971, ha due strofe musicali completamente simili a “London London” (1970) di Caetano Veloso, nonostante i ritmi diversi. E’ imbarazzante per Tiziana Rivale il plagio di “Sarà quel che sarà”, canzone vincitrice di Sanremo 1983, il cui motivo sembra una copia perfetta del tema principale della colonna sonora del film “Ufficiale e Gentiluomo” (1982). Spostandoci negli anni novanta, balzano all’orecchio “Gente come noi” (1995) di Ivana Spagna, troppo simile a “Last Christmas” dei Wham; “Vorrei incontrarti fra cent’anni” (1986) di Ron, che nell’introduzione richiama la musica di “More than words” (1990) degli Extreme e le parole dei sonetti shakespeariani; e “Sei tu” (1997) di Syria che rievoca l’andamento musicale di “Per noi innamorati” (1983) di Gianni Togni. Ma la peggio di tutte è toccata a Nek che, per la sua “Laura non c’è” (1997), è stato citato in tribunale da Gianni Bella con l’accusa di aver plagiato la sua “Più ci penso” (1974). (continua…)

Basta con le ghettizzazioni che ammazzano la musica. Basta con le iconografie spicciole che associano l’artista musicale a quelle tre o quattro canzoni. Basta con i pregiudizi anagrafici che pretendono di stabilire se un musicista sia vivo o morto. Basta con l’arroganza brutale dell’industria discografica italiana che si stringe attorno i numeri. Il concerto di Patty Pravo al teatro Smeraldo di Milano non può passare inosservato, non può essere liquidato con una recensione di circostanza, citando i titoli che vogliamo ascoltare ogni volta: La bambola, Pazza idea o Pensiero stupendo. Pochi lo fanno perché occorre una dose di coraggio e forza d’animo: denudarsi davanti al pubblico, gettare la maschera nel rito ancestrale del palcoscenico è coraggioso e non se lo possono permettere tutti. Patty Pravo lo ha fatto e così la sfinge della musica italiana si è lasciata alle spalle i bagliori della “ragazza del Piper”, restituendo eterna giovinezza a Ragazzo triste e Se perdo te, spingendo avanti nel tempo Io ti venderei, gemma di Battisti-Mogol, dimostrando di essersi adattata ai nostri tempi fugaci con Goodbye My Love e Les Etrangers. L’immagine di Patty Pravo si affaccia poche volte perché sul palco c’è la donna prima dell’artista. Pensino quel chewing gum appiccicato all’asta del microfono è diventato un fiore.La signora bionda sul palco dello Smeraldo è semplicemente Nicoletta Strambelli, lei e il suo pubblico, senza i soliti filtri, in una performance musicale in cui l’artista ammette la sincerità, dondolandosi tra E dimmi che non vuoi morire, la canzone della rinascita, ed E Io verrò un giorno là, il brano che avrebbe dovuto vincere Sanremo 2009. Nel finale l’interpretazione di Tutt’al più riesce alla perfezione e il “basta” sussurrato nell’ultima strofa è il vissuto della disperazione, altra eccellente prova di una grande interprete della nostra musica. Basta con le ghettizzazioni che ammazzano la musica. Basta con le iconografie spicciole che associano l’artista musicale a quelle tre o quattro canzoni. Per sempre, Nicoletta Strambelli.

Tutti la conoscono come “Easy Lady” poiché questo è il titolo del singolo che nel lontano 1986 la porta a scalare le classifiche europee. Stiamo parlando naturalmente di Ivana Spagna. Il successo arriva in poco tempo partendo dalla Francia per poi scalare le classifiche di tutta Europa vendendo circa 3.000.000 di copie. Nello stesso anno arrivano anche i primi riconoscimenti: Telegatto d’argento a “Vota la Voce” come rivelazione dell’anno e Disco Verde al “Festivalbar” come miglior giovane. Nel 1987 viene pubblicato il suo primo album “Dedicated To The Moon” che venderà oltre 500.000 copie e con il singolo estratto “Call me” raggiunge il primo posto nella Classifica Europea – è la prima volta per un artista italiano – davanti a nomi come Madonna e Michael Jackson.
“Call me” entra nella TOP 75 inglese restandoci per 12 settimane e raggiunge la seconda posizione. Una grande soddisfazione per una cantante femminile italiana.

