Negli ultimi anni aveva mostrato una vena polemica nei confronti dello star-system discografico perché non gli dimostrava più abbastanza considerazione. Nell’epoca dell’usa e getta vi sono finiti tutti e le canzoni dei grandi cantautori, che in ogni parola custodivano gelosamente il vezzo di una poesia, sembrano roba di altri tempi. Anche Sergio Endrigo (1938-2005) se n’è andato.Se n’è andata un’altra voce, un’altra storia, un’altra Italia. L’Italia “povera ma bella” che si innamorava con una canzone, si commuoveva dinanzi ad una melodia, impallidiva di fronte ad una nota stonata, l’Italia che aveva ancora il comune senso del pudore. 

SERGIO & ENDRIGO – La malinconica “Aria di Neve”, la sbarazzina “Viva Maddalena”, la passionale “Canzone per te” o la romantica “Lontano dagli occhi” sono ancora galoppate sincere all’interno del nostro canzoniere. Mentre i nostri figli dichiarano i loro sentimenti con un sms o una banale suoneria, i nostri genitori si sono innamorati e amati su questi spartiti: soltanto per questo dobbiamo qualcosa a Sergio Endrigo. Ma gli devono qualcosa anche i bambini perché il suo estro, nascosto dietro quella sua timidezza che qualche volta lo faceva apparire un po’ orso, ha dato vita alla famosa “Ci vuole un fiore”, piccolo inno alla vita scritto a quattro mani con Gianni Rodari. A proposito della sua gavetta, raccontava con nostalgia: “All’Hotel Excelsior, dove lavoravo dall’inizio dell’estate del ‘52, canticchiavo da solo in ascensore o nella toilette sperando che qualche produttore americano di passaggio mi sentisse e mi portasse a Hollywood… Sempre in quell’anno ci fu al teatro Malibran un concorso per cantanti dilettanti ed io cantai September Song. Arrivai secondo perché vinse uno che cantava Pasquale ‘nnammurato. Quasi un segno premonitore: infatti questa fu la prima volta in cui a mie canzoni sono state preferite altre di rilevante…significatività”.

DALLE BALERE ALLA CANZONE D’AUTORE – Dal 1952 al 1958, infatti, Endrigo finì per cantare in balere, dancing e night-club, dal Dancing Cristallo di Mestre all’Hotel Bellevue di Cortina d’Ampezzo, dall’Embassy Night-Club di Milano all’ Hotel Bauer Grunwald. Iniziava un percorso, un processo di maturazione che negli anni successivi avrebbe dato i suoi frutti. Il resto lo conosciamo tutti: è già storia, leggenda. Le persone si dissolvono ma per fortuna restano le canzoni a farci compagnie, a farci innamorare nuovamente, a farci rimpiangere con nostalgia gli amori perduti e magari, in una serata stellata di settembre, a farci ritornare la voglia di spingerci fino al davanzale della finestra e canticchiare:” Ma oggi devo dire che ti voglio bene, per questo canto, e canto te. E’ stato tanto grande ormai, non sa morire per questo canto, e canto te”.Arrivederci Endrigo, sognatore e poeta di un’Italia semplice e pulita, che purtroppo adesso non c’è più. Quell’Italia non mi appartiene per una questione anagrafica, ma la preferisco a quella di oggi.

DISCOGRAFIA ESSENZIALE – Sergio Endrigo (Rca, 1962); Endrigo (Rca, 1963); La vita, amico, è l’arte dell’incontro (Cetra, 1969); L’Arca di Noè (Cetra, 1970); La voce dell’uomo (Ricordi, 1974); Ci vuole un fiore (Ricordi, 1974); Canzoni venete (Ricordi, 1976); Sarebbe Bello (Vanilla, 1977); Donna mal d’Africa (Vanilla 1978); …E noi amiamoci (Cetra, 1981); Mari del Sud (Cetra, 1982); E allora balliamo (Rca, 1986); Il giardino di Giovanni (New Enigma, 1988); Qualcosa di meglio (GRD, 1993); Altre emozioni d’autore (Grd, 2003).

