Tutti la conoscono come “Easy Lady” poiché questo è il titolo del singolo che nel lontano 1986 la porta a scalare le classifiche europee. Stiamo parlando naturalmente di Ivana Spagna. Il successo arriva in poco tempo partendo dalla Francia per poi scalare le classifiche di tutta Europa vendendo circa 3.000.000 di copie. Nello stesso anno arrivano anche i primi riconoscimenti: Telegatto d’argento a “Vota la Voce” come rivelazione dell’anno e Disco Verde al “Festivalbar” come miglior giovane. Nel 1987 viene pubblicato il suo primo album “Dedicated To The Moon” che venderà oltre 500.000 copie e con il singolo estratto “Call me” raggiunge il primo posto nella Classifica Europea – è la prima volta per un artista italiano – davanti a nomi come Madonna e Michael Jackson.
“Call me” entra nella TOP 75 inglese restandoci per 12 settimane e raggiunge la seconda posizione. Una grande soddisfazione per una cantante femminile italiana.

GLI ESORDI – Dopo il secondo album “You are my energy” (1988), dedicato a suo padre Teodoro scomparso lo stesso anno, Spagna si trasferisce negli Stati Uniti dove collabora con musicisti di grande prestigio tra cui Diane Warren, Rhett Lawrence, Stephen Bray. L’esperienza americana si intravede nell’album “No way out” (1991), già disco d’oro a poche settimana dall’uscita. Un periodo davvero intenso se pensiamo alla lavorazione di “Matter of Time”, dove spiccano i singoli di successo “Why me” e “I always dream about you”, all’uscita della prima raccolta di successi “Spagna & Spagna – Greatest Hits” con l’inedito “No more words”, e la collaborazione alla famosa canzone dei Whigfield “Saturday night”.Nel 1994 la Disney sceglie Spagna per cantare “Il cerchio della vita”, versione italiana di “Circle of Life” scritta da Elton John e colonna sonora del film di animazione “Il re leone”. Dall’esordio con “Easy Lady” è la prima volta che la cantante si esibisce nella sua lingua madre.

IL RITORNO A SANREMO – Il 1995 vede Spagna partecipare al Festival di Sanremo con “Gente come noi” e guadagnare il terzo posto. Contemporaneamente esce il suo primo album completamente in lingua italiana “Siamo in due” dal quale vengono estratti singoli di successo come l’omonima canzone con la quale partecipa al Festivalbar, “Come il cielo” e “Davanti agli occhi miei”. L’album in pochi mesi supera le 450.000 copie vendute. L’anno successivo torna sul palco dell’Ariston di Sanremo con “E io penso a te” e si classifica al quarto posto. Contemporaneamente esce l’album “Lupi solitari” che in una settimana realizza le 250.000 copie vendute, vince Sanremo Top, partecipa nuovamente al Festivalbar. Spagna diventa la protagonista assoluta dell’estate 1996 per poi vincere il Telegatto di “Vota la Voce” come migliore interprete femminile. Nell’estate esce anche il singolo “Ci sarò” che, oltre all’omonima canzone contiene le versioni inglesi di “Lupi solitari” (Solitary Angels), “Colpa del sole” (The heat of the sun) e “Ti amo” (I love you). Nel 1997 esce “Indivisibili” – oltre 150.000 copie vendute – realizzato con la collaborazione di grandi musicisti come Phil Palmer, Pino Palladino, Steve Ferrone, Joe Pistone e Michael Grassi. L’anno successivo Spagna ritorna al Festival di Sanremo con “E che mai sarà”, che segna l’uscita dell’album “E che mai sarà – Le mie più belle canzoni” che contiene i più grandi successi in italiano e cinque inediti. Dall’album spiccano gli inediti “Il bello della vita”, che sarà scelta dalla FIFA per rappresentare l’Italia ai mondiali di calcio di Francia ‘98, e “Lay da da” con la quale Spagna partecipa al Festivalbar insieme a “Il bello della vita”.

DAL 1998 IN POI – Sempre nel 1998 si aggiudica il quarto Telegatto d’oro a Vota la Voce come migliore interprete femminile; canta “So volare” e “Canto di Kengah” che fanno parte della colonna sonora del film di animazione italiano “La gabbianella e il gatto” di Enzo D’Alò tratto dal libro di Sepulveda.Il brano “Mi amor” viene scelto come singolo dell’estate 2000 e viene realizzato un video clip insieme all’attore Paolo Calissano.
Nello stesso anno Spagna si esibisce in un’eccezionale interpretazione di “Bridge over trouble water” di Simon e Garfunkel durante una serata organizzata da Canale 5 in occasione della beatificazione di Papa Giovanni XXIII. Nel 2001 esce l’album di cover “La nostra canzone” nel quale, con l’aiuto del maestro Peppe Vessicchio, dell’Orchestra Sinfonica “Golfo Mistico” di 40 elementi e del Venice Gospel Chorus Ensemble, Spagna reinterpreta le canzoni che hanno segnato la storia della musica italiana: da “Teorema” a “Quella carezza della sera”, da “Eloise” a “La donna cannone”, la versione inglese di “Il mondo” di Jimmy Fontana e la versione francese di “A mano a mano” di Cocciante.
Lo stesso anno Spagna scrive e canta l’inno del Chievo neopromosso in serie A: “CHIEVOVERONA Un mondo in giallo e blu”.Durante la manifestazione benefica “Trenta ore per la vita” Spagna viene premiata come vincitrice del “Disco per l’estate 2001″.Il 2002 segna la svolta per l’artista che lascia la Sony Music per approdare alla nuova casa discografica “B&G Entertainment” e senza esitazione torna a cantare in inglese presentando il singolo “Never say you love me”. Il singolo viene reso disponibile per l’ascolto anche dal servizio tramite cellulare Tj.net e la canzone realizza oltre un milione di contatti: un vero record.

PRESENTE E FUTURO – Dopo un’estate ricca di impegni per promuovere il singolo, il 25 ottobre 2002 esce il nuovo album “Woman” che contiene 8 brani in inglese, 2 in spagnolo ed 1 in francese. Nell’album spicca il duetto “Tears of love” con Demis Roussos: rielaborazione della famosa “Rain and tears” cantanta dal leader degli Aphrodite’s Child.
Sempre nello stesso anno esce nelle librerie il primo libro scritto dalla cantante: “Briciola, storia di un abbandono”, una fiaba animalista per i più piccoli, ma anche per i grandi edita dalla Ciscra e venduta in due diverse confezioni che tra l’altro contengono anche la canzone “Briciola” scritta e cantata da Ivana Spagna appositamente per la fiaba. Dall’album “Woman”, intanto, vengono estratti come singoli destinati solo alla diffusione radiofonica l’omonima “Woman” e “Rain and Tears”. Proseguono gli impegni di Ivana Spagna per la promozione dell’album Woman e da maggio è in tour con il nuovo “Woman Tour” che ci accompagnerà per tutta l’estate. Il singolo “Never Say You Love Me” viene tradotto in spagnolo e diventa “No Digas Te Quiero” subito in vetta alle classifiche spagnole. Nell’estate del 2003 Ivana viene inoltre insignita del Premio Letterario Internazionale Ostia Mare nella sezione Letteratura per l’infanzia come scrittrice per il libro “Briciola – storia di un abbandono”. Una carriera piena di raggianti successi. Ma il bello deve ancora arrivare…

Continua il nostro viaggio alla scoperta della storia del rock. Ripartiamo dal 1976: sono un gruppo di musicisti californiani appassionati di Country-Rock. Sono gli Eagles, ovvero Glen Frey, Bernie Leadon, Don Henley e Randy Meisner. Nel 1976 pubblicano “Hotel California”, il loro capolavoro con progressioni elettrice ed atmosfere visionarie a limite della surrealtà. Il 25 novembre, the Band festeggia lo scioglimento con un’adunata commemorativa al Winterland di San Francisco. Al concerto sono ospiti tra gli altri Dylan, Young, Diamond e Clapton. Nel 1977 debuttano i Clash con l’album omonimo che si rivela un uragano punk con hits come “White Riot”. Nello stesso periodo escono il provocante “Talking Heads 77″ della band capeggiata da David Byrne e l’angosciante “Suicide”, del duo punk Vega-Rev che punta il dito sulle angosce metropolitane.