GLI ESORDI – Dopo il secondo album “You are my energy” (1988), dedicato a suo padre Teodoro scomparso lo stesso anno, Spagna si trasferisce negli Stati Uniti dove collabora con musicisti di grande prestigio tra cui Diane Warren, Rhett Lawrence, Stephen Bray. L’esperienza americana si intravede nell’album “No way out” (1991), già disco d’oro a poche settimana dall’uscita. Un periodo davvero intenso se pensiamo alla lavorazione di “Matter of Time”, dove spiccano i singoli di successo “Why me” e “I always dream about you”, all’uscita della prima raccolta di successi “Spagna & Spagna – Greatest Hits” con l’inedito “No more words”, e la collaborazione alla famosa canzone dei Whigfield “Saturday night”.Nel 1994 la Disney sceglie Spagna per cantare “Il cerchio della vita”, versione italiana di “Circle of Life” scritta da Elton John e colonna sonora del film di animazione “Il re leone”. Dall’esordio con “Easy Lady” è la prima volta che la cantante si esibisce nella sua lingua madre.

IL RITORNO A SANREMO – Il 1995 vede Spagna partecipare al Festival di Sanremo con “Gente come noi” e guadagnare il terzo posto. Contemporaneamente esce il suo primo album completamente in lingua italiana “Siamo in due” dal quale vengono estratti singoli di successo come l’omonima canzone con la quale partecipa al Festivalbar, “Come il cielo” e “Davanti agli occhi miei”. L’album in pochi mesi supera le 450.000 copie vendute. L’anno successivo torna sul palco dell’Ariston di Sanremo con “E io penso a te” e si classifica al quarto posto. Contemporaneamente esce l’album “Lupi solitari” che in una settimana realizza le 250.000 copie vendute, vince Sanremo Top, partecipa nuovamente al Festivalbar. Spagna diventa la protagonista assoluta dell’estate 1996 per poi vincere il Telegatto di “Vota la Voce” come migliore interprete femminile. Nell’estate esce anche il singolo “Ci sarò” che, oltre all’omonima canzone contiene le versioni inglesi di “Lupi solitari” (Solitary Angels), “Colpa del sole” (The heat of the sun) e “Ti amo” (I love you). Nel 1997 esce “Indivisibili” – oltre 150.000 copie vendute – realizzato con la collaborazione di grandi musicisti come Phil Palmer, Pino Palladino, Steve Ferrone, Joe Pistone e Michael Grassi. L’anno successivo Spagna ritorna al Festival di Sanremo con “E che mai sarà”, che segna l’uscita dell’album “E che mai sarà – Le mie più belle canzoni” che contiene i più grandi successi in italiano e cinque inediti. Dall’album spiccano gli inediti “Il bello della vita”, che sarà scelta dalla FIFA per rappresentare l’Italia ai mondiali di calcio di Francia ‘98, e “Lay da da” con la quale Spagna partecipa al Festivalbar insieme a “Il bello della vita”.