Simona Bencini, classe 1969, è nata in una famiglia in cui la musica e la passione per il canto erano di casa: sia la madre che il nonno erano dei bravissimi cantanti di stornelli fiorentini. Si forma tra cover band, jingle pubblicitari, musica dance per il mercato giapponese con i Monnalisa, perfezionando uno stile interpretativo e vocale sempre più vicino a quello del soul. Nel 1990 arriva l’importante incontro con i Dirotta su Cuba, un gruppo funky-soul. Dal 1992 fa il suo esordio come lead vocal, l’omonimo album “Dirotta su cuba” del 1995 che balza in cima alle classifiche. Presto arriverò da te è il nuovo singolo dell’ex Dirotta su Cuba. Abbiamo conversato piacevolmente con la vocalist fiorentina, che ti colpisce subito per il suo raggiante sorriso e per la grande passione che mette nelle cose che fa.

Simona, sei una delle donne più interessanti del panorama musicale italiano. E’ tutto genetico, visto che in famiglia…
“Ti ringrazio prima di tutto per tale considerazione! Effettivamente una predisposizione genetica c’è. Mio nonno Sergio suonava la chitarra e cantava gli stornelli, mia madre, Franca Fligor, che ha anche un bellissimo nome per fare la cantante, dai 6 anni ai 21 andava in giro con il padre a cantare per mantenere la famiglia, ha cantato in molte orchestre della zona fiorentina. Mio fratello Alberto suona la batteria e balla l’hip-hop ed io ho proseguito la carriera interrotta da mia madre. Il Dna perciò non è certo un’opinione!”

Tu sei fiorentina e vieni da una città che vive troppo di passato. Cosa ti ha lasciato di positivo Firenze per le tue scelte musicali?
“Nelle scelte mie musicali poco e niente… Firenze, anzi, è sempre stata una città rock, che pullulava di festival e concorsi soltanto per musica rock. Anzi è stato un miracolo che proprio da Firenze partisse questa vena funky! I Dirotta erano veramente delle mosche bianche al tempo, nessuno faceva musica come la nostra. Era impossibile non notarci. Diciamo che la città in sè e per sè non ha contribuito un gran chè, non c’erano molti posti in cui suonare dal vivo (oggi ancora meno) e in giro solo rockettari. Però erano gli anni in cui io e Irene Grandi facevamo gavetta insieme, gli anni della formazione di grandi jazzisti come Stefano Bollani, del successo dei Litfiba e del movimento new-wave fiorentino, dei cantanti pop prodotti da Bigazzi e Dado Parisini. Sicuramente Firenze nei primi anni Novanta era molto più viva musicalmente rispetto adesso, questo sì. Le tendenze si sviluppavano e si seguivano. L’onda acid-jazz per esempio è arrivata a Firenze come una fresca ventata di musica nuova e noi eravamo le star in patria! Oggi Firenze, e in genere la Toscana, si è dimenticata di noi.”

L’incontro con i Dirotta su Cuba è stato un fulmine a ciel sereno! Quale è stato il successo di quel percorso musicale?
“Una favola bellissima, un sogno tanto desiderato e inaspettatamente realizzato. Il successo dei Dirotta è stato un mracolo, un’alchimia di elementi nel momento giusto, nel posto giusto, con le persone giuste: un genere che in Italia non esisteva cantato in italiano, la caparbietà nel proporlo alle case discografiche nonostante diversi anni di porte sbattute, un nome originale, fortissimo che non si può non ricordare, un primo singolo come Gelosia che aveva sound, ritmo, melodia da tormentone, arrangiamento curatissimo, un testo orecchiabile, una grande energia nel live e alta qualità musicale. Tantissimi i musicisti in Italia nostri fans ci emulavano… insomma, c’era un’idea forte alla base e il momento storico giusto per proporla, grazie all’onda acid jazz che cominciava a spopolare in Italia. Difficile invece è stato mantenere alto il livello raggiunto col primo disco soprattutto da un punto di vista commerciale (vendemmo 100 mila copie). Quando non riesci più a raggiungere il traguardo del primo disco, arrivano le pressioni della casa discografica che si riflettono inevitabilemente all’interno del gruppo. Poi la crisi della vendita dei cd, l’arrivo di Internet che cambia il modo di acquistare la musica…”