DAL 1978 AL 1983 – Il 1978 si apre con l’LP “The Man Machine” del gruppo tedesco dei Kraftwerk che, con il brano fascinoso “The Model”, aprono la strada alla techno-pop, che dominerà gli anni ottanta. L’anno successivo, gli inglesi Wire denunciano l’era industriale con l’album psichedelico “154″, i Who salutano il compagno compianto Keith Moon con il doppio “The Kids Are Alright”, e gli australiani AC/DC pubblicano il loro capolavoro “Highway To Hell”. Il 1980 segna due lutti sconvolgenti nella storia del rock: la morte di Bon Scott degli AC/DC, punto di riferimento irrinunciabile per l’Hard-Rock, e l’assassinio dell’ex-Beatles John Lennon per mano del fanatico Mark David Chapman.Intanto, “Gentlemen Take Polaroids” della band londinese dei Japan scala le classifiche con pezzi di Glam Rock tra cui spiccano “Swing” e “Burning Bridges”. L’Irlanda ha un nuovo testimonial attraverso la la voce vigorosa di Bono (1960) e la chitarra suadente di The Edge (1961). Sono gli U2, un quartetto fantastico che prende quota nel 1981 con l’LP “October”, dove il micro universo dublinese diventa pretesto per affrontare tematiche sociali scottanti. L’anno dopo, Paul Weller (1958) annuncia il divorzio dei graffianti Jam, e gli Aerosmith tentano il rilancio con “Rock In A Hard Place”. Nel 1983 l’ex-Beatles Paul Mc Cartney duetta con Michael Jackson in “Say say say”, contenuto nell’album “Pipes of Peace”. Jackson, grande fenomeno dell’America di colore, ricambia l’ospitalità con “The Girl Is Mine”, contenuto nell’LP “Thriller”, tra i più venduti della storia del pop-rock.

DAL 1984 AL 1989 – Nel 1984 la bandiera americana sventola sulla copertina dello scintillante “Born In The USA” di Bruce Springsteen (1949): indimenticabile manifesto dell’America che si ribella al lassismo reaganiano e segna l’impegno sociale della rock-star con il progetto USA for Africa. Gli australiani Dead Can Dance, dopo una lunga gavetta a Melbourne, si fanno notare e nel 1985 irrompono nelle radio di tutto il mondo con “Spleen and Ideal”. L’anno successivo, i Metallica, padri fondatori dell’Heavy Metal, conquistano la diffidente critica musicale con l’album “Muster of Puppets”, con il piccolo gioiello strumentale di oltre otto minuti “Orion”. I Genesis, la band britannica, formata da Gabriel, Collins, Banks, Rutherford e Hackett, entra in classifica con “Invisible Touch”, album della maturità con hits come “Tonight, tonight, tonight”. Nuovi scenari si preannunciano per il gruppo newyorkese degli Swans che, nel 1987, rivestono di dark il loro doppio “Children of God”. Nel 1988 la band irlandese dei My Bloody Valentine, reinventori del Pop e del Rock ‘n Roll attraverso l’uso sperimentale delle sei corde, sfondano ogni parametro di sperimentazione e rivoluzione con l’album “Isn’t Anything”: un misto di suoni sinfonici, rumori assordanti e ritmi pop. Sempre nel 1988, la band dei Pixies lascia pubblico e critica con il fiato sospeso per il loro capolavoro “Surfer Rosa”, contenenti piccole gemme come “Bonne Machine” e “Broken Face”. Gli anni ottanta si chiudono con il debutto dei Mudhoney, primo gruppo Grunge, e degli Stone Roses. Da segnalare la reunion dei Who, festeggiata con un celeberrimo concerto nella Grande Mela.

DAL 1990 AL 1992 – Gli anni novanta si aprono con lo scioglimento di una delle band “punk-rabbiose” più attive del decennio precedente. Gli Alarm, formati dai gallesi MacDonald, Sharp e Twist, salutano i loro fan con LP “Standards”, seguito dal deludente “Raw”. Nello stesso 1990, l’ex-Genesis Peter Gabriel (1950), dopo diversi mesi in sala di registrazione, pubblica “US” con i brani “Come Talk To Me” e “Blood Of Eden”, forse i migliori della sua carriera da solista. Nel 1991, mentre il cardinale O’ Connor chiede al Papa Giovanni Paolo II di scomunicare Madonna (1958) per le sue provocazioni oltraggiose, nel cuore di Mosca 500.000 persone applaudono grandi formazioni musicali come i Pantera, gli Ac/Dc, e i Metallica. Nel novembre dello stesso anno, Freddy Mercury (1946-1991), anima carismatica dei Queen, muore di AIDS. Tuttavia, il testamento è scritto nelle parole della canzone che chiude l’album “Innuendo” (1991): The Show must go on. Nel 1992 esce sul mercato discografico “Automatic For The People”, uno dei manifesti del Rock di fine millennio. A firmarlo sono i R.E.M., straordinario quartetto che sin dal 1982 riesce a dominare le classifiche senza alcun impedimento. Tra gli hits si segnalano “Man on the Moon” e “Monty Got a Raw Deal”.

DAL 1993 AL 1997 – Nel 1993 il grande Frank Zappa (1940-1993) si spegne all’età di 53 anni con un cancro, mentre gli Stereolab, il duetto al femminile formato da Tim Gane (1964) e Laetitia Sadier (1968), si mettono alla ricerca di nuove sonorità pubblicando “Transient Random Noise Bursts Wuth Announcements”. Nel 1994 Jeff Buckley (1966-1997) balza in vetta alle classifiche con “Grace”, un album in cui i tormenti dell’anima annegano in atmosfere drammatiche e deliranti. Il 1995 segna due perdite nella scena Rock: muoiono Sterling Morrison (1943-1995) dei Velvet Underground e Jerry Garcia dei Grateful Dead. Nello stesso anno, i Queen commemorano il compianto Freddy con l’album “Made in Heaven”, dove la voce del fantasma di Mercury riappare con brani ripescati e risistemati in sala di registrazione. Alanis Morissette (1974) incide “Jagged Little Pill”, che contiene il singolo “You Oughta Know”, un misto tra pop puro e rock alternativo. Nel 1996 la cantautrice rock Suzanne Vega (1959) pubblica “Nine Objects Of Desire” e, l’anno dopo, prende parte al Lilith Fair Tour che vede in scena molte rock-star della scena contemporanea. Sempre nel 1997, i britannici Radiohead pubblicano il loro capolavoro. Si tratta di “OK Computer” che si guadagna una new entry nella storia del Rock con brani come “Karma Police”, “Paranoid Android” e “Exit Music”.