DAL 1998 IN POI – Sempre nel 1998 si aggiudica il quarto Telegatto d’oro a Vota la Voce come migliore interprete femminile; canta “So volare” e “Canto di Kengah” che fanno parte della colonna sonora del film di animazione italiano “La gabbianella e il gatto” di Enzo D’Alò tratto dal libro di Sepulveda.Il brano “Mi amor” viene scelto come singolo dell’estate 2000 e viene realizzato un video clip insieme all’attore Paolo Calissano.
Nello stesso anno Spagna si esibisce in un’eccezionale interpretazione di “Bridge over trouble water” di Simon e Garfunkel durante una serata organizzata da Canale 5 in occasione della beatificazione di Papa Giovanni XXIII. Nel 2001 esce l’album di cover “La nostra canzone” nel quale, con l’aiuto del maestro Peppe Vessicchio, dell’Orchestra Sinfonica “Golfo Mistico” di 40 elementi e del Venice Gospel Chorus Ensemble, Spagna reinterpreta le canzoni che hanno segnato la storia della musica italiana: da “Teorema” a “Quella carezza della sera”, da “Eloise” a “La donna cannone”, la versione inglese di “Il mondo” di Jimmy Fontana e la versione francese di “A mano a mano” di Cocciante.
Lo stesso anno Spagna scrive e canta l’inno del Chievo neopromosso in serie A: “CHIEVOVERONA Un mondo in giallo e blu”.Durante la manifestazione benefica “Trenta ore per la vita” Spagna viene premiata come vincitrice del “Disco per l’estate 2001″.Il 2002 segna la svolta per l’artista che lascia la Sony Music per approdare alla nuova casa discografica “B&G Entertainment” e senza esitazione torna a cantare in inglese presentando il singolo “Never say you love me”. Il singolo viene reso disponibile per l’ascolto anche dal servizio tramite cellulare Tj.net e la canzone realizza oltre un milione di contatti: un vero record.

PRESENTE E FUTURO – Dopo un’estate ricca di impegni per promuovere il singolo, il 25 ottobre 2002 esce il nuovo album “Woman” che contiene 8 brani in inglese, 2 in spagnolo ed 1 in francese. Nell’album spicca il duetto “Tears of love” con Demis Roussos: rielaborazione della famosa “Rain and tears” cantanta dal leader degli Aphrodite’s Child.
Sempre nello stesso anno esce nelle librerie il primo libro scritto dalla cantante: “Briciola, storia di un abbandono”, una fiaba animalista per i più piccoli, ma anche per i grandi edita dalla Ciscra e venduta in due diverse confezioni che tra l’altro contengono anche la canzone “Briciola” scritta e cantata da Ivana Spagna appositamente per la fiaba. Dall’album “Woman”, intanto, vengono estratti come singoli destinati solo alla diffusione radiofonica l’omonima “Woman” e “Rain and Tears”. Proseguono gli impegni di Ivana Spagna per la promozione dell’album Woman e da maggio è in tour con il nuovo “Woman Tour” che ci accompagnerà per tutta l’estate. Il singolo “Never Say You Love Me” viene tradotto in spagnolo e diventa “No Digas Te Quiero” subito in vetta alle classifiche spagnole. Nell’estate del 2003 Ivana viene inoltre insignita del Premio Letterario Internazionale Ostia Mare nella sezione Letteratura per l’infanzia come scrittrice per il libro “Briciola – storia di un abbandono”. Una carriera piena di raggianti successi. Ma il bello deve ancora arrivare…

Il 23 maggio 2003 esce l’attesissimo “Sono io – l’uomo della storia accanto” di Claudio Baglioni, che nel giro di due settimane si aggiudica il disco di platino con 250.000 copie vendute. Dopo gli anni della sperimentazione, siamo di fronte ad un Baglioni che ritorna alle origini, ai temi e ai tempi musicali a lui più congeniali. La ritmata “Sono io” introduce l’ascoltatore tra le note di chi richiama sé stesso: il ricordo di un amore finito in “Tutto in un abbraccio” (nel ritornello l’abuso di parole come “tuffo” e “crepaccio” lo fanno sembrare la controfigura di Anonimo Italiano, il suo clone degli anni novanta); lo scontro e il confronto tra genitori e figli in “Grand’uomo” (dedicata al figlio Giovanni a ventun’anni di distanza da “Avrai”); l’assenza per la persona che amiamo in “Mai più come te”; una buffa dichiarazione d’amore dei nostri tempi in “Serenata in Sol”; la nostalgia e il dolore per il padre scomparso in “Patapàn”; incisi sulla fine della vita per guardare oltre in “Di là dal ponte” o una sentita preghiera in “Per incanto o per amore”. Un Baglioni che si sente a proprio agio, ritrovando nel suo vecchio dizionario sentimenti e sensazioni alla portata di tutti, un frasario e uno stile che lo rendono incisivo ed immediato. Dopo 18 anni dall’uscita di “La vita è adesso”, un’altra trasformazione nel look: occhiali scuri, pelle abbronzata e capelli imbiancati.