Perché hai deciso ad un certo punto di intraprendere la strada da solista e quali risultati potresti appuntare su questi nuovi passi?
“Non è stato facile prendere questa decisione, ci ho messo quasi due anni. L’uscita dal gruppo di Stefano De Donato nel 2000 ha lasciato dietro di sè molte ferite aperte. Io e Rossano abbiamo cercato di proseguire da soli, ma non era più come prima, troppe energie sprecate in cose che con la musica non c’entravano niente… Intanto la mia casa discografica mi faceva la corte e così col tempo l’idea della solista ha cominciato a farsi strada dentro di me. Mi sono arricchita, sono diventata più forte. Ho preso lezioni di pianoforte ed ho scritto la gran parte dei brani racchiusi in Sorgente, il mio primo album da solista, uscito nel 2005. Una cosa di cui sono orgogliosa, e che mi mancava coi Dirotta, è che ho cominciato a collezionare tante collaborazioni con altri artisti: da Stefano Bollani a Elisa, da SarahJane Morris a Renato Zero”.

“Presto arriverò da te” è il titolo del tuo nuovo singolo. Internet ha cambiato il modo di fruire la musica tanto che il tuo nuovo pezzo uscirà su I-Tunes. Perché?
“Io e il produttore Max Calò non abbiamo voluto aspettare la chiusura dell’album prima di farlo uscire… Essendo un brano “da viaggio”, solare e positivo credevamo che non ci fosse momento migliore di questa estate per farlo uscire! La scelta di renderlo acquistabile solo sul web è sicuramente dettata prima di tutto dall’osservazione della realtà, di quello che sta succedendo sul web rispetto alla musica che sempre più viene caricata direttamente sul proprio I-Pod; l’altra è un fatto pratico, di velocità di distribuzione del prodotto e di un ammortamento dei costi di stampa di un cd. D’altronde da pochi mesi ho seguito la strada delle etichette indipendenti, più appassionate e più entusiaste, ma con mezzi e budget minori”.

Progetti a breve scadenza…
“Concretamene un po’ di live e promozione, ma soprattutto il proseguimento ed ultimazione della scrittura del nuovo album insieme a Max. Per quanto riguarda i miei sogni ne avrei tanti nel cassetto. Mi piacerebbe per esempio fare un disco acustico, oppure incidere in un’altra lingua per il mercato straniero. E fra un progetto e l’altro e i miei sogni… trovare il tempo per mettere al mondo un figlio…

Indossa un vestito seta viola e glicine. Scintillano le scarpe di velluto rosso che contornano tra i capelli lunghi tanta femminilità. Arriva così Carmen Consoli. La nostra “bambina impertinente” è in splendida forma e si racconta tranquillamente.

Carmen, hai il dono dell’ubiquità? Come fai essere ovunque, quasi contemporaneamente?
“Ci tenevo tanto ad essere qui a questa grande festa della musica. Sono molto legata a Mtv. Il 25 settembre sarò al festival dell’estate newyorkese, all’interno del Parco centrale (Central Park, ndr.) della Grande Mela. Strano? Quando parlo in italiano non mi va di cambiare lingua… Anzi direi pure Nuova York!”.

Provi emozioni diverse quando canti in italiano e siciliano?
“Assolutamente no! Scopro il siciliano giorno dopo giorno ed è bello sapere che posso insegnare ad un milanese, attraverso le mie canzoni, che per esempio taliare nella mia lingua significa guardare. Sento che la mia prima lingua è l’italiano, ma non dobbiamo dimenticare che le origini dell’italiano sono in Sicilia, poi in Toscana. La lingua è identità ed è importante riscoprirla”.

Hai collaborato con Emma Dante, fiore all’occhiello della nuova drammaturgia siciliana. Cosa ti resta di questa esperienza?
“Emma ha agevolato questo mio percorso di riscoperta. Sono fiera dalla mia sicilianità del cuore siciliano, vero e sincero. Se ti capita di andare in Sicilia e sarai ospite di qualcuno sarai trattato come re. Magari passano tutto il giorno a cucinare per te, ti portano in tavola di tutto, pur sapendo che magari non riuscirai a finire tutto”.