DAL 1998 AL 2000 – Nel 1998 i tre moschettieri di Melbourne, ovvero i Dirty Three, pubblicano uno dei migliori lavori discografici degli anni novanta. “Ocean Songs” è un album appassionato, originale e ricco di sonorità. Nello stesso periodo, scompare Linda Eastman, moglie e compagna artistica dell’ex-Beatles Paul McCartney, ed esce il bellissimo live “Perfect Night Live In London” dell’ex-Velvet Lou Reed (1942), registrato dal vivo il 3 luglio dell’anno prima al Meltdown Festival. Nel 1999, a tredici anni dal loro scioglimento, esce “From Here to Eternity”, primo live ufficiale dei Clash. Il terzo millennio si apre con un evento tragico. Il 31 giugno 2000 in Danimarca, durante l’esibizione dei Pearl Jam al Festival di Roskilde, nove spettatori muoiono schiacciati contro la transenna. Il mondo della musica si indigna. Intanto, i Beatles ritornano a dominare l’Hit Parade con “One”, raccolta dei loro singoli balzati al primo posto.

DISCOGRAFIA ESSENZIALE – AC/DC, Highway To Hell (ATCO, 1979); Aerosmith, Rocks (Columbia, 1976); Alarm, Declaration (IRS, 1984); Clash, London Calling (CBS, 1979); Clash, Sandinista (CBS, 1980); Dead Can Dance, The Serpent’s Egg (4AD, 1988); Dead Can Dance, Spiritchaser (4AD, 1996); Eagles, Hotel California (Asylum, 1976); Peter Gabriel, Peter Gabriel (Charisma, 1980); Peter Gabriel, So (Charisma, 1986); Peter Gabriel, Us (Real World, 1993); Genesis, A Trick Of The Tail (Charisma, 1976); Jam, Sound Affects (Polydor, 1980); Japan, Gentlmen Take Polaroids (Virgin, 1980); Metallica, Kill ‘Em All (Megaforce, 1983); Metallica, Master Of Puppets (Elektra, 1986); Mudhoney, Tomorrow Hit Today (Reprise, 1998); My Bloody Valentine, Isn’t Anything (Creation, 1988); Pixies, Surfer Rosa (4AD/Elektra, 1988); Pixies, Trompe Le Monde (4AD/Elektra, 1991); Bruce Springsteen, The River (Columbia, 1980); Bruce Springsteen, Born in The USA (Columbia, 1984); Bruce Springsteen, Tracks (Columbia, 1998); Stone Roses, The Stone Roses (Silverstone, 1989); Talking Heads, More Songs About Buildings And Food (Sire, 1978); U2, War (Island, 1983); U2, The Joshua Tree (Island, 1987); U2, Zooropa (Island, 1993); Wire, Pink Flag (Harvest, 1977); Wire, 154 (Harvest, 1979).

Nel 1951 il termine “Rock ‘n’ Roll” viene coniato dal D.J. americano Alan Freed. Appare per la prima volta nel titolo del programma radiofonico “Moondog rock’n'roll party”. Nello stesso periodo esce sul mercato discografico il primo album di questo genere: “Rocket 88″ dei Kings Of Rhythm di Ike Turner mentre iniziano a suonare i primi juke-box. Nel 1952, Little Richard (1932), l’anima nera del R’n'R , canta la storica “Tutti i frutti” e l’anno successivo il singolo “Crazy Man Crazy” di Bill Haley (1925-1981) è il primo hit ad entrare in classifica. Il 78 giri cede il mercato al 45 giri, destinato ad essere il supporto storico di questo genere.

DAL 1954 AL 1959 – Il 5 luglio 1954 Elvis Presley (1935-1977), destinato a diventare il re del R ‘n’ R, incide un misto di blues e country con “That’s All Right Mama” e “Blue Moon of Kentucky”. Il disco, sotto l’etichetta della mitica Sun Records del talent scout Sam Phillips, vende in breve 20.000 copie. L’anno successivo, Elvis passa alla RCA con un contratto di 45.000 dollari mentre il leggendario Chuck Berry (1926) debutta con “Maybellene”. Si respira aria di cambiamento: nuovi arrangiamenti, modo provocante di muoversi sul palco e, soprattutto, uno stile di riff davvero impareggiabile. Il 1955 è anche l’anno di Fats Domino (1928) che esplode con “Ain’t That A Shame” mentre l’America “bacchettona” applaude Pat Boone (1934). Carl Perkins (1932-1998) diventa un fenomeno nazionale quando Elvis incide due dei suoi brani: “Honey Don’t” e “Blue Suede Shoes”. Nel marzo del 1956 Elvis Presley pubblica il suo primo album, mentre tra maggio e giugno il suo singolo “Heartbreak Hotel” resta al primo posto in classifica per otto settimane. Accompagnato dai Crickets, nel 1957 Buddy Holly (1936-1959) è sulla cresta dell’onda in USA con il singolo “That’ll Be Day”. Dopo un’apparizione alla trasmissione tv Ed Sullivan Show, nel 1958 Holly intraprende la carriera da solista, interpretando hits come “That’s My Desire” e “It Doesn’t Matter Any More”. L’anno successivo resterà vittima di un incidente aereo nello Iowa assieme a Ritchie Valens (1941-1959) e Big Bopper (1930-1959). Intanto gli USA condannano alcuni DJ, tra cui lo stesso Freed, per corruzione a favore delle case discografiche.

DAL 1960 AL 1965 – Il 1960 si apre con “la febbre da twist” diffusa dal brano di Chubby Checker (1941) “Twist” mentre la versione americana di “‘O Sole mio” incisa da Elvis col titolo di “It’s Now or Never”, con 780.000 copie vendute nella sola settimana d’uscita, diventa il brano più gettonato nella storia del mercato britannico. Nel 1961 i Beatles, una band di Liverpool, firmano un contratto con il nuovo manager Brian Epstein, e all’Ealing Club di Londra si esibiscono gli sconosciuti Mick Jagger, Brian Jones, Geoff Bradford, Dick Taylor, Keith Richard, Tony Chapman e Ian Stewart, ovvero i futuri Rolling Stones. L’anno successivo, i Beatles pubblicano il loro primo album “Please Please me” e negli USA debuttano gli Animals e gli Yarbirds, con un giovane Eric Clapton. Dopo il successo mondiale del singolo “I Want Hold Yor Hand”, nel 1964 i Beatles sbarcano negli Stati Uniti. Mentre comincia la Beatlesmania tra gli isterismi dei fan dei Fab Four, i Rolling Stones pubblicano l’omonimo primo album con una serie di celebri cover. L’anno dopo, Jagger e Richard degli Stones firmano “Last Time”, prima canzone a finire in vetta alle classifiche inglesi. Il ‘65 vede anche l’esordio degli Byrds con la rilettura della gemma di Bob Dylan “Mr. Tambourine Man” e l’ingaggio dei Velvet Underground da parte del pittore della pop-art Andy Wharol per il suo spettacolo multimediale “The Exploding Plastic Inevitable”.