DAL VIVO – I 40 anni di carriera di Claudio Baglioni sono raccolti in sette album dal vivo realizzati tra il 1982 e il 2000, che meritano comunque di essere citati. A Natale del 1982 esce il doppio Alé-OO’, primo album live , che conquista sette dischi di platino.A seguito della tournée “Assolo” da maggio a settembre 1986, a novembre pubblica il triplo album Assolo, con l’inedito “Il sogno è sempre”. Il musicista romano è da solo sul palco con chitarra elettrica, chitarra acustica, piano elettrico e organo per realizzare un live davvero unico ed inimitabile con ben 47 canzoni.Dal tour del 1992 “Oltre, il concerto”, Baglioni seleziona i 32 pezzi migliori e li inserisce negli album Assieme e Ancorassieme, usciti rispettivamente a luglio e a novembre del 1992. I classici rivivono con nuovi ed accattivanti arrangiamenti, mentre le canzoni tratte da “Oltre” vengono eseguite dal vivo con intensa partecipazione.Da questo momento Baglioni comincia a guardare verso lo spettacolo teatrale che si concretizza nell’indimenticabile “Tour Rosso”, che raccoglie 420.000 persone in tutta Italia. Testimonianza di questo viaggio spettacolare è il doppio live Attori e Spettatori, dove la maggior parte dei pezzi riprende gli stessi arrangiamenti dei live “Assieme” e “Ancorassieme”. E’ interessante per la versione rap di “Poster” e per l’interpretazione di “Fammi andar via”.Il 24 settembre 1998, al culmine di una fortunata serie di concerti negli stadi, esce il triplo A-live, un’inutile antologia dal vivo con canzoni tratte dai precedenti album dal vivo e un solo cd di nuove versioni live con l’inedita “Arrivederci o Addio”. Le vendite aumentano con l’uscita del doppio Acustico, che dal 24 novembre 2001 raggiunge in poco tempo le 150.000 copie. Un doppio album intimo che raccoglie la maggior parte dei pezzi suonati durante la tournée “Sogno di una notte di mezza estate”, realizzata negli anfiteatri del nostro Paese. Gli ultimi live sono Crescendo e cercando (2005) e Quegli degli altri tutti qui (2006).

Dopo cinque anni di silenzio di Claudio Baglioni, il 26 settembre 1995 esce “Io sono qui”, un nuovo album strutturato come un film musicato. Infatti, i 12 brani inediti sono intervallati da brevi intermezzi musicali (Inzio, Primo Tempo, Secondo Tempo, Intervallo, Terzo Tempo, Quarto Tempo, Fine)che rievocano il percorso dell’opera d’arte cinematografica.A parte l’orecchiabile “Io sono qui”, la struggente “Fammi andar via”, il remake della famosa canzone napoletana “Reginella” o la variopinta “Bolero”, l’album non mantiene una chiara e costante identità musicale. Da segnalare “I titoli di coda” dove si avverte in maniera prepotente il timore da parte dell’autore dell’arrivo repentino della morte. Tema particolarmente caro al Baglioni degli anni novanta.

ANIME IN GIOCO (1997) - Reduce assieme a Fabio Fazio del successo televisivo “Anima mia”, revival tv degli anni settanta, Baglioni pubblica il 15 maggio 1997 un album contenente le re-incisioni dei migliori pezzi eseguiti durante la trasmissione. In “Anime in gioco”, Baglioni duetta tra l’altro con Enzo Jannacci (”E la vita la vita”), Roberto Vecchioni (”Donna felicità”), Riccardo Cocciante (”Pippi Calzelunghe” che diventa una canzone malinconica!)e Orietta Berti (”Il nostro concerto”). Una rivisitazione scherzosa di brani editi che fanno parte della scaletta musicale degli anni di piombo. Per gli appassionati delle serie tv, si segnalano le sigle dei telefilm “Sandokan” e “Mork e Mindy”; e dei cartoni animati “Heidi” ed “Ufo Robot”. Un Baglioni diverso che non avremmo mai immaginato!