Dal teatro sgattaioli al cinema. Penso al brano “L’ultimo bacio”, nella colonna sonora dell’omonimo film di Gabriele Muccino…
“Adoro il cinema, e poi penso che ci siano affinità con la musica. Penso che Muccino sia un vero talento. Non mi intendo molto di inquadrature, ma mi soffermo molto sulla sceneggiatura, da cui traggo lo spessore dei personaggi. Mi piace andare a vedere un film e aver letto la sceneggiatura. Amo registi come Rossellini e Fellini. Penso che in Italia si dovrebbe tornare a fare un film poetico come Stromboli…”

Ti senti pronta per scrivere una colonna sonora?
“Mi piacerebbe tanto. Ho studiato tanta musica, ma per lavorare su un’intera colonna sonora occorre ancora tempo. Assieme al mio gruppo facciamo diversi laboratori per individuare diversi percorsi. Non ti nascondo che mi sono state fatte svariate proposte, ma non mi sono sentita pronta. Magari col tempo…”

Internet ha cambiato il modo di distribuire la musica. Qualcuno declama la fine dei cd nel giro di pochi anni. Ti inquieta o ti stimola questa situazione?
“Il mio mestiere è scrivere musica, il resto è un problema che riguarda i discografici. Che ci sia un supporto, il web o un microchip, l’importante è che la musica arrivi al pubblico. Alla fine abbiamo sempre il live. Si possono clonare gli album ma non Carmen Consoli (ride)! Tutto sommato trovo giusto che la musica venga distribuita e che abbia un accesso facile. E’ sempre promozione. E poi Internet permettere a più persone di ascoltare la mia musica, e questo non può che entusiasmarmi. Cosa dire di Prince che regala gli album ai suoi concerti? Io continuerò a scrivere la mia musica, pazienza, vorrà dire che anche io regalerò la mia musica durante i concerti”.

Lavori in corso?
“Ho trascorso gli ultimi tre mesi in Sicilia. Sto lavorando al dvd del concerto di Milano, scegliendo tra una marea di canzoni ed immagini. Il resto verrà.”

La sua voce è da “brivido caldo”. Silvia Mezzanotte, ex front woman dei Matia Bazar, conversa piacevolmente con noi a pochi giorni dall’uscita del nuovo album Lunatica. Oltre a brani inediti, Silvia rilegge pezzi di altri, attraversando note diverse e passando con disinovltura da Battiato a Cocciante.

Silvia, hai avuto una bella crescita artistica. Quale è il segreto?
“Non c’è una formula precisa. Occorre prepararsi, studiare e capire attraverso gli insegnanti quale talento pensi di avere. Creatività e comunicazione sono due marce fondamentali per chi fa il mio lavoro. Purtroppo a chi inizia adesso si richiedono subito cose che prima conquistavi passo dopo passo: avere una personalità, un look preciso e così via”.

Hai appena rinnovato il tuo sito. Quanto ti convince Internet?
“Sono sincera. La rete ci ha dato e tolto. Da una parte il download, anche legale, non riesce a colmare la precarietà del guadagno. Dall’altra ci fa navigare tra le onde della globalizzazione e ci permette uno scambio continuo di idee. Pensa che un brano inedito del mio nuovo disco l’ho scelto tra le centinaia di canzoni arrivate attraverso il mio Myspace. Sono comunque un’internauta che cerca sempre un contatto diretto col pubblico, e perciò disapprovo le realtà virtuali come Second Life”.

Una volta le case discografiche facevano il bello e il cattivo tempo. Adesso il pubblico può persino scegliere quale singolo estrarre dall’album del suo beniamino. Questa rivoluzione digitale non porta troppe concessioni?
“Il pubblico di Internet è quello radiofonico, quello spaparanzato sul divano a guardare MTV o All Music. Sa bene quello che vuole e può davvero aiutarti a capire quale sia la giusta direzione di un pezzo”.

E il talent scout esiste ancora?
“L’ho ritrovato nel programma X Factor, che seguo con interesse. Mi piace molto il ruolo di Morgan, perché è uno che sceglie puntando allo sviluppo e alla creatività di un musicista, lasciando in disparte la tentazione di plasmare personaggi televisivi”

L’avventura con i Matia Bazar?
“Cinque anni importanti e sono molto contenta di aver dato una mia impronta ai passaggi vocali, rispettando, ma non subendo il passato. Mi sono adattata alle regole di gruppo, ma poi avevo voglia di venir fuori diversamente”.