IL 1967 E IL 1968 – Il 1966 viene ricordato perché John Lennon (1940-1980) afferma che “i Beatles sono più popolari di Gesù Cristo e il cristianesimo è destinato a scomparire”. Negli USA le canzoni del quartetto di Liverpool vengono soppresse per protesta da molte radio. Intanto, Bob Dylan (1941) pubblica “Blonde on Blonde”, uno dei doppi album più belli della storia del rock, registrato a Nashville con una serie di grandi musicisti tra cui Kooper e Robertson. Anche per i Beach Boys, la band californiana nata nel 1961, è un anno importante: esce “Pet Sounds”, votato dalla critica internazionale come il miglior album di tutti i tempi. Il rock alternativo ha come portavoce i Jefferson Airplane che debuttano con “Takes Off” mentre già vibra la chitarra di Jimi Hendrix (1940-1970) che incide “Hey Joe”, il suo primo singolo. Con l’uscita dell’album leggendario dei Beatles “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”, il 1967 spalanca le porte all’era psichedelica. I Pink Floyd si affacciano alla scena con l’opera prima “The Piper At The Gates of Dawn”, in una direzione stravagante e sperimentale. La band londinese dei Procol Harum fa centro con il singolo “A Whiter Shade Of Pale”, primo esempio di rock sinfonico, che primeggia nella classifica britannica per sei settimane. La prima Rock-Opera della storia del R’n'R si intitola “Absolutely Free” e porta la firma di Frank Zappa (1940-1993). Intanto, con il suo secondo album “Goodbye & Hello”, Tim Buckley (1947-1975) brucia i tempi del Rock ed entra nell’emisfero underground.

1968 E IL 1969 – Il 1968 celebra il Rock con un memorabile concerto all’isola di Wight in Inghilterra, dove vi prendono parte 10.000 spettatori. Van Morrison (1945) incide il suo capolavoro “Astral Weeks”, fondendo atmosfere jazz, blues e Rock, e la band inglese dei Kinks, propone la rock-opera “The Village Green Preservation Society”, dove si parla dell’ascesa e della caduta dell’Impero Britannico. L’anno successivo, debuttano i Led Zeppelin (ex Yardbirds) sfornando a distanza di otto mesi “Led Zeppelin” e “Led Zeppelin II”, due diamanti discografici con intelligenti provocazioni musicali. La band inglese dei Who, nata nel 1965 sulle orme degli Stones, trionfa con la rock-opera “Tommy”, manifesto indimenticabile del progressive-rock che racconta l’esistenza di un ragazzo cieco. I favolosi anni sessanta si concludono con Woodstock, il più grande raduno della storia del Rock che si tiene a White Lake negli USA il 15, 16 e 17 agosto.

DAL 1970 AL 1973 – Il 1970 alza il sipario sulla tragica scomparsa di Jimi Hendrix e sullo scioglimento dei mitici Beatles. In classifica, oltre all’ultimo album dei favolosi di Liverpool “Let It Be”, compaiono già “John Lennon Plastic Ono Band”, “McCartney”, “All Things Must Pass” e “Sentimental Journey, rispettivamente primi album da solisti di John Lennon, Paul McCartney (1942), George Harrison (1943-2002) e Ringo Starr (1942). Mentre Lou Reed (1942) abbandona i Velvet Underground, i Deep Purple accolgono nella formazione Ian Gillan (1945) e Roger Glover (1945), e pubblicano il grande “In Rock”, mettendo a ferro e fuoco l’Hard Rock. Nel 1971, l’inglese David Bowie (1947) incide il trasgressivo “Hunky Dory”, John Lennon partorisce la ballata pacifista “Imagine”, e l’ex-beatle George Harrison promuove un mega concerto di due serate a favore del Bangladesh al Madison Square Garden di New York, a cui aderiscono tra gli altri Dylan e Clapton. Nel 1972 esce sul mercato discografico l’opera prima dei Roxy Music, band londinese formata da Bryan Ferry (1945), Phil Manzanera (1951), Andy Mackay (1946) e Brian Eno (1948). L’anno successivo il rock religioso trova le sue radici nella Germania dei Popol Vuh, che dominano le classifiche con l’LP “Hosianna Mantra”, in nome di una spiritualità ritrovata. Tuttavia, il 1973 viene ricordato per “Dark Side of the Moon” dei Pink Floyd, capolavoro psichedelico che sbanca le classifiche per diversi anni. Nello stesso periodo esce la colonna sonora del film “Pat Garrett & Billy The Kid” di San Peckimpah, firmata da Dylan con il brano riuscito “Kmockin’ On Heaven’s Door”.

IL 1974 E 1975 – Nel 1974 la formazione tedesca dei Kraftwerk pubblica uno dei prodotti migliori discografici: “Autobahn”, che contiene l’omonima suite di 22 minuti, con vertiginosi richiami al futuro Electro-Funk e Techno Pop. L’anno dopo, il canadese Neil Young (1945) presenta l’album “Tonight’s The Night”, un’opera complessa e meditata dedicata a Danny Whitten e Bruce Berry, i due amici rocker scomparsi per overdose. Tuttavia, è proprio nel 1975 che arriva il boomerang del grande rock di tutti i tempi: si tratta di “Born to Run”, terzo album del fuoriclasse americano Bruce Springsteen (1949). Capolavoro indiscusso del Rock di tutti i tempi, “Born to Run” resta una pietra miliare del percorso artistico del folk-singer del New Jersey che raggiunge la vetta con classici come “Thunder Road” e “Backstreets”.

DISCOGRAFIA ESSENZIALE – Animals, Complete (EMI, 1998); Beach Boys, Pet Sounds (Capitol, 1966); Beatles, Rubber Soul (Parlophone, 1965); Beatles, Revolver (Parlophone, 1966); Beatles, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Parlophone, 1967); Beatles, The White Album (Apple, 1968); Beatles, Abbey Road (Apple, 1969); Chuck Berry, The Chess Box (Chess, 1988); David Bowie, Hunky Dory (RCA, 1971); Byrds, Mr. Tambourine Man (Columbia, 1965); Deep Purple, In Rock (Harvest, 1970); Deep Purple, Machine Head (Purple, 1972); Fats Domino, They Call Me The Fat Man (EMI,1991); Bob Dylan, Blonde On Blonde (Columbia, 1966); Bill Haley, Golden Hits (MCA, 1972); Jimi Hendrix, Are You Experienced? (Track, 1967); Jimi Hendrix, Electric Ladyland (Track, 1968); Buddy Holly, The Complete (MCA, 1979); Jefferson Airplane, Surrealistic Pillow (RCA, 1967); Kraftwerk, Autobahn (Philips, 1974); Led Zeppelin, Led Zeppelin I & II (Atlantic, 1969); Led Zeppelin, Led Zeppelin III (Atlantic, 1970); Led Zeppelin, Led Zeppelin IV (Atlantic, 1971); Van Morrison, Astral Weeks (WB, 1968); Pink Floyd, The Piper At The Gates Of Dawn (Columbia, 1967); Pink Floyd, The Dark Side Of The Moon (Harvest, 1973); Popol Vuh, Hosianna Mantra (Pilz, 1973); Elvis Presley, Omonimo (RCA, 1956); Elvis Presley, Rock ‘n’ Roll vol. I & II (RCA, 1956-1957); Elvis Presley, Elvis is Back! (RCA, 1960); Elvis Presley, His Hand in Mine (RCA, 1961); Elvis Presley, From Elvis in Memphis (RCA, 1969); Little Richard, 22 Greatest hits (Mercury, 1987); Rolling Stones, Aftermath (Decca, 1966); Rolling Stones, Beggar’s Banquet (Decca, 1968); Rolling Stones, Let It Bleed (Decca, 1969); Roxy Music, For Your Pleasure (Island, 1973); Bruce Springsteen, The Wild, The Innocent & The E Street (Columbia, 1973); Bruce Springsteen, Born to Run (Columbia, 1975); Velvet Underground, The Velvet Underground and Nico (Verve, 1967); Who, Tommy (Track, 1969); Who, Quadrophenia (Tack, 1973); Yarbirds, For Your Love (Epic, 1965); Yarbirds, Having A Rave Up (Epic, 1966); Neil Young, Tonight’s The Night (Reprise, 1975); Frank Zappa, The Mothers Of Invention – Freak Out! (Verve, 1966); Frank Zappa, The Mothers Of Invention – We’re Only in It For The Money (Verve, 1968); Frank Zappa, Hot Rats (Reprise, 1969).