VIAGGIATORE SULLA CODA DEL TEMPO (1999) – Anche Baglioni vive e cerca di catturare un momento importante della nostra storia collettiva: la fine del XX secolo e il passaggio al terzo millennio. Il 30 ottobre 1999 esce “Viaggiatore sulla coda del tempo”, un album che si sforza a fatica di essere sperimentale e di trovare nell’atmosfera ipertecnologica del terzo millennio nuovi suoni e sonorità. Sembra un lavoro discografico venuto dallo spazio (nella copertina Baglioni assomiglia più a un personaggio di “Star Trek” che a sé stesso!), in certi punti poco personale e molto artefatto. Si segnalano i brani “Cuore di aliante”, usato dalla Omnitel come tormentone per uno spot pubblicitario, “Opere e omissioni”, “A domani” e “A Cla’”. E’ l’album meno entusiasmante della carriera del musicista romano.

“Strada Facendo”, disco di platino, apre un nuovo decennio per Claudio Baglioni e si colloca come il primo capitolo di una trilogia di successo che culminerà nel 1990 con il doppio album “Oltre”. Pubblicato nel giugno 1981, è sicuramente l’album più autobiografico di Baglioni, che nell’omonima canzone tira le somme sul percorso fatto e su quello che c’è da fare, “lasciandosi dietro il sellino della moto una parola che assomiglia a quella di speranza” (questa frase sarà l’epitaffio di Alé-Oo’, la prima grande tournée di Baglioni). Le canzoni sono congiunte dal brano “51 Montesacro”, scomposto in quattro parti che rievocano l’infanzia di Claudio, tra sogni e piccole fantasticherie in una camera in subaffitto della Roma degli anni cinquanta. Un viale di canzoni che rispolverano le tappe della vita: l’ansia di libertà e di fuga (”Via”), la senilità in bilico tra saggezza e le ombre della morte (”I vecchi”), la vita della notte che precede la luce del giorno (”Notti”), un dolce ritratto dei paesi dell’Est (”Ragazze dell’Est), immagini sbiadite della vita che scorre (”Fotografie”), una tenera serenata (”Ora che ho te”), e in chiusura, un canto di augurio per un domani migliore (”Buona Fortuna”).

LA VITA E’ ADESSO (1985) – Arrangiato da Cerare Valli, “La vita è adesso” esce a giugno e si rivela l’album più cantato di tutta l’estate 1985. Un’altra importante sterzata nella vita del cantautore romano, che si è liberato della sua zazzera e si ripresenta al pubblico con un nuovo look. 10 canzoni inedite con un approccio al verso del tutto nuovo. Tagliando i ponti con l’asfissiante grammatica della struttura metrica, Baglioni accorpa i versi dei brani e li fa ricorrere uno dietro l’altro. Ogni parola acciuffa l’altra e l’effetto sonoro è sorprendente. Si segnalano le struggenti “Tutto il calcio minuto per minuto” e “E adesso la pubblicità”; la drammatica “Uomini persi” (in filigrana affronta il tema del terrorismo); le speranzose “Un nuovo giorno o un giorno nuovo” e “L’amico e domani”; la sentimentale “Amori in corso” e il bellissimo notturno “Notte di note note di notte”. Se in “Strada facendo”, brano di punta del precedente album, Baglioni faceva i conti con il passato e col divenire, nella canzone “La vita è adesso” si scompone e ricompone il tempo presente come unica certezza della vita che scorre. “La vita è adesso” è uno splendido inno alla vita, ai piccoli particolari, alle piccole emozioni della nostra fugace esistenza.