In che modo?
“Percorrendo un mio tragitto individuale. Se ascolti Lunatica, ti rendi conto che in alcuni brani c’è il desiderio di spalancare le finestre alla parte più nascosta del mio carattere. Nella rilettura di Oggi un Dio non ho volevo affrontare il mio rapporto con la spiritualità, mentre In Silvia che freddo c’è molto del necessario equilibrio tra introversione ed estroversione, c’è quella Silvia lunatica, con le sue fragilità e paure”.

Classe 1977, Simone Cristicchi è tra i cantautori romani più interessanti del panorama emergente. Appassionato di fumetti, è stato persino allievo del grande Jacovitti. Nel 2000 si fa conoscere dal palco di Il Locale, assieme ad altri giovani cantautori della nuova scuola romana come Daniele Silvestri. Il singolo del 2005 “Vorrei cantare come Biagio” lo ha confermato rivelazione dell’anno, tanto che lo stesso Antonacci lo invita a cantarla in apertura di un suo concerto. Nel 2006 si porta a casa la prestigiosa targa Tenco 2006 e pochi mesi dopo il Festival di Sanremo 2007 con il brano “Ti regalerò una rosa”.

Il tuo nome è legato al tormentone Vorrei cantare come Biagio (Antonacci). Ti infastidisce o ti inorgoglisce?
“Mi infastidisce nel senso che ho un percorso artistico alle spalle. Tuttavia, se penso ai tanti che non sono riusciti a raggiungere il grande pubblico, faccio qualche considerazione diversa. Io sono un cantautore e far parte del calderone di una musica più commerciale non mi apparteneva”.

Perché assomigliare ad Antonacci e non ad un altro personaggio del panorama musicale?
“Non è casuale visto che Biagio è distante da me sia come tematiche affrontate che musicalmente. Il pezzo è piaciuto ma non è stato capito”.

In che senso?
“Era un’ironia, una provocazione verso un tipo di musica che facciamo in Italia, che occupa molto spazio e toglie spesso visibilità a chi crede alla canzone come veicolo di contenuti diversi. Lo confesso: è nata in un momento di grande rabbia”.

Quando hai scritto la prima canzone?
“Nel 1998. Prima di allora facevo il fumettista. Ho partecipato ad un concorso ed ho vinto il premio della Siae. Mi è rimasto nel cuore l’applauso del pubblico dopo che è stato letto il mio testo. Lì mi sono convinto che questa era la mia strada”.

Oggi è davvero difficile emergere. Su cosa bisogna puntare?
“Sulla pazienza e sulla lunga distanza. Occorre investire sul tempo futuro e non sul presente”.

La tua apparizione al Festival di Sanremo?
“Non avevo in mente la gara quando ho deciso di partecipare. Mi piaceva l’idea di salire sul palco dell’Ariston. A chi non piacerebbe cantare lì? Il mio sogno era cantare il mio pezzo due volte. L’ho cantato quattro volte e mi reputo soddisfatto”.

C’è un anello che unisce le tue canzoni?
“Forse sì. L’essere contro i pregiudizi, contro il giudizio facile molto diffuso oggi. Giudicare con leggerezza le cose. Pochi conoscono quello che c’è dietro. Di fatti, pochissimo sanno che ho vinto il premio come miglior album di debutto”.

A chi dedichi il successo di questo tempo?
“Lo dedico ai miei amici cantautori, a coloro che hanno vissuto una miriade di difficoltà prima di emergere”.

Ogni volta che tiro fuori dal mio archivio l’album “Registrazioni moderne”, mi convinco sempre più degli sforzi sperimentali di Antonella Ruggiero, di questo carisma di interprete che si insinua nel desiderio di contaminazione. L’ex voce dei Matia Bazar si racconta, dopo il ritorno al Festival di Sanremo col pezzo “Canzoni tra le guerre”. Genovese di nascita, dopo l’importante sodalizio con i Matia Bazar, la Ruggiero ha catalizzato la sua curiosità verso nuovi territori da esplorare, sempre e con la convinzione di fare questo mestiere con passione

Antonella, sei una veterana del festival di Sanremo. Non ti stanca tornare all’Ariston?
“Ma no. Penso che cosi come gli stilisti utilizzano le sfilate per proporre le proprie creazioni e i professionisti le fiere per presentare i propri prodotti, Sanremo sia come una grande passerella per la musica. Ed è un bel momento di incontro con il pubblico dove ogni artista ha la possibilità di presentare il proprio progetto a un pubblico vasto”.