Nel 1999 ero in vacanza nel sud della Francia. Nel pieno di una notte d’agosto, fui svegliato da mia zia Lina che mi invitava ad alzarmi perché in televisione stavano trasmettendo un documentario su un famoso cantautore d’oltralpe: Serge Gainsbourg (1928-1991). Conoscevo qualche canzone di Gainsbourg, ma alzarsi in piena notte mi sembrava eccessivo. Alla fine, mia zia la ebbe vinta. I miei occhi sonnolenti si spalancarono dinanzi alle immagini che raccontavano la vita di questo geniale “chanteur”. Dopo quella notte, la musica di Gainsbourg è entrata a capofitto nella mia vita. Mia zia, che si sentiva un po’ responsabile, mi ha regalato un volume con tutti i testi delle canzoni. Durante il viaggio di ritorno, li ho tradotti tutti.

ARTISTA MALEDETTO – Pensando al Novecento che se ne stava per andare via, mi sembrava di avere tra le mani i versi dei poeti maledetti, quei cantori che, come Baudelaire e Verlaine, hanno saputo radiografare il disagio e la trasformazione di una società malata e contraddittoria. Lo ha fatto anche Lucien Ginsburg (questo era il suo nome vero) un secolo dopo, negli anni che vedono la Francia rimettersi in gioco. Accostare le atmosfere dei “Fiori del male” baudelairiani a quelle del canzoniere di Serge (più di trecento canzoni tra edite e inedite) non mi sembra azzardato. Anzi, è ancora una volta una dimostrazione che le contraddizioni, il dolore e la ricerca dell’essere viaggiano sul filo della memoria. Nelle composizioni del cantautore francese i registri cambiano, anche se una patina di anidride solforosa le avvolge: la solitudine del “Poinçonneur des Lilas”, l’amplesso della scandalosa “Je t’aime…moi non plus”, gli amori morti della “Chanson de Prevert”, la libertà attraverso la morte di “Bonnie et Clyde” o il legame tra padre e figlia di “Lemon incest” sono alcuni tasselli che completano l’opera vasta di artista che ha saputo esprimersi anche con la pittura e dietro la macchina da presa.

UN GRANDE CHANSONNIER – Gainsbourg nasce musicalmente alla fine degli cinquanta, quando imperversa l’assordante Rock & Roll d’oltreoceano. La musica di Serge prende le distanze dagli “yeah-yeah” e comincia una lenta rivoluzione sotterranea. Restando fuori dalla mischia, il suo canzoniere diventa impeccabile osservatorio di un’epoca e del clima di una società, davanti alla quale si porrà con il solito atteggiamento di strafottenza. “Sono un ladruncolo, un gran falsario, un depresso forsennato, fiero, maldestro e violento”, è l’epigrafe di trent’anni di splendida carriera.

DISCOGRAFIA ESSENZIALE – Du chant à la une!… (1958); N°2 (1959); L’étonnant Serge Gainsbourg (1961); N°4 (1962); Gainsbourg Confidentiel (1964); Gainsbourg Percussions (1964); Anna (1967, Colonna Sonora); Bonnie and Clyde (1968, con B. Bardot); Initials B.B. (1968, con B. Bardot); Jane Birkin-Serge Gainsbourg (1969); Cannabis (1970, Colonna Sonora); Histoire de Melody Nelson (1971); Vu de l’extérieur (1973); Rock Around the Bunker (1975); Je t’aime moi non plus (1976, colonna sonora); L’homme à tête chou (1976); Madame Claude (1977, colonna sonora); Aux armes et caetera (1979); Enregistrement public au théâtre de Palace (1980); Je vous aime (1980, colonna sonora); Mauvaises nouvelles des étoiles (1981); Love on the Beat (1984); Live (1986); You’re under Arrest (1987).

Per la città di Napoli e per il mondo intero, la canzone napoletana è un patrimonio inimitabile. La genialità di musicisti e parolieri da oltre un secolo filtra attraverso un coro di voci che plasma e sviscera suoni e parole. La canzone napoletana è una colonna portante della storia musicale del nostro Paese, un fenomeno unico ed irripetibile che stenta ad esaurirsi. Tuttavia, quando scompare un artista come Roberto Murolo (1912-2003) si avverte una strana sensazione. Sembra di essere diventati improvvisamente incapaci di scrivere il diario della storia di questa canzone, che ha riscattato un popolo e più generazioni da preoccupazioni, fallimenti ed illusioni. E’ come se nella penna stilografica più preziosa fosse finito l’inchiostro per continuare a trascrivere, attraverso il timbro di una voce vellutata ed elegante, la longevità di sonorità capaci di scuotere l’anima di qualsiasi ascoltatore, anche del più disattento.

NAPOLI SENZA MUROLO – Pensando alla canzone partenopea senza Murolo, è lecito lasciarsi prendere dal panico e convincersi che il volto principesco e nobile della chanson napolitaine si sia dileguato nel vento. Eredi non ci sono e non ce ne saranno. Oggi chi si vanta con superbia di cantare Napoli in giro per il mondo è lontano anni di luce dal pianeta Murolo perché ha fatto della volgarità uno stile di vita. Del resto la linea d’ombra che separa “la napoletanità” dal “napoletanismo” è così sottile da disorientare chiunque cerchi di mantenere con coerenza una posizione. Roberto, figlio del poeta Ernesto Murolo, è uno dei pochi ad appartenere a quelli della prima schiera, coloro che hanno cellofanato Napoli e la sua poesia in un sussurro aggraziato. Accompagnato dai soli accordi di una chitarra, la sua esile voce dipingeva un paesaggio musicale pregnante come un acquerello. Gli anni a cavallo della seconda guerra mondiale, che lo vedono girovagare per l’Europa con il quartetto “Mida”, lo avviano ad una lunga carriera concertistica e discografica. Mentre la rivoluzione canora e sonora di un Carosone è irruente e vistosa, quella di Murolo serpeggia in sordina nei solchi principeschi che ritrovano “un sottile filo di voce” come arma vincente. A questo proposito, è memorabile la sua breve apparizione nel film “Catene” di Matarazzo, dove canta una leggendaria versione della malinconica “Lacrime napulitane”, che rievoca il dramma dell’emigrazione e della lontananza dalla propria terra.

VOCE DA ANTOLOGIA – Prendendo le distanze dagli urlatori e dai presuntosi “tenori”, che recuperavano lo spessore della canzone napoletana nell’ accompagnamento orchestrale, Murolo ci ha lasciato in eredità una preziosa rilettura filologica della canzone napoletana dagli albori ai giorni nostri.La celebre “Antologia napoletana”, pubblicata in 12 dischi a cavallo tra il 1959 e il 1963, riordina un percorso musicale ricco e complesso, anteponendo la sostanzialità della canzone al manierista arrangiamento dei tempi più recenti. Le sue interpretazioni, ammorbidite da squisiti arpeggi vocali, rendono classici come “Voce ‘e notte”, “Piscatore ‘e Pusilleco”, “‘O sole mio”, “‘Na sera ‘e Maggio” o “Munastero ‘e Santa Chiara” delle vere gemme del nostro canzoniere. L’atteso ritorno in studio nel 1992 per la realizzazione dell’album “Ottantavoglia di cantare” segna una nuova fase nella carriera di Murolo: riscoprire, duettando con musicisti come Dalla, De André e Gragnaniello, il sapore e gli slanci di sonorità moderne e contemporanee. Per tutto il decennio quella voce sottile ha continuato a stupirci e ad emozionarci con brani come “Cu ‘mmè” (con Mia Martini) e “Anima e core”, in coppia con una superba Amalia Rodriguez.Adesso che Roberto Murolo non c’è più, sarà più difficile far girare la manovella delle suggestioni e dei batticuori che non finiscono più. Basterà un vecchio e polveroso disco 78 giri?