OLTRE (1990) - Nel novembre 1989 parte la campagna di prenotazione del nuovo e misterioso album di Baglioni. Non trapela niente. Un anno dopo, il 16 novembre 1990 esce finalmente il doppio “Oltre – Un mondo uomo sotto un cielo mago”, un lavoro discografico molto complesso partorito dopo un lungo periodo di gestazione (la corsa affannosa in apertura nel brano “Dagli il via” rappresenta questo stato d’animo). Nei giorni precedenti, il musicista era rimasto illeso da un brutto incidente. Nonostante le 100.000 copie vendute nel giro di due settimane, al primo ascolto il pubblico resta perplesso di fronte a questo nuovo Baglioni. Ci vorrà tempo prima di rendersi conto che questa è l’opera maxima del cantautore romano, finalmente liberatosi dall’etichetta della ballata d’amore sdolcinata e mielosa. “Nel mezzo del cammin di nostra vita…”, il Claudio quarantenne decide di affrontare un viaggio interiore ai confini della propria coscienza di uomo e di artista. L’immagine della bellissima ed emblematica copertina lo vede sofferente tra le fiamme di una dimensione quasi infernale. “Oltre” è un viaggio catartico, attraverso 20 brani inediti, per rivivere e centellinare i temi universali della nostra esistenza: dalla magia e superstizione di “Acqua dalla luna” al richiamo della morte di “Tamburi lontani”, dalla fine di un amore eterno di “Mille giorni di te e di me” (una delle ballate più intense degli ultimi trent’anni) alla ricerca di una tranquillità interiore di “Io dal mare”. La figura femminile perde ogni connotato autobiografico (pensiamo alla “Signora Lia” degli anni settanta) e diventa evanescente ed irraggiungibile come la “Signora delle ore scure”, mentre lo stesso cantico d’amore affonda le radici in una complessità meditativa mai ascoltata prima (”Domani mai” o “Noi no”). La canzone d’apertura “Dagli il via” è lo spartiacque e l’anello di congiungimento tra il Baglioni di ieri e quello di oggi. Nell’album, ospiti d’eccezione come la compianta Mimì Berté, in arte Mia Martini.

Claudio Baglioni (1970), album di esordio del cantautore romano, è un tessuto di stati d’animo molto personali che richiamano la quotidianità dello stesso Baglioni. Il brano di apertura è la malinconica “Notte di Natale” (blasfema secondo la dirigenza RAI che la censurerà nel 1971) che si affianca alla triste “Le lacrime di marzo”, dove serpeggia l’angoscia per una morte prematura e la presa di coscienza sulla caducità della vita. A parte la loquace “Una favola blu”, l’intero album segue un itinerario molto interiore che culmina con i brani “I silenzi del tuo amore” e “Mia cara Esmeralda”. Un Baglioni acerbo di non facile ascolto, un collage di singoli messi assieme dalla RCA. Eliminato subito dal mercato, l’album sarà ristampato soltanto nel 1988.

UN CANTASTORIE DEI GIORNI NOSTRI (1971) – La copertina lo ritrae assieme al suo fedele compagno d’avventura: il pianoforte. Alcuni brani della session dell’anno precedente vengono riproposti con l’aggiunta di alcuni inediti. La RCA, infatti, aveva deciso di eliminare definitivamente l’album “Claudio Baglioni” dal catalogo e mandare al macero le copie in giacenza. Con questo LP, uscito nel settembre 1971, inizia la discografia ufficiale di Baglioni, che diventa un cantastorie e traccia il profilo di stati d’animo e persone che appartengono alla vita di tutti i giorni: una passionale dichiarazione d’amore (”Se…caso mai”), l’insoddisfazione e l’infedeltà di una donna (”Signora Lia”), la pensione del mendicante Samuel che arriva troppo tardi (”Vecchio Samuel”) o i momenti sbarazzini che ci regala la vita (”Io la ragazza e la gente”). L’album conserva quell’atmosfera intima e lunare del precedente.