Cosa ritrovi della sua persona nel brano che hai presentato?
“Ogni volta che canto questo brano, cerco di mettermi nei panni di chi vive in situazioni di così grande pericolo e soffrerenza, come in guerra. E’ un’emozione molto forte e struggente pensare ai milioni di persone che quotidianamente vivono un dramma simile”.

Cosa fa la differenza per essere un buon interprete?
“Essere sinceri nel leggere una canzone, sentirla e interpretarla con il cuore”.

Sei stata la voce-anima dei Matia Bazar. Nostalgia di quel periodo? La faresti una reunion, magari per un solo concerto?
“Sono andata via dal gruppo 18 anni fa con una grande consapevolezza nel compiere quella scelta, senza mai pensare di tornare indietro. Gli anni trascorsi con il mio gruppo sono stati un bellissimo periodo di intenso lavoro e di esperienze per me nuove, ma una volta esaurito l’interesse di un percorso comune non restava altro da fare che proseguire per la mia strada, ricca di curiosità da soddisfare e di esperienze da condividere con musicisti di altre provenienze culturali e musicali”.

Che musica ascolti nel tempo libero? Antonella Ruggiero lo porta un I-Pod in borsetta?
“Amo ascoltare musiche che arrivano da epoche diverse e da ogni parte del mondo. Per me non esistono barriere di genere musicale. Ascolto dalla classica al pop alla musica sperimentale di area tedesca e islandese. Il mondo ha tante belle sorprese: musicisti che creano nei luoghi più impensati! Uso l’I-Pod per studio e lavoro ma amo ascoltare la musica insieme agli altri suoni, a orecchie libere”.

Progetti per il futuro
“Sono veramente tanti ne cito alcuni. A marzo uscirà il nuovo disco Souvenir d’Italie, omaggio ai grandi autori (Kramer, D’Anzi, Bixio, Spadaro, De Curtis) che nel periodo tra le due guerre hanno costruito pagine irripetibili della musica italiana. In questo disco suonano quattro jazzisti del calibro di Renzo Ruggieri (fisarmonica), Paolo Di Sabatino (pianoforte), Massimo Moriconi (contrabbasso) e Massimo Manzi (batteria) che mi accompagnano anche in tour. E poi nuovi progetti teatrali e una importante collaborazione con Max Raabe la Palast Orchester”.

Tra i volti giovanili del panorama musicale italiano c’è Silvia Salemi, classe 1978, che torna con una grande grinta. “Il mutevole abitante del mio solito involucro” (2007) è il titolo del nuovo album, che contraddistingue la forma di questo nuovo progetto musicale in veste di co-autrice e co-produttrice. Spulciando nel suo diario artistico, ritroviamo la sua vittoria al Festival di Castrocaro nel 1995. L’anno dopo sbarca sul palco dell’Ariston di Sanremo, e nel 1996 il singolo “A casa di Luca” ottiene consenso di critica e di pubblico. Seguendo lo stile di Fiorella Mannoia, nel 2003 conquista le radio col singolo “Nel cuore delle donne”, mentre la partecipazione al reality “Music Farm” le restituisce visibilità televisiva.

Silvia, ritorni con un nuovo disco dal titolo intrigante. Perché questo titolo?
“Il mutevole abitante del mio solito involucro nasce da una profonda libertà di esprimermi e dalla consapevolezza che si devono fare cose spesso difficili e non immediate”.

Parliamo di queste canzoni. In che contesto sono nate?
“Tutti i brani dell’album sono nati in questi ultimi 4 anni. Sono nati in un contesto mentale e di riflessione, crescita e mutamento. È un luogo della mente più che fisico”.

Sei siciliana ed appartieni ad una regione che negli ultimi anni ha tirato fuori diversi talenti. In che sintonia ti senti con gli altri artisti della sua isola?
“C’è una empatia profonda tra chi fa musica in Sicilia, tra chi condivide tradizioni e l’energia di una terra che da millenni assorbe l’energia solare. In comune c’è la voglia di fare musica e suonare”.