DISCOGRAFIA ESSENZIALE – Ottanta voglia di cantare (1992); L’Italia è bbella (1993); ‘Na voce ‘na chitarra vol.I (1993); ‘Na voce ‘na chitarra vol.II (1993); Anema e Core (1994); Tu si ‘na cosa grande (1997);Napoletana vol.I (2 CD,2000); Napoletana vol.II (2 CD,2000); Napoletana vol.III (2 CD,2000); Ho sognato di cantare (2002)

Il 23 maggio 2003 esce l’attesissimo “Sono io – l’uomo della storia accanto” di Claudio Baglioni, che nel giro di due settimane si aggiudica il disco di platino con 250.000 copie vendute. Dopo gli anni della sperimentazione, siamo di fronte ad un Baglioni che ritorna alle origini, ai temi e ai tempi musicali a lui più congeniali. La ritmata “Sono io” introduce l’ascoltatore tra le note di chi richiama sé stesso: il ricordo di un amore finito in “Tutto in un abbraccio” (nel ritornello l’abuso di parole come “tuffo” e “crepaccio” lo fanno sembrare la controfigura di Anonimo Italiano, il suo clone degli anni novanta); lo scontro e il confronto tra genitori e figli in “Grand’uomo” (dedicata al figlio Giovanni a ventun’anni di distanza da “Avrai”); l’assenza per la persona che amiamo in “Mai più come te”; una buffa dichiarazione d’amore dei nostri tempi in “Serenata in Sol”; la nostalgia e il dolore per il padre scomparso in “Patapàn”; incisi sulla fine della vita per guardare oltre in “Di là dal ponte” o una sentita preghiera in “Per incanto o per amore”. Un Baglioni che si sente a proprio agio, ritrovando nel suo vecchio dizionario sentimenti e sensazioni alla portata di tutti, un frasario e uno stile che lo rendono incisivo ed immediato. Dopo 18 anni dall’uscita di “La vita è adesso”, un’altra trasformazione nel look: occhiali scuri, pelle abbronzata e capelli imbiancati.

DAL VIVO – I 40 anni di carriera di Claudio Baglioni sono raccolti in sette album dal vivo realizzati tra il 1982 e il 2000, che meritano comunque di essere citati. A Natale del 1982 esce il doppio Alé-OO’, primo album live , che conquista sette dischi di platino.A seguito della tournée “Assolo” da maggio a settembre 1986, a novembre pubblica il triplo album Assolo, con l’inedito “Il sogno è sempre”. Il musicista romano è da solo sul palco con chitarra elettrica, chitarra acustica, piano elettrico e organo per realizzare un live davvero unico ed inimitabile con ben 47 canzoni.Dal tour del 1992 “Oltre, il concerto”, Baglioni seleziona i 32 pezzi migliori e li inserisce negli album Assieme e Ancorassieme, usciti rispettivamente a luglio e a novembre del 1992. I classici rivivono con nuovi ed accattivanti arrangiamenti, mentre le canzoni tratte da “Oltre” vengono eseguite dal vivo con intensa partecipazione.Da questo momento Baglioni comincia a guardare verso lo spettacolo teatrale che si concretizza nell’indimenticabile “Tour Rosso”, che raccoglie 420.000 persone in tutta Italia. Testimonianza di questo viaggio spettacolare è il doppio live Attori e Spettatori, dove la maggior parte dei pezzi riprende gli stessi arrangiamenti dei live “Assieme” e “Ancorassieme”. E’ interessante per la versione rap di “Poster” e per l’interpretazione di “Fammi andar via”.Il 24 settembre 1998, al culmine di una fortunata serie di concerti negli stadi, esce il triplo A-live, un’inutile antologia dal vivo con canzoni tratte dai precedenti album dal vivo e un solo cd di nuove versioni live con l’inedita “Arrivederci o Addio”. Le vendite aumentano con l’uscita del doppio Acustico, che dal 24 novembre 2001 raggiunge in poco tempo le 150.000 copie. Un doppio album intimo che raccoglie la maggior parte dei pezzi suonati durante la tournée “Sogno di una notte di mezza estate”, realizzata negli anfiteatri del nostro Paese. Gli ultimi live sono Crescendo e cercando (2005) e Quegli degli altri tutti qui (2006).

Dopo cinque anni di silenzio di Claudio Baglioni, il 26 settembre 1995 esce “Io sono qui”, un nuovo album strutturato come un film musicato. Infatti, i 12 brani inediti sono intervallati da brevi intermezzi musicali (Inzio, Primo Tempo, Secondo Tempo, Intervallo, Terzo Tempo, Quarto Tempo, Fine)che rievocano il percorso dell’opera d’arte cinematografica.A parte l’orecchiabile “Io sono qui”, la struggente “Fammi andar via”, il remake della famosa canzone napoletana “Reginella” o la variopinta “Bolero”, l’album non mantiene una chiara e costante identità musicale. Da segnalare “I titoli di coda” dove si avverte in maniera prepotente il timore da parte dell’autore dell’arrivo repentino della morte. Tema particolarmente caro al Baglioni degli anni novanta.

ANIME IN GIOCO (1997) - Reduce assieme a Fabio Fazio del successo televisivo “Anima mia”, revival tv degli anni settanta, Baglioni pubblica il 15 maggio 1997 un album contenente le re-incisioni dei migliori pezzi eseguiti durante la trasmissione. In “Anime in gioco”, Baglioni duetta tra l’altro con Enzo Jannacci (”E la vita la vita”), Roberto Vecchioni (”Donna felicità”), Riccardo Cocciante (”Pippi Calzelunghe” che diventa una canzone malinconica!)e Orietta Berti (”Il nostro concerto”). Una rivisitazione scherzosa di brani editi che fanno parte della scaletta musicale degli anni di piombo. Per gli appassionati delle serie tv, si segnalano le sigle dei telefilm “Sandokan” e “Mork e Mindy”; e dei cartoni animati “Heidi” ed “Ufo Robot”. Un Baglioni diverso che non avremmo mai immaginato!

VIAGGIATORE SULLA CODA DEL TEMPO (1999) – Anche Baglioni vive e cerca di catturare un momento importante della nostra storia collettiva: la fine del XX secolo e il passaggio al terzo millennio. Il 30 ottobre 1999 esce “Viaggiatore sulla coda del tempo”, un album che si sforza a fatica di essere sperimentale e di trovare nell’atmosfera ipertecnologica del terzo millennio nuovi suoni e sonorità. Sembra un lavoro discografico venuto dallo spazio (nella copertina Baglioni assomiglia più a un personaggio di “Star Trek” che a sé stesso!), in certi punti poco personale e molto artefatto. Si segnalano i brani “Cuore di aliante”, usato dalla Omnitel come tormentone per uno spot pubblicitario, “Opere e omissioni”, “A domani” e “A Cla’”. E’ l’album meno entusiasmante della carriera del musicista romano.