QUESTO PICCOLO GRANDE AMORE (1972) – “Questo piccolo grande amore”, pubblicato il 30 settembre e balzato nel 1972 ai primi posti della hit parade, viene segnalato non solo perché contiene la celeberrima ballata che consacra definitivamente Baglioni. E’ tra i primi concept-album realizzati in Italia, ovvero un album a tema. Di fatto, le 14 canzoni che lo compongono sono unite tra loro da un leit-motiv unico: l’amore come sentimento incomparabile ed universale, nelle sue diverse manifestazioni. Il sipario si alza su “Piazza del Popolo” e “Porta Portese”, luoghi iconografici della Roma di Baglioni, per raccontare l’evoluzione di un amore dall’inizio alla fine attraverso l’incontro (”Una faccia pulita”), il litigio (”Battibecco”), l’innamoramento (”Con tutto l’amore che posso…”), il matrimonio (”Io ti prendo come mia sposa”), l’amore del passato (”Questo piccolo grande amore”), la nostalgia (”Sembra il primo giorno”). Tocco di classe la copertina, con un disegno che proietta le emozioni in una visione fumettistica. Il 6 gennaio 1985, “Questo piccolo grande amore” sarà proclamata la canzone d’amore più bella del secolo.

GIRA CHE TI RIGIRA AMORE BELLO (1973) – Il legame tra il cantautore e la sua città, che si snoda in quest’album, è evidenziato dalla copertina. Sullo sfondo della Roma imperiale, Baglioni si fa ritrarre assieme alla sua Camilla, l’inseparabile auto Citroen 2cv divenuta un oggetto di culto e data in fiamme durante le riprese del video dell’album. Le canzoni di “Gira che ti rigira amore bello”, uscito nel maggio 1973, sono legate da un sottile filo autobiografico che sfiorano la tenerezza delle pagine di un diario: dalla drammatica “Gira che ti rigira” alla scanzonata “W L’Inghilterra”, dalla struggente “Io me ne andrei” allo squarcio fotografico di “Ragazza di campagna”, dalla romantica “Amore bello” alla più intima “Lettera”. Un album lineare dove l’amore e la nostalgia tentano altre strade, altri

Se non finisse mica il cielo, il canto del cigno non si fermerebbe più. Chi lo arresterebbe più, anche se il mistero della morte ci avvolge e ci decompone. La voce di un cigno non finisce più, continua ad echeggiare attorno a noi e ce la troviamo a ronzare accanto a noi in ogni momento della giornata. E’ successo per molti voci che hanno smesso di cantare per fatalità o per il duro gioco del destino, e non poteva non accadere per Mia Martini (1947-1995), indimenticabile icona della musica leggera italiana, scomparsa dieci anni fa. Gli anniversari a volte sono così miseri e deplorevoli perché per lo più finiscono per diventare per qualcuno operazione di marketing e business.

DA DOMENICA A MIMI’ – L’adolescenza di Domenica Berté si consuma tra il canto, la danza e lo studio del pianoforte. Il suo talent scount è Carlo Alberto Rossi, l’autore di “E se domani”, che per la sua etichetta milanese Juke Box le fa un provino e le affida il primo disco a soli 15 anni. Il titolo sembra quasi profetico: “I miei baci non puoi scordare”, e forse quei baci ricchi di emozione e passione non li abbiamo davvero mai più dimenticati. Una gran bella soddisfazione per chi crede nel canto, per chi vuole viverlo come uno stile di vita, forse anche come un modo per esorcizzare le piccole paure e fragilità della vita di tutti i giorni.Il passaggio artistico da Domenica a Mimì Bertè avviene nel 1964 con la vittoria al Festival di Bellaria con il pezzo “Il Magone”. Ad accompagnarla c’è un nuovo look: codini e scamiciata. Negli anni romani, frequenta il liceo artistico e si dedica anima e corpo alle jam-session, interpretando il repertorio di mostri sacri come Ella Fitzgerald, Sara Vaughan, e Aretha Franklin.