I tuoi esordi sono legati a due manifestazioni canore importanti: Castrocaro e Sanremo. Ti hanno davvero portato fortuna?
“Assolutamente sì. Sanremo con A casa di Luca sarà sempre il mio santo protettore e Castrocaro il punto di partenza che mi ha aperto le porte per Sanremo”.

Diversi anni fa hai fatto un viaggio in Tibet. Cosa ricordi di quell’esperienza?
“Mi ricordo il freddo, la quiete, la voglia di pensare e la forza che c’è dietro la meditazione, la pazienza e l’introspezione e la voglia di fare subito un disco per raccontare questa esperienza”.

Se ti proponessero un album di duetti, con chi vorresti cantare?
“Allora… Se potessi riportarli in vita farei un duetto con De Andrè e con Tenco, di cui orrei rifare la sua Ciao Amore…. E poi ci sono Aretha Franklin (anche se non reggerei la sua grandezza) e Sting”.

Francesco Baccini è un musicista imprevedibile e per questo è curioso incontrarlo, adesso che è rispuntato. Il silenzio è finito e il nuovo album “Dalla parte di Caino” propone dieci brani e qualche insolito duetto: La donna dei sogni e Il topo mangia il gatto, due brani scritti a quattro mani con Povia e Gianluca Grignani. Nato il 4 giugno 1960 a Genova, si esibisce nei locali della sua città e nel 1988 riesce a pubblicare dopo tante fatiche il suo primo singolo. Con l’album Cartoons (1989) vince il premio Tenco e l’anno dopo duetta con De André nel secondo album Il pianoforte non è il mio forte (1990). Tira a bersaglio contro tutti e tutto nell’album Nomi e cognomi (1992), mentre lascia sfumare l’ironia in nome dei sentimenti in un’altra fatica discografica: Nudo. Ancora satira pungente con Baccini a colori (1996), mentre la maturità artistica compare in Nostra signora degli Autogrill (1999).

Perché ad un certo punto sei scomparso dalle scene?
“Avevo tirato fuori quattro album, che mi hanno dato una popolarità inaspettata. Quando penso ad un album cerco di dare il meglio di me, ed evitare di azzeccare soltanto un pezzo e lasciare gli altri in balia dell’ascoltatore. Diciamoci la verità, capita sempre così nella maggior parte dei cd che ascoltiamo, fatta eccezioni di lavoratori di dei come Fabrizio De André. Poi ero alla ricerca di un nuovo management, dove potevo sottrarmi allo stress e alle imposizioni del mercato discografico attuale”.

In questo passaggio confusionario tra le prospettive di Internet e i divorzi e fidanzamenti dei colossi discografici, è davvero complicato fare il tuo mestiere?
“E’ stato sempre complicato, ma io sono convinto che la qualità vinca sempre. Ci sono canzoni che non tramonteranno mai, ed altre che ci dimenticheremo appena suona la sveglia il giorno dopo. Questo succede quando sei tentato di fare pezzi su misura, magari con una struttura più radiofonica o che funzioni meglio con questo o l’altro target di pubblico”.

Un musicista come te è finito tra le grinfie del reality. Mi riferisco a “Music Farm”. Perché?
“A dire il vero io sono uno che non guarda televisione. Quando il mio ex manager me lo ha proposto, ti confesso che l’ho mandato a quel paese. Mi ha cercato Gori. L’ha messa in termini di sfida musicale… Oggi non esiste più una trasmissione che metta al centro la musica a 360° e permetta a chi fa questo mestiere di tornare a suonare soltanto con uno strumento. Attualmente un video musicale lo fa anche mia nonna (ride). Music Farm mi ha dato la possibilità di rimettermi in gioco musicalmente, ma nel tubo catodico”.

C’è un duetto indimenticabile a Sanremo dell’anno scorso. Quello con Povia, che compare in questo tuo nuovo album. Come lo ricordi?
“E’ stato il momento di due amici che si incontrano sul palco. Accade di rado di questi tempi nella musica italiana. Povia mi ha chiamato qualche giorno prima ed io ho accettato subito. Bella emozione in una gara come quella”.