“Strada Facendo”, disco di platino, apre un nuovo decennio per Claudio Baglioni e si colloca come il primo capitolo di una trilogia di successo che culminerà nel 1990 con il doppio album “Oltre”. Pubblicato nel giugno 1981, è sicuramente l’album più autobiografico di Baglioni, che nell’omonima canzone tira le somme sul percorso fatto e su quello che c’è da fare, “lasciandosi dietro il sellino della moto una parola che assomiglia a quella di speranza” (questa frase sarà l’epitaffio di Alé-Oo’, la prima grande tournée di Baglioni). Le canzoni sono congiunte dal brano “51 Montesacro”, scomposto in quattro parti che rievocano l’infanzia di Claudio, tra sogni e piccole fantasticherie in una camera in subaffitto della Roma degli anni cinquanta. Un viale di canzoni che rispolverano le tappe della vita: l’ansia di libertà e di fuga (”Via”), la senilità in bilico tra saggezza e le ombre della morte (”I vecchi”), la vita della notte che precede la luce del giorno (”Notti”), un dolce ritratto dei paesi dell’Est (”Ragazze dell’Est), immagini sbiadite della vita che scorre (”Fotografie”), una tenera serenata (”Ora che ho te”), e in chiusura, un canto di augurio per un domani migliore (”Buona Fortuna”).

LA VITA E’ ADESSO (1985) – Arrangiato da Cerare Valli, “La vita è adesso” esce a giugno e si rivela l’album più cantato di tutta l’estate 1985. Un’altra importante sterzata nella vita del cantautore romano, che si è liberato della sua zazzera e si ripresenta al pubblico con un nuovo look. 10 canzoni inedite con un approccio al verso del tutto nuovo. Tagliando i ponti con l’asfissiante grammatica della struttura metrica, Baglioni accorpa i versi dei brani e li fa ricorrere uno dietro l’altro. Ogni parola acciuffa l’altra e l’effetto sonoro è sorprendente. Si segnalano le struggenti “Tutto il calcio minuto per minuto” e “E adesso la pubblicità”; la drammatica “Uomini persi” (in filigrana affronta il tema del terrorismo); le speranzose “Un nuovo giorno o un giorno nuovo” e “L’amico e domani”; la sentimentale “Amori in corso” e il bellissimo notturno “Notte di note note di notte”. Se in “Strada facendo”, brano di punta del precedente album, Baglioni faceva i conti con il passato e col divenire, nella canzone “La vita è adesso” si scompone e ricompone il tempo presente come unica certezza della vita che scorre. “La vita è adesso” è uno splendido inno alla vita, ai piccoli particolari, alle piccole emozioni della nostra fugace esistenza.

OLTRE (1990) - Nel novembre 1989 parte la campagna di prenotazione del nuovo e misterioso album di Baglioni. Non trapela niente. Un anno dopo, il 16 novembre 1990 esce finalmente il doppio “Oltre – Un mondo uomo sotto un cielo mago”, un lavoro discografico molto complesso partorito dopo un lungo periodo di gestazione (la corsa affannosa in apertura nel brano “Dagli il via” rappresenta questo stato d’animo). Nei giorni precedenti, il musicista era rimasto illeso da un brutto incidente. Nonostante le 100.000 copie vendute nel giro di due settimane, al primo ascolto il pubblico resta perplesso di fronte a questo nuovo Baglioni. Ci vorrà tempo prima di rendersi conto che questa è l’opera maxima del cantautore romano, finalmente liberatosi dall’etichetta della ballata d’amore sdolcinata e mielosa. “Nel mezzo del cammin di nostra vita…”, il Claudio quarantenne decide di affrontare un viaggio interiore ai confini della propria coscienza di uomo e di artista. L’immagine della bellissima ed emblematica copertina lo vede sofferente tra le fiamme di una dimensione quasi infernale. “Oltre” è un viaggio catartico, attraverso 20 brani inediti, per rivivere e centellinare i temi universali della nostra esistenza: dalla magia e superstizione di “Acqua dalla luna” al richiamo della morte di “Tamburi lontani”, dalla fine di un amore eterno di “Mille giorni di te e di me” (una delle ballate più intense degli ultimi trent’anni) alla ricerca di una tranquillità interiore di “Io dal mare”. La figura femminile perde ogni connotato autobiografico (pensiamo alla “Signora Lia” degli anni settanta) e diventa evanescente ed irraggiungibile come la “Signora delle ore scure”, mentre lo stesso cantico d’amore affonda le radici in una complessità meditativa mai ascoltata prima (”Domani mai” o “Noi no”). La canzone d’apertura “Dagli il via” è lo spartiacque e l’anello di congiungimento tra il Baglioni di ieri e quello di oggi. Nell’album, ospiti d’eccezione come la compianta Mimì Berté, in arte Mia Martini.

Claudio Baglioni (1970), album di esordio del cantautore romano, è un tessuto di stati d’animo molto personali che richiamano la quotidianità dello stesso Baglioni. Il brano di apertura è la malinconica “Notte di Natale” (blasfema secondo la dirigenza RAI che la censurerà nel 1971) che si affianca alla triste “Le lacrime di marzo”, dove serpeggia l’angoscia per una morte prematura e la presa di coscienza sulla caducità della vita. A parte la loquace “Una favola blu”, l’intero album segue un itinerario molto interiore che culmina con i brani “I silenzi del tuo amore” e “Mia cara Esmeralda”. Un Baglioni acerbo di non facile ascolto, un collage di singoli messi assieme dalla RCA. Eliminato subito dal mercato, l’album sarà ristampato soltanto nel 1988.

UN CANTASTORIE DEI GIORNI NOSTRI (1971) – La copertina lo ritrae assieme al suo fedele compagno d’avventura: il pianoforte. Alcuni brani della session dell’anno precedente vengono riproposti con l’aggiunta di alcuni inediti. La RCA, infatti, aveva deciso di eliminare definitivamente l’album “Claudio Baglioni” dal catalogo e mandare al macero le copie in giacenza. Con questo LP, uscito nel settembre 1971, inizia la discografia ufficiale di Baglioni, che diventa un cantastorie e traccia il profilo di stati d’animo e persone che appartengono alla vita di tutti i giorni: una passionale dichiarazione d’amore (”Se…caso mai”), l’insoddisfazione e l’infedeltà di una donna (”Signora Lia”), la pensione del mendicante Samuel che arriva troppo tardi (”Vecchio Samuel”) o i momenti sbarazzini che ci regala la vita (”Io la ragazza e la gente”). L’album conserva quell’atmosfera intima e lunare del precedente.

QUESTO PICCOLO GRANDE AMORE (1972) – “Questo piccolo grande amore”, pubblicato il 30 settembre e balzato nel 1972 ai primi posti della hit parade, viene segnalato non solo perché contiene la celeberrima ballata che consacra definitivamente Baglioni. E’ tra i primi concept-album realizzati in Italia, ovvero un album a tema. Di fatto, le 14 canzoni che lo compongono sono unite tra loro da un leit-motiv unico: l’amore come sentimento incomparabile ed universale, nelle sue diverse manifestazioni. Il sipario si alza su “Piazza del Popolo” e “Porta Portese”, luoghi iconografici della Roma di Baglioni, per raccontare l’evoluzione di un amore dall’inizio alla fine attraverso l’incontro (”Una faccia pulita”), il litigio (”Battibecco”), l’innamoramento (”Con tutto l’amore che posso…”), il matrimonio (”Io ti prendo come mia sposa”), l’amore del passato (”Questo piccolo grande amore”), la nostalgia (”Sembra il primo giorno”). Tocco di classe la copertina, con un disegno che proietta le emozioni in una visione fumettistica. Il 6 gennaio 1985, “Questo piccolo grande amore” sarà proclamata la canzone d’amore più bella del secolo.