SEMPLICEMENTE, MIA – Nei primi anni settanta canta al Piper 2000 di Viareggio e si fa notare da Alberigo Crocetta: nasce Mia Martini. Nel nome d’arte c’è l’omaggio all’attrice Mia Farrow, nel cognome d’arte il richiamo al Martini, bevanda famosa made in Italy. Una buona strategia di marketing commerciale, magari per tentare il successo anche oltralpe. Il look è davvero provocatorio con bombetta, e le permette di firmare il primo contratto con la RCA per il concept- album “Oltre la collina”, prodotto da Baglioni e Coggio, con la canzone”Lacrime di Marzo”, scritta dallo stesso duo di “Questo piccolo grande amore”. Dopo il passaggio discografico alla Ricordi, nel 1972 ottiene il successo di critica e di pubblico al Festivalbar con il brano “Piccolo uomo”. Gli anni settanta trascorrono tra cambi repentini di look e una collezione di successi: da “Minuetto”, firmata da Califano e Baldan Bembo, a “Inno”, da “Libera” a “La costruzione di un amore”, scritta dal suo compagno Ivano Fossati.

GLI ANNI ‘80 E ‘90 – Gli anni ottanta si aprono con la partecipazione al festival di Sanremo. Nel 1982, l’anno in cui vince Riccardo Fogli con “Storie di tutti i giorni”, la Martini conquista la platea dell’Ariston con “E Non finisce mica il cielo”. Prova a ritornarci tre anni dopo con un brano scritto per lei da Paolo Conte ma viene bocciata alle preselezioni. Comincia un periodo di lungo silenzio che termina nel 1989, quando Bruno Lauzi e Maurizio Fabrizio la riportano in auge proprio al festival di Sanremo con il gioiello “Almeno tu nell’universo”. Si aggiudica il premio della critica e si dedica all’interpretazioni di brani di giovani autori come Enzo Gragnaniello. Interpreta belle canzoni che diventano molto popolari ed entrano a far parte dell’immaginario collettivo de confuso canzoniere italiano di quegli anni. Si pensi a “La nevicata del ‘56″, a “Donne” o a “Cu ‘mme”, incisa assieme all’ugola napoletana Roberto Murolo. Dopo anni di litigi e allontanamenti, si riavvicina alla sorella Loredana e nel 1993 porta in coppia con lei sul palco di Sanremo la canzone poco fortunata “Stiamo come stiamo”. Tuttavia, dalla metà degli anni novanta comincia un lento periodo di declino che si conclude nella tragica morte del maggio del 1995.

UNA STELLA DA RICORDARE – Mia Martini rimane una delle voci più belle della nostra tradizione musicale. Durante un’intervista, Claudio Baglioni mi ha detto: “E’ nella nostra memoria. Mimì era una ragazza fantastica, una grande artista. Io ho avuto la fortuna di scrivere delle canzoni per lei ed è stata l’unica per cui sono riuscito a scrivere qualcosa”.Quella sua voce aggressiva e roca come la carta vetrata ha contribuito a farla diventare col tempo un’interprete di classe. Purtroppo, Mimì Berté è stata un’altra vittima dello star-system della musica leggera. Le dicerie malefiche e superstiziose che la hanno fatta passare come che portasse energie negative, ha fatto sì che in molte occasioni rimanesse ai margini. E forse, proprio questa assurda marginalità, ha dato il soffio finale su quella fiammella che l’ha portata via. Di lei ci manca soprattutto quella tendenza ad entrare in simbiosi con ogni canzone che passava davanti al suo microfono. Adesso quelle canzoni le appartengono.

DISCOGRAFIA ESSENZIALE – Oltre la collina (1971); Nel mondo una cosa (1972); Il giorno dopo(1973); Mia Martini(1973); E’ proprio come vivere (1974); Sensi e controsensi(1975); Un altro giorno con me (1975); Che vuoi che sia…se t’ho aspettato tanto(1976); Per amarti (1977); Danza (1978); Mimì (1981); Quante volte ho contato le stelle (1982); Miei compagni di viaggio in concerto(1983); Martini Mia(1989); La mia razza(1990); Mi basta solo che sia un amore(1991); Mia Martini in concerto(1991); Lacrime (1992); Rapsodia (il meglio di mia martini)(1992); Indimenticabile mia(1996); Mia Martini 1996(1996); Il meglio di Mia Martini(1997); Una donna, una storia (1998); Mimì sarà(2000); Canzoni segrete(2003); I colori del mio universo (2006).