Se dovessi considerare un astro musicale, a chi pensi?
“A Fabrizio De Andrè. Lo sentivo spesso e adesso mi manca la sua guida in un certo senso. Poiché Fabrizio passava molto in radio e per niente in tv, si sono verificate delle situazioni paradossali. Dopo la sua morte, i giovani lo hanno conosciuto meglio e le vendite dei suoi album sono tornati in vetta alle classifiche. I geni non sono mai capiti in vita!”.

Daniele Silvestri, classe 1968, uno dei cantautori rivelazioni dell’ultimo decennio. Silvestri è un tipo che non bada a formalità. Gli stringi la mano, scambi un paio di battute e già ti sembra di conoscerlo da tempo. Ha composto il suo primo pezzo a 14 anni per festeggiare il secondo scudetto della Roma. Il suo debutto discografico avviene nel ‘94 con l’album “Daniele Silvestri” mentre il successivo “Prima di essere un uomo” gli regala tanta popolarità. Il songwriter romano, dopo un lungo periodo di silenzio, torna con un nuovo album: “Il latitante”, tredici brani inediti. Per il ritorno al Festival di Sanremo, ha scelto “La Paranza”, un pezzo travolgente e movimentato che allaccia il musicista di oggi a quello di ieri.

Daniele, Perché questa assenza?
“Mi sono dedicato alla famiglia ed ho fatto il papà. Ho iniziato tre mesi fa a lavorare a questo disco e dal quel momento la latitanza è stata un po’ forzata. Non è stato semplice ricominciare, è stato faticoso soprattutto nella prima fase. Mi sembrava che si fosse chiuso un ciclo. Sono ripartito da zero perché volevo spezzare degli automatismi di scrittura”.

Quale è lo stile in cui ti trovi di più, visto che ti piace mischiare diversi linguaggi musicali?
“Nessuno, perché è la curiosità che mi spinge a muovermi tra un genere e l’altro, la voglia di sperimentare ambienti a me sconosciuti”.

Come ti sei sentito interiormente nel passaggio dall’”Uomo col megafono” al “Latitante”?
“Spero di non essere passato a questo nuovo ruolo, anche se poi mi farà comondo. Così quando non mi presenterò agli inviti per promuovere il disco, potrò mettere le mani avanti. Non c’è Silvestri perché è un latitante. Non mi è passata la voglia di prendere posizioni precise, di mettermi in gioco, di rischiare anche la faccia. E’ una caratteristica che mi porto dietro”.

Cosa vedi attorno a te?
“La tendenza a cercare un rifugio piuttosto che a trovare il modo per combattere ed affrontare i problemi. Cerco di raccontare nelle mie canzoni questo desiderio molto diffuso. Forse il tessuto sociale in cui viviamo è diventato così instabile e precario da impedirci di percepire un ruolo preciso, in un futuro costruito senza definizione. Mi preoccupa l’idea del rifugio, è una sorta di sottomissione inconscia”.

Perché hai deciso di tornare a Sanremo?
“Per darmi una scadenza altrimenti questo disco non lo avrei finito più. Sanremo per me è un momento propizio e liberatorio. E poi diciamo la verità: è l’unico evento che può competere in termini di ascolto con i campionati di calcio!”.

Dando un’occhiata alla play-list, c’è una canzone dedicata ai gay dal titolo “Gino e l’Alfetta”. Perché?
“Era un tema di cui volevo parlare da tempo. Avevo parecchi sensi di colpa nei confronti di alcuni amici omosessuali, che mi rimproveravano di non aver mai affrontato questo argomento. Poi mi sono trovato a suonare una serie di accordi che hanno tirato il lato femminile di me. La canzone si presta ad essere vissuta con una certa indole”.

Come vedi la sfida di Internet nei confronti del mercato discografico? Pensi sia più stimolante il nuovo modo di fruire la musica?
“Noi musicisti e le case discografiche abbiamo un mestiere da rinventare. La rete porterà tali cambiamenti da non ragionare più in termine di produzione dell’album. Questo nuovo terreno non lo vivo con timore, bensì captandone gli stimoli. Internet non si basa sull’imposizione di un prodotto, ma sulla voglia libera di poterlo cercare. E questo fiuto di democrazia è la sfida del futuro”.