GIRA CHE TI RIGIRA AMORE BELLO (1973) – Il legame tra il cantautore e la sua città, che si snoda in quest’album, è evidenziato dalla copertina. Sullo sfondo della Roma imperiale, Baglioni si fa ritrarre assieme alla sua Camilla, l’inseparabile auto Citroen 2cv divenuta un oggetto di culto e data in fiamme durante le riprese del video dell’album. Le canzoni di “Gira che ti rigira amore bello”, uscito nel maggio 1973, sono legate da un sottile filo autobiografico che sfiorano la tenerezza delle pagine di un diario: dalla drammatica “Gira che ti rigira” alla scanzonata “W L’Inghilterra”, dalla struggente “Io me ne andrei” allo squarcio fotografico di “Ragazza di campagna”, dalla romantica “Amore bello” alla più intima “Lettera”. Un album lineare dove l’amore e la nostalgia tentano altre strade, altri

Se non finisse mica il cielo, il canto del cigno non si fermerebbe più. Chi lo arresterebbe più, anche se il mistero della morte ci avvolge e ci decompone. La voce di un cigno non finisce più, continua ad echeggiare attorno a noi e ce la troviamo a ronzare accanto a noi in ogni momento della giornata. E’ successo per molti voci che hanno smesso di cantare per fatalità o per il duro gioco del destino, e non poteva non accadere per Mia Martini (1947-1995), indimenticabile icona della musica leggera italiana, scomparsa dieci anni fa. Gli anniversari a volte sono così miseri e deplorevoli perché per lo più finiscono per diventare per qualcuno operazione di marketing e business.

DA DOMENICA A MIMI’ – L’adolescenza di Domenica Berté si consuma tra il canto, la danza e lo studio del pianoforte. Il suo talent scount è Carlo Alberto Rossi, l’autore di “E se domani”, che per la sua etichetta milanese Juke Box le fa un provino e le affida il primo disco a soli 15 anni. Il titolo sembra quasi profetico: “I miei baci non puoi scordare”, e forse quei baci ricchi di emozione e passione non li abbiamo davvero mai più dimenticati. Una gran bella soddisfazione per chi crede nel canto, per chi vuole viverlo come uno stile di vita, forse anche come un modo per esorcizzare le piccole paure e fragilità della vita di tutti i giorni.Il passaggio artistico da Domenica a Mimì Bertè avviene nel 1964 con la vittoria al Festival di Bellaria con il pezzo “Il Magone”. Ad accompagnarla c’è un nuovo look: codini e scamiciata. Negli anni romani, frequenta il liceo artistico e si dedica anima e corpo alle jam-session, interpretando il repertorio di mostri sacri come Ella Fitzgerald, Sara Vaughan, e Aretha Franklin.

SEMPLICEMENTE, MIA – Nei primi anni settanta canta al Piper 2000 di Viareggio e si fa notare da Alberigo Crocetta: nasce Mia Martini. Nel nome d’arte c’è l’omaggio all’attrice Mia Farrow, nel cognome d’arte il richiamo al Martini, bevanda famosa made in Italy. Una buona strategia di marketing commerciale, magari per tentare il successo anche oltralpe. Il look è davvero provocatorio con bombetta, e le permette di firmare il primo contratto con la RCA per il concept- album “Oltre la collina”, prodotto da Baglioni e Coggio, con la canzone”Lacrime di Marzo”, scritta dallo stesso duo di “Questo piccolo grande amore”. Dopo il passaggio discografico alla Ricordi, nel 1972 ottiene il successo di critica e di pubblico al Festivalbar con il brano “Piccolo uomo”. Gli anni settanta trascorrono tra cambi repentini di look e una collezione di successi: da “Minuetto”, firmata da Califano e Baldan Bembo, a “Inno”, da “Libera” a “La costruzione di un amore”, scritta dal suo compagno Ivano Fossati.

GLI ANNI ‘80 E ‘90 – Gli anni ottanta si aprono con la partecipazione al festival di Sanremo. Nel 1982, l’anno in cui vince Riccardo Fogli con “Storie di tutti i giorni”, la Martini conquista la platea dell’Ariston con “E Non finisce mica il cielo”. Prova a ritornarci tre anni dopo con un brano scritto per lei da Paolo Conte ma viene bocciata alle preselezioni. Comincia un periodo di lungo silenzio che termina nel 1989, quando Bruno Lauzi e Maurizio Fabrizio la riportano in auge proprio al festival di Sanremo con il gioiello “Almeno tu nell’universo”. Si aggiudica il premio della critica e si dedica all’interpretazioni di brani di giovani autori come Enzo Gragnaniello. Interpreta belle canzoni che diventano molto popolari ed entrano a far parte dell’immaginario collettivo de confuso canzoniere italiano di quegli anni. Si pensi a “La nevicata del ‘56″, a “Donne” o a “Cu ‘mme”, incisa assieme all’ugola napoletana Roberto Murolo. Dopo anni di litigi e allontanamenti, si riavvicina alla sorella Loredana e nel 1993 porta in coppia con lei sul palco di Sanremo la canzone poco fortunata “Stiamo come stiamo”. Tuttavia, dalla metà degli anni novanta comincia un lento periodo di declino che si conclude nella tragica morte del maggio del 1995.

UNA STELLA DA RICORDARE – Mia Martini rimane una delle voci più belle della nostra tradizione musicale. Durante un’intervista, Claudio Baglioni mi ha detto: “E’ nella nostra memoria. Mimì era una ragazza fantastica, una grande artista. Io ho avuto la fortuna di scrivere delle canzoni per lei ed è stata l’unica per cui sono riuscito a scrivere qualcosa”.Quella sua voce aggressiva e roca come la carta vetrata ha contribuito a farla diventare col tempo un’interprete di classe. Purtroppo, Mimì Berté è stata un’altra vittima dello star-system della musica leggera. Le dicerie malefiche e superstiziose che la hanno fatta passare come che portasse energie negative, ha fatto sì che in molte occasioni rimanesse ai margini. E forse, proprio questa assurda marginalità, ha dato il soffio finale su quella fiammella che l’ha portata via. Di lei ci manca soprattutto quella tendenza ad entrare in simbiosi con ogni canzone che passava davanti al suo microfono. Adesso quelle canzoni le appartengono.

DISCOGRAFIA ESSENZIALE – Oltre la collina (1971); Nel mondo una cosa (1972); Il giorno dopo(1973); Mia Martini(1973); E’ proprio come vivere (1974); Sensi e controsensi(1975); Un altro giorno con me (1975); Che vuoi che sia…se t’ho aspettato tanto(1976); Per amarti (1977); Danza (1978); Mimì (1981); Quante volte ho contato le stelle (1982); Miei compagni di viaggio in concerto(1983); Martini Mia(1989); La mia razza(1990); Mi basta solo che sia un amore(1991); Mia Martini in concerto(1991); Lacrime (1992); Rapsodia (il meglio di mia martini)(1992); Indimenticabile mia(1996); Mia Martini 1996(1996); Il meglio di Mia Martini(1997); Una donna, una storia (1998); Mimì sarà(2000); Canzoni segrete(2003); I colori del mio universo (2